Cathal Gaffney is the managing director of Brown Bag Films.
Established in 1994, Brown Bag Films are an animation studio producing high quality children's television programmes and television commercials for international markets. Credits include "Inuk" , "I'm an Animal", "Crap Rap" 1 & 2 , "Why?" , "Taxi", "Barstool" & "Peig".
Brown Bag Films have picked up numerous awards over the years and in 2002 were nominated for an Academy Award for their short film ‘Give Up Yer Aul Sins’.
"Give Up Yer Aul Sins"
Based on the original recordings taken by Peig Cunningham in Dublin schoolrooms from the 1960's, (subsequently re-discovered and released by EMI record) this film dramatises the event as a TV crew arrive to record the children and we are treated to the story of John the Baptist told as only children can. It received an Academy Award nomination for Best Animated Short at the 2001 Oscars. (via)
Brown Bag Films en Wikipedia
Cathal Gaffney en IMDB
Darren Price
Basado en una historia real, Potapych es un genial corto de animación que cuenta la historia de un oso al que le gustaba el vodka. Es obra de Darren Price, un australiano trabajando en Londres para Nexus Productions, y fue comisionado por Channel 4 tras ser seleccionado por el equipo de Mesh, una iniciativa de dicho canal para descubrir talentos de la animación por ordenador.(via)
"Potapych, The Bear who loved vodka" (2006)
WEB de Darren
"Potapych, The Bear who loved vodka" (2006)
WEB de Darren
Edward Foster
Edward graduated with a first class Animation degree from the University of Lincolnshire and Humberside and won the Royal Television award for his graduation film "Pensioner Penny".
Before enroling at the NFTS Edward divided his time working as a
freelance animator for production companies Blue Sunflower and Klacto Veesedstene on various commercial projects including a twenty minute short for Sir Paul McCartney.
"Anna Spud" is his graduation film. (via)
"Anna Spud" (2003)
"Harold & Mabel"
"Pensioner Penny"
Blog de Ed Foster
Before enroling at the NFTS Edward divided his time working as a
freelance animator for production companies Blue Sunflower and Klacto Veesedstene on various commercial projects including a twenty minute short for Sir Paul McCartney.
"Anna Spud" is his graduation film. (via)
"Anna Spud" (2003)
"Harold & Mabel"
"Pensioner Penny"
Blog de Ed Foster
Juan Pablo Zaramella
Juan Pablo Zaramella es uno de los realizadores de la animación latinoamericana más originales y creativos. Desde su independencia, haciendo trabajos por encargo con los cuales financia sus obras, se ha ido labrando un prestigio distinguible en el universo de la animación stop motion, esa modalidad trabajosa y compleja del medio.
Juan Pablo Zaramella (7 de abril de 1972, Buenos Aires, Argentina). Animador independiente argentino, que desarrolla su carrera conjuntamente con su esposa Silvina Cornillón.
Licenciado como Director de Cine Animado por el Instituto de Cine de Avellaneda. Empieza su carrera en el mundo de la publicidad, realizando ilustraciones e infografías, trabajos por los que obtiene numerosos premios.
En 2001 realiza su primer cortometraje, "El Desafío a la Muerte". Su siguiente obra "Viaje a Marte" (2005)[1] obtiene un amplio reconocimiento a nivel internacional (Sydney Film Festival, Anima Mundi 05) El mismo año, realiza "El Guante", obra de pixilación inspirada en Norman McLaren[2]. En 2006 realiza "Sexteens", un cortometraje con fines pedagógicos sobre el sexo en la adolescencia. "Lapsus" (2007)[3] representa un cambio de estilo en su obra, al abandonar el stop-motion que caracteriza hasta ese momento su trabajo, por un estilo gráfico bidimensional y por la que también recibe numerosos premios (Anima Mundi 07).
El estilo de Zaramella es bastante diferenciado de otros autores de animación stop-motion contemporáneos. La fisonomía de sus figuras, con rasgos bastante simples y en apariencia poco expresivos, lo emparenta en cierta manera a animadores como Jiří Trnka, al crear personajes de gran profundidad psicológica sobre figuras de rasgos casi inmóviles. Su labor también se extiende al terreno de la publicidad televisiva.(via)
"Sexteens" (2006)
Tarjeta Naranja - Américan Express (2007)
Tarjeta Naranja - Américan Express MAKING OFF (2007)
semilla inase
WEB de Juan Pablo Zaramella Se pueden ver fragmentos de sus animaciones.
Entrevista en Cinecrópolis
Entrevista en la revista Miradas
Juan Pablo Zaramella (7 de abril de 1972, Buenos Aires, Argentina). Animador independiente argentino, que desarrolla su carrera conjuntamente con su esposa Silvina Cornillón.
Licenciado como Director de Cine Animado por el Instituto de Cine de Avellaneda. Empieza su carrera en el mundo de la publicidad, realizando ilustraciones e infografías, trabajos por los que obtiene numerosos premios.
En 2001 realiza su primer cortometraje, "El Desafío a la Muerte". Su siguiente obra "Viaje a Marte" (2005)[1] obtiene un amplio reconocimiento a nivel internacional (Sydney Film Festival, Anima Mundi 05) El mismo año, realiza "El Guante", obra de pixilación inspirada en Norman McLaren[2]. En 2006 realiza "Sexteens", un cortometraje con fines pedagógicos sobre el sexo en la adolescencia. "Lapsus" (2007)[3] representa un cambio de estilo en su obra, al abandonar el stop-motion que caracteriza hasta ese momento su trabajo, por un estilo gráfico bidimensional y por la que también recibe numerosos premios (Anima Mundi 07).
El estilo de Zaramella es bastante diferenciado de otros autores de animación stop-motion contemporáneos. La fisonomía de sus figuras, con rasgos bastante simples y en apariencia poco expresivos, lo emparenta en cierta manera a animadores como Jiří Trnka, al crear personajes de gran profundidad psicológica sobre figuras de rasgos casi inmóviles. Su labor también se extiende al terreno de la publicidad televisiva.(via)
"Sexteens" (2006)
Tarjeta Naranja - Américan Express (2007)
Tarjeta Naranja - Américan Express MAKING OFF (2007)
semilla inase
WEB de Juan Pablo Zaramella Se pueden ver fragmentos de sus animaciones.
Entrevista en Cinecrópolis
Entrevista en la revista Miradas
Jean-Philippe Florin
UPA & Mister Magoo
UPA Pictures , o United Productions of America, fue un histórico estudio de animación americano. En su tiempo fue el equivalente al arte moderno para los cartoons. Uno de sus personajes principales fue el conocido Mister Magoo.
La UPA fue fundada alrededor del año 1941 cuando varios animadores veteranos de los Disney studios decidieron abrirse de la compañía, que no satisfacía sus necesidades artísticas. Uno de los animadores que formó parte del éxodo fue John Hubley, quien se sentía desconforme con el estilo ultrarealista que Disney había consolidado. Hubley, influenciado por la obra de Chuck Jones, comenzó a promover la idea de que la animación no necesitaba ser ese proceso penoso en busca de imitar la realidad, sino que podía seguir intereses más artísticos.
Luego de dejar la Disney, Hubley trabajó en conjunto con los animadores Stephen Bosustow, David Hilberman, y Zachary Schwartz, formando un estudio que primero se dió en llamar United Film Production y luego Industrial Films and Poster Service, en el que podían implementar sus ideas acerca de la animación. Aquellos eran tiempos de guerra, y el pequeño estudio necesitaba ingresos, por lo que deciden trabajar para el gobierno haciendo propaganda. Su primer cartoon fue Hell-Bent for Election y promovía la reelección de Roosevelt . Fue dirigido por Chuck Jones, y logró tener éxito y dar suficiente fama al estudio, que pasó entonces a llamarse United Productions of America (UPA)
"Hell-Bent For Election" (1944) Part 1
"Hell-Bent For Election" (1944) Part 2
Los contratos de la UPA con el gobierno se evaporaron rápidamente cuando el FBI comenzó a investigar actividades comunistas en Hollywood a fines de los años 40. Si bien no hubo cargos formales hacia ninguno de la UPA en los inicios del McCarthismo, los contratos se cancelaron cuando se incrementaron los roces entre Washington y Hollywood.
"Unicorn in the Garden" (1953) dirigida por William T Hurtz
"Christopher Crumpet" (1953) dirigida por Robert Cannon
"Ballet-oop" (1954) dirigida por Robert Cannon
"The Rise of Duton Lang" (1955) dirigida por Osmond Evans
Acabada la guerra, el futuro de la UPA era incierto. Ya no había demanda de propaganda, y Hilberman y Schwartz abandonaron la compañía. Por ese entonces la productora Columbia Pictures buscaba un reemplazo para su estudio de animación y halló en la UPA al adecuado. Así la UPA comenzó a realizar cartoons para el público general. Al principio emplearon a los personajes del antiguo estudio, y luego le dieron vida a personajes propios como Mister Magoo. Magoo era un personaje humano, que seguía las dos reglas autoimpuestas por el estudio: nada de animales parlanchines, y nada de tortazos. (via)
"Gerald McBoing Boing - On Plant Moo" dirigida por Robert Cannon. Esta serie ganó el Óscar en 1950.
"Gerald McBoing Boing - How Now Boing Boing" dirigida por Robert Cannon.
"Tell Tale Heart " (1953) The Tell-Tale Heart is a wonderful animated short film of 1953 based on Edgar Allan Poe short-story. The story told by a mad man has a dark visual with a perfect work of narration by James Mason. It is a UPA Production and was the first cartoon to be X-rated (adults only) in Great Britain under the British Board of Film Censors classification system. Really great - you have to see it.(via)
Mr. Magoo
Aquest curiós personatge no és altre que en Mr. Quincy Magoo, un dels primers intents de l'animació de recrear un personatge humà. El seu creador original, John Hubley, animador i director, tenia una tendència notable envers l'experimentació formal i el realisme emocional. Com el gran gruix d'animadors americans, Hubley va començar treballant a Disney durant la creació de grans pel·lícules com Blancaneus i els set nans o Dumbo. Durant aquesta primera època de l'animació Disney era considerada com un dels pilars del nou art americà juntament amb el Jazz i el propi Walt Disney mantenia una relació paternalista amb els seus dibuixants.
Malauradament, el descontent no va demorar-se en arribar i Hubley, juntament amb altres dibuixants, va abandonar la gran companyia durant la vaga de empleats de Disney del 41, sota pretextos de disputes salarials, per fundar una nova empresa anomenada UPA (United Productions of America). Aquest nou estudi va sorprendre per la seva visió no ultra realista del món i en la utilització de l'animació com a vehicle per a l'art.
Va ser en aquest context on va néixer el film "The Ragtime Bear" l'any 1949, un film que Columbia (que per aquell llavors finançava la UPA) casi no va permetre que arribés al gran públic. Però, finalment, ho va permetre degut a que hi apareixia un ós. Tot i així, el públic no va trigar a descobrir que l'autentica estrella era el propi Mr. Magoo.
Però, qui era realment en Magoo? Distanciant-se totalment de les tendències del moment, es tracta d'un simpàtic home vell que es ficava en tota mena de situacions compromeses degut a la seva vista deficient i que tenia una gat que ell creia que era un gos.
"Bungled Bungalow" (1950) dirigida por Pete Burness
Magoo va ser trencador respecte a tots els demés personatges animals. "The Ragtime Bear" va tenir un èxit notable i el seu creador original, John Hubley, va entregar el relleu del personatge al dibuixant Pete Burness.
Els èxits de la UPA seguien endavant i, sota la direcció de Burness, Magoo aconseguiria dos Oscars amb "When Magoo Flew (1955)" i "Magoo's Puddle Jumper" (1956). Durant aquesta època el prestigi i la popularitat d'en Magoo van romandre més elevats que mai, arribant a convertir-se en una de les principals icones de la UPA i apareixent a la primera pel·lícula de llarga durada de l'estudi "1001 Arabian Nights" a l'any 1959.
L'estil d'animació de la UPA, "L'Animació Limitada", es diferenciava de la de Disney degut a que utilitzaven menys fotogrames per segon per aconseguir un nou efecte que era mes proper a una nova forma d'art. Aquesta tècnica va ser imitada pels estudis que creaven animació per la televisió, especialment Hanna-Barbera Productions, abaratint així els costos de la mateixa. Més que crear art, la finalitat de l'ús d'aquesta tècnica era abaratir els costos.
"Destination Magoo " (1954) dirigida por Pete Burness
Amb "Mr. Magoo's Christmas Carol" (1963) la UPA llençava la primera sèrie destinada a la petita pantalla protagonitzada pel propi Magoo, el qual revivia situacions nadalenques típiques, sent tot un èxit al combinar l'esperit nadalenc del conte de Charles Dickens i convertint-se en tot un clàssic dels 60. Desgraciadament, l'UPA va caure en temps difícils i, davant l'imminent ruïna, va haver de vendre tots els seus personatges tan sols mantenint els drets dels més populars, entre ells en Magoo.
Durant la dècada dels 70, la UPA va contractar un altre estudi per que realitzés una nova sèrie sobre Mr Magoo anomenada "What's New Mr. Magoo", ja que la pròpia UPA va decidir deixar de produïr per televisió.
"Mr. Magoo meets FRANKENSTEIN" dirigida por Gil Turner
Com a última aparició del carismàtic ancià, el 1997, seguint la moda de portar els personatges d'animació al cinema amb actors reals, la pel·lícula Mr. Magoo va ser estrenada, tot i que l'acceptació del públic va ser mínima degut a que diverses associacions van protestar per l'humor basat en la ceguesa del protagonista.
Mr. Quincy Magoo era pelat i curt de vista. La base de l'humor d'aquest homenet de nas prominent es l'ingeni del qual feia ús per a sortejar las dificultats varies que li sorgien al llarg dels anys. Confondre policies amb semàfors o gats amb gossos era típic d'aquest peculiar personatge. Tot i així, en Magoo se'n sortia prou be. Sobreviure als desastres sempre amb un somriure i bona cara era el seu lema, això si, sense treure's mai el barret. Era sapastre i sempre ho espatllava tot, però mai de la vida es rendia ni perdia el seu sentit del humor.
"Magoo's Buggy" (1961) dirigida por Steve Clark
Sens dubte es tracta del personatge mes famós de tots els que va crear la UPA als anys cinquanta, i ha arribat a eclipsar a tots els demés d'avui dia. ¿Per què? Potser perquè aquest despistat insignificant i presumptuós posseeix un major encant, similar al dels altres personatges de la època de productores rivals, en un moment en que l'humor físic absurd i vertiginós que havia triomfat en la animació americana durant els anys trenta i quaranta començava a caure en desús i els diàlegs àgils i delirants començaven a tenir la seva importància; potser perquè les demés estrelles animades de la productora, com Gerard McBoing-Boing o Christopher Crumpert, es mouen per reflexions i reflexes psicoanalítics i filosòfics de la societat contemporània - no gaire diferent de la societat industrial, d'oci i de consum d'avui dia -, en la seva intenció d'apartar-se del cliché fabulista de Disney, mentre que Magoo opta per un toc més comercial, ell és un homenet corrent que afronta i derrota als monstres de la vida, els obstacles més gegants, en un viatge còmic sempre equilibrat no només per simple inconsciència, sinó també perquè els seus defectes físics -al·legoria summament clara- fan invulnerable la serenitat del seu propi ésser; o perquè es un personatge al qual les seves desafortunades aventures amb final feliç es van proveïr molt bé d'un missatge entre línies, amb el que el nord-americà mitjà es va saber identificar, gaudint així d'un èxit immediat.
"Dangerous Dan Magoo" (1962) dirigida por Clyde Geronimi
En fi, qui sap els motius, però el cert es que Mr. Magoo continuaria donant guerra en els seixanta i setanta com estrella televisiva, faria publicitat, faria alguna pel·lícula d'animació i algun especial televisiu i fins i tot Leslie Nielsen l'interpretaria en el film d'imatge real "Mr. Magoo" (1997) de Stanley Tong. En qualsevol cas, mereix el seu lloc per dret propi en el Olimp dels cartoons nordamericans.
Alan Tapscott (A&T'05)(via)
La UPA fue fundada alrededor del año 1941 cuando varios animadores veteranos de los Disney studios decidieron abrirse de la compañía, que no satisfacía sus necesidades artísticas. Uno de los animadores que formó parte del éxodo fue John Hubley, quien se sentía desconforme con el estilo ultrarealista que Disney había consolidado. Hubley, influenciado por la obra de Chuck Jones, comenzó a promover la idea de que la animación no necesitaba ser ese proceso penoso en busca de imitar la realidad, sino que podía seguir intereses más artísticos.
Luego de dejar la Disney, Hubley trabajó en conjunto con los animadores Stephen Bosustow, David Hilberman, y Zachary Schwartz, formando un estudio que primero se dió en llamar United Film Production y luego Industrial Films and Poster Service, en el que podían implementar sus ideas acerca de la animación. Aquellos eran tiempos de guerra, y el pequeño estudio necesitaba ingresos, por lo que deciden trabajar para el gobierno haciendo propaganda. Su primer cartoon fue Hell-Bent for Election y promovía la reelección de Roosevelt . Fue dirigido por Chuck Jones, y logró tener éxito y dar suficiente fama al estudio, que pasó entonces a llamarse United Productions of America (UPA)
"Hell-Bent For Election" (1944) Part 1
"Hell-Bent For Election" (1944) Part 2
Los contratos de la UPA con el gobierno se evaporaron rápidamente cuando el FBI comenzó a investigar actividades comunistas en Hollywood a fines de los años 40. Si bien no hubo cargos formales hacia ninguno de la UPA en los inicios del McCarthismo, los contratos se cancelaron cuando se incrementaron los roces entre Washington y Hollywood.
"Unicorn in the Garden" (1953) dirigida por William T Hurtz
"Christopher Crumpet" (1953) dirigida por Robert Cannon
"Ballet-oop" (1954) dirigida por Robert Cannon
"The Rise of Duton Lang" (1955) dirigida por Osmond Evans
Acabada la guerra, el futuro de la UPA era incierto. Ya no había demanda de propaganda, y Hilberman y Schwartz abandonaron la compañía. Por ese entonces la productora Columbia Pictures buscaba un reemplazo para su estudio de animación y halló en la UPA al adecuado. Así la UPA comenzó a realizar cartoons para el público general. Al principio emplearon a los personajes del antiguo estudio, y luego le dieron vida a personajes propios como Mister Magoo. Magoo era un personaje humano, que seguía las dos reglas autoimpuestas por el estudio: nada de animales parlanchines, y nada de tortazos. (via)
"Gerald McBoing Boing - On Plant Moo" dirigida por Robert Cannon. Esta serie ganó el Óscar en 1950.
"Gerald McBoing Boing - How Now Boing Boing" dirigida por Robert Cannon.
"Tell Tale Heart " (1953) The Tell-Tale Heart is a wonderful animated short film of 1953 based on Edgar Allan Poe short-story. The story told by a mad man has a dark visual with a perfect work of narration by James Mason. It is a UPA Production and was the first cartoon to be X-rated (adults only) in Great Britain under the British Board of Film Censors classification system. Really great - you have to see it.(via)
Mr. Magoo
Aquest curiós personatge no és altre que en Mr. Quincy Magoo, un dels primers intents de l'animació de recrear un personatge humà. El seu creador original, John Hubley, animador i director, tenia una tendència notable envers l'experimentació formal i el realisme emocional. Com el gran gruix d'animadors americans, Hubley va començar treballant a Disney durant la creació de grans pel·lícules com Blancaneus i els set nans o Dumbo. Durant aquesta primera època de l'animació Disney era considerada com un dels pilars del nou art americà juntament amb el Jazz i el propi Walt Disney mantenia una relació paternalista amb els seus dibuixants.
Malauradament, el descontent no va demorar-se en arribar i Hubley, juntament amb altres dibuixants, va abandonar la gran companyia durant la vaga de empleats de Disney del 41, sota pretextos de disputes salarials, per fundar una nova empresa anomenada UPA (United Productions of America). Aquest nou estudi va sorprendre per la seva visió no ultra realista del món i en la utilització de l'animació com a vehicle per a l'art.
Va ser en aquest context on va néixer el film "The Ragtime Bear" l'any 1949, un film que Columbia (que per aquell llavors finançava la UPA) casi no va permetre que arribés al gran públic. Però, finalment, ho va permetre degut a que hi apareixia un ós. Tot i així, el públic no va trigar a descobrir que l'autentica estrella era el propi Mr. Magoo.
Però, qui era realment en Magoo? Distanciant-se totalment de les tendències del moment, es tracta d'un simpàtic home vell que es ficava en tota mena de situacions compromeses degut a la seva vista deficient i que tenia una gat que ell creia que era un gos.
"Bungled Bungalow" (1950) dirigida por Pete Burness
Magoo va ser trencador respecte a tots els demés personatges animals. "The Ragtime Bear" va tenir un èxit notable i el seu creador original, John Hubley, va entregar el relleu del personatge al dibuixant Pete Burness.
Els èxits de la UPA seguien endavant i, sota la direcció de Burness, Magoo aconseguiria dos Oscars amb "When Magoo Flew (1955)" i "Magoo's Puddle Jumper" (1956). Durant aquesta època el prestigi i la popularitat d'en Magoo van romandre més elevats que mai, arribant a convertir-se en una de les principals icones de la UPA i apareixent a la primera pel·lícula de llarga durada de l'estudi "1001 Arabian Nights" a l'any 1959.
L'estil d'animació de la UPA, "L'Animació Limitada", es diferenciava de la de Disney degut a que utilitzaven menys fotogrames per segon per aconseguir un nou efecte que era mes proper a una nova forma d'art. Aquesta tècnica va ser imitada pels estudis que creaven animació per la televisió, especialment Hanna-Barbera Productions, abaratint així els costos de la mateixa. Més que crear art, la finalitat de l'ús d'aquesta tècnica era abaratir els costos.
"Destination Magoo " (1954) dirigida por Pete Burness
Amb "Mr. Magoo's Christmas Carol" (1963) la UPA llençava la primera sèrie destinada a la petita pantalla protagonitzada pel propi Magoo, el qual revivia situacions nadalenques típiques, sent tot un èxit al combinar l'esperit nadalenc del conte de Charles Dickens i convertint-se en tot un clàssic dels 60. Desgraciadament, l'UPA va caure en temps difícils i, davant l'imminent ruïna, va haver de vendre tots els seus personatges tan sols mantenint els drets dels més populars, entre ells en Magoo.
Durant la dècada dels 70, la UPA va contractar un altre estudi per que realitzés una nova sèrie sobre Mr Magoo anomenada "What's New Mr. Magoo", ja que la pròpia UPA va decidir deixar de produïr per televisió.
"Mr. Magoo meets FRANKENSTEIN" dirigida por Gil Turner
Com a última aparició del carismàtic ancià, el 1997, seguint la moda de portar els personatges d'animació al cinema amb actors reals, la pel·lícula Mr. Magoo va ser estrenada, tot i que l'acceptació del públic va ser mínima degut a que diverses associacions van protestar per l'humor basat en la ceguesa del protagonista.
Mr. Quincy Magoo era pelat i curt de vista. La base de l'humor d'aquest homenet de nas prominent es l'ingeni del qual feia ús per a sortejar las dificultats varies que li sorgien al llarg dels anys. Confondre policies amb semàfors o gats amb gossos era típic d'aquest peculiar personatge. Tot i així, en Magoo se'n sortia prou be. Sobreviure als desastres sempre amb un somriure i bona cara era el seu lema, això si, sense treure's mai el barret. Era sapastre i sempre ho espatllava tot, però mai de la vida es rendia ni perdia el seu sentit del humor.
"Magoo's Buggy" (1961) dirigida por Steve Clark
Sens dubte es tracta del personatge mes famós de tots els que va crear la UPA als anys cinquanta, i ha arribat a eclipsar a tots els demés d'avui dia. ¿Per què? Potser perquè aquest despistat insignificant i presumptuós posseeix un major encant, similar al dels altres personatges de la època de productores rivals, en un moment en que l'humor físic absurd i vertiginós que havia triomfat en la animació americana durant els anys trenta i quaranta començava a caure en desús i els diàlegs àgils i delirants començaven a tenir la seva importància; potser perquè les demés estrelles animades de la productora, com Gerard McBoing-Boing o Christopher Crumpert, es mouen per reflexions i reflexes psicoanalítics i filosòfics de la societat contemporània - no gaire diferent de la societat industrial, d'oci i de consum d'avui dia -, en la seva intenció d'apartar-se del cliché fabulista de Disney, mentre que Magoo opta per un toc més comercial, ell és un homenet corrent que afronta i derrota als monstres de la vida, els obstacles més gegants, en un viatge còmic sempre equilibrat no només per simple inconsciència, sinó també perquè els seus defectes físics -al·legoria summament clara- fan invulnerable la serenitat del seu propi ésser; o perquè es un personatge al qual les seves desafortunades aventures amb final feliç es van proveïr molt bé d'un missatge entre línies, amb el que el nord-americà mitjà es va saber identificar, gaudint així d'un èxit immediat.
"Dangerous Dan Magoo" (1962) dirigida por Clyde Geronimi
En fi, qui sap els motius, però el cert es que Mr. Magoo continuaria donant guerra en els seixanta i setanta com estrella televisiva, faria publicitat, faria alguna pel·lícula d'animació i algun especial televisiu i fins i tot Leslie Nielsen l'interpretaria en el film d'imatge real "Mr. Magoo" (1997) de Stanley Tong. En qualsevol cas, mereix el seu lloc per dret propi en el Olimp dels cartoons nordamericans.
Alan Tapscott (A&T'05)(via)
John & Faith Hubley
El matrimonio Hubley es también el mágico matrimonio entre la experiencia y la curiosidad, el humor y el sentido de lo trágico, la pasión y la razón avasallante. En numerosos años de trayectoria compartida, han redefinido el concepto de Animación y demostrado -una vez más- que una simple serie de dibujos en movimiento pueden ayudar a cambiar el mundo. ¡Y cómo!
Combinando texturas, acuarelas, crayones, exposiciones múltiples e iluminaciones a contra-cámara, han sellado un estilo único que trata temas universales desde miradas bien puntuales, como la de sus inocentes hijas preguntándose porqué el mundo funciona como lo hace, o la de un par de trabajadores en las vísceras de New York especulando sobre los accidentes, el libre albedrío y el futuro de la Humanidad. Leyendas hindúes, mesoamericanas o de Oriente Medio nos conducen a imaginarios exóticos que despiertan al niño que llevamos dentro.
Sin dudas, un elemento importantísimo en esta invocación es la perfecta fusión entre imagen y banda sonora. En muchos de sus trabajos, los Hubley han colaborado íntimamente con músicos de jazz, entre los que destacan Benny Carter, Quincy Jones y Dizzy Gillespie [este último también se ha convertido en co-guionista, gracias a su conocida habilidad para la improvisación]. Es así cómo banda sonora, fondo y figura abandonan su espacio-temporalidad para conducirnos a los límites de la abstracción [el verdadero Arte Hubley], convirtiendo la Narrativa en Metáfora de algo inabarcable.
mad-movies Screening the Heterodox ha seleccionado una serie de cortometrajes que revelan los toques aportados por cada uno: John, su lucidez y talento técnico-artístico desarrollado en los estudios Disney; Faith, su amor por la diversidad cultural y espíritu rebelde que encuentra en la variedad infinita de su línea, mil y una formas de expresión. Un matrimonio único que cambia todos los corazones que tocan. Sin lenguajes ni fronteras.
"The Tender Game" (1958)
Inspirada en la canción Tenderly de Jack Lawrence y Walter Gross, una tierna animación sobre una florista y un barrendero que se enamoran perdidamente.
· The Adventures of *
(1957) · 10 min. · VOSE x mad
La historia de un hombre que ha olvidado que alguna vez fue niño. Gracias a su propio hijo puede recuperar finalmente la inocencia y la fantasía a través del juego.
· Urbanissimo
(1966) · 6 min
Una brillante comedia sobre la devastación y alineación que produce el urbanismo exagerado en América.
· Of Men and Demons
(1969) · 10 min.
Una pareja de humanos aprende al mejor estilo Zen, cómo utilizar las fuerzas destructivas de la Naturaleza [representadas en los demonios de la Lluvia, el Fuego y el Viento] para su propio beneficio.
· Eggs
(1970) · 10 min. · VOSE x mad
Un emotivo trabajo improvisado por David Burns y Anita Ellis sobre la lucha entre la Vida y la Muerte. Otro estudio sobre un “posible mundo futuro” superpoblado y hambriento. Humor y parodia se hacen eco de un mensaje para reflexionar.
· DIG: A Journey into the Earth
(1972) · 25 min. · VOSE x mad
Nuestro guía Rocky “el rodante” nos conducirá por las distintas capas geológicas de la Tierra en un viaje alucinante de descubrimiento y aprendizaje.
(via)
John Hubley
The most influential animator of the postwar era, John Hubley was born May 21, 1914, in Marinette, WI. After graduating from the Los Angeles Art Center, he first made his mark while at Walt Disney Studios, working on films like 1940's Fantasia (for which he served as art director) and 1942's Bambi. However, Hubley quickly grew disenchanted with the hallmarks of the Disney style — the naturalism, the anthropomorphic character design, the detailed artwork, and the gag comedy — and in 1941 he left the studio to explore a more contemporary approach in line with the work of abstract illustrators like Saul Steinberg.
After signing on as chief director with the upstart First Motion Picture Unit, which soon changed its name to United Productions of America (UPA), Hubley instituted a series of sweeping changes that encouraged his animation team to push the boundaries of the form, establishing a house aesthetic which favored modern art techniques, unusual angles and textures, and distinctive color combinations. In comparison to the graceful movement of the Disney studios and the vivid 3-D backgrounds of the Fleischer brothers' productions, the UPA style was something entirely new: Color gave way to light and shadow, backdrops were reduced to floating shapes, and abstract lines assumed the place of detailed drawings.
A mid-1950s commercial produced at John Hubley's Storyboard. Hubley boarded and designed the commercial with Bob Guidi, a well-known West Coast graphic designer. Rod Scribner animated the spot. (via)
Here’s the first of what will hopefully be many more posts with videoclips. This is a Heinz 57 commercial (ca. 1954-55) produced at John Hubley’s Storyboard studio, while he was still based in Los Angeles.(via)
Not only did the world of animation feel the effects of Hubley's vision, even live-action films took notice; the famed graphic designer Saul Bass admittedly absorbed the UPA influence into his stunning title sequences. In addition, Hubley's methods were efficient; cartoons like 1951's Gerald McBoing Boing and the following year's Rooty Toot Toot perfected an economic style which, far removed from the painstaking animation previously in vogue, saved both time and money. Among his other achievements was the creation of the hopelessly near-sighted Mr. Magoo, a popular character inspired by Hubley's own uncle.
"Mr. Magoo - Military Magoo" (TV series 1964-1965)
At the peak of UPA's influence, however, Hubley was forced to resign his position as a result of McCarthyism. Teaming with his wife, Faith, he founded Storyboard Productions in 1955. In 1959, the couple won an Oscar for their animated short film "Moonbirds"; another Oscar was garnered by The Hole three years later. 1961's Of Stars and Men was the Hubleys' feature-length debut, followed in 1965 by Year of the Horse. After overseeing such other notable shorts as 1967's The Windy Day and 1974's Academy Award-nominated Voyage to Next, John Hubley died on February 21, 1977. He was 62 years old. (via)
"Rooty Toot Toot " (1951)
"Moonbirds" (1959)
"Cockaboody - (1973) John & Faith Hubley combined animation with the voices of their preschool daughters (Georgia & Emily) to make this award winning short. Similar in concept to their earlier work "Moonbird".
"Sesame Street - Baby Loses Ball" From 1970, another cartoon from Storyboard Films, John and Faith Hubley's studio. The educational message of this one is obvious...just when your problems seem insurmountable, that's when a giant clown will appear to help you
"The Electric Company - True Blue Sue"
"The Electric Company - My darling, it was ing"
"A Doonesbury Special" part 1 A 30-minute animated special made in 1978. Written by Garry Trudeau, Produced and directed by John and Faith Hubley.
"The Adventures of Letterman - Bigger Than Life" Another episode of John & Faith Hubley's classic cartoon series for The Electric Company, with Gene Wilder as Letterman, Zero Mostel as the Spellbinder, and Joan Rivers narrating.
Faith Hubley
“¿Qué significa para mí ser una artista independiente? Significa Libertad.
No puedo concebir ninguna otra forma de ser”. Faith Hubley.
Tras una infancia y adolescencia difíciles, esta gran ilustradora y animadora neoyorquina deambuló por el mundo explorando diversas formas de expresión artística. En 1955 se casó con el también animador John Hubley; sus votos nupciales fueron sólo dos: comer con sus hijos todas las noches y realizar una peli independiente al año. Para asegurarse la libertad creativa fundaron su propio estudio de animación en N.Y. y cumplieron la promesa. Incluso después de la muerte de John en 1977, Faith continuó realizando anualmente sus trabajos en solitario, desmintiendo el título que el sistema le había impuesto de mera asistente de su marido.
Inspirada por las mitologías del mundo y con planos y líneas de estética algo neolítica e infantil [muy al estilo de Miró], esta auténtica superviviente encontró una forma única de plasmar su amor por la diversidad cultural que supera las limitaciones del lenguaje. Esta selección de sus trabajos personales muestran lo mejor de su arte, su compromiso social, su odio a la guerra y su crítica hacia la desigualdad de la mujer.
"Who am I" (1988)
· My universe inside out [1996]
Una emotiva animación autobiográfica que recorre prácticamente toda su vida, desde su nacimiento hasta los primeros pasos de sus nietos. Narrado por Faith misma con una síntesis tan certera que puede sonar hasta fría [casi como quien lee un historial médico], expone sus traumas y placeres con la magia propia de su estilo. Faith murió en el 2001.
· Women of the world [1975]
La primera incursión de Faith en solitario que comenzó en 1974 cuando le diagnosticaron un cáncer incurable. Está claro que se habían equivocado. Esta pieza es un homenaje a todas las mujeres del mundo representadas como símbolos de paz, fertilidad, diálogo y armonía.
· Time of the angels [1987]
Una interpretación de tres poemas latinoamericanos plagada de simbolismos. Cada poema es narrado en castellano e inglés y llevado a dimensiones insospechadas a través del trazo Hubley y un interesante trabajo en la banda sonora.
· Yes we can [1989]
Ganadora de una mención de Cannes, esta obra está basada en poemas de Kabir Sant, Black Elk y Homero. Su visión mística del universo le permite dar cuerpo a la Madre Tierra y expresar en poéticas imágenes su lucha contra el Hombre que todo lo devora. La música es de Don Christensen en la primera de sus tantas colaboraciones con Faith.
· Upside down [1991]
Nuevamente el tema es Gaia, el espíritu de la Madre Tierra. Este poema visual describe la delicada relación entre el Hombre y su planeta. Con mensaje esperanzador, sugiere un futuro de armonía, belleza y equilibrio donde todos reconocemos nuestra responsabilidad en su constante deterioro y ponemos nuestro granito de arena para evitarlo.
· Cloudland [1993]
Inspirándose en la mitología y el arte aborigen australianos, esta obra con criaturas míticas, paisajes surrealistas y una banda sonora sumamente eficaz, reconstruye desde una visión infantil un extraño lugar conocido como el “País de las Nubes”. (via)
Independent Spirits : The Faith and John Hubley Story
wikipedia
Combinando texturas, acuarelas, crayones, exposiciones múltiples e iluminaciones a contra-cámara, han sellado un estilo único que trata temas universales desde miradas bien puntuales, como la de sus inocentes hijas preguntándose porqué el mundo funciona como lo hace, o la de un par de trabajadores en las vísceras de New York especulando sobre los accidentes, el libre albedrío y el futuro de la Humanidad. Leyendas hindúes, mesoamericanas o de Oriente Medio nos conducen a imaginarios exóticos que despiertan al niño que llevamos dentro.
Sin dudas, un elemento importantísimo en esta invocación es la perfecta fusión entre imagen y banda sonora. En muchos de sus trabajos, los Hubley han colaborado íntimamente con músicos de jazz, entre los que destacan Benny Carter, Quincy Jones y Dizzy Gillespie [este último también se ha convertido en co-guionista, gracias a su conocida habilidad para la improvisación]. Es así cómo banda sonora, fondo y figura abandonan su espacio-temporalidad para conducirnos a los límites de la abstracción [el verdadero Arte Hubley], convirtiendo la Narrativa en Metáfora de algo inabarcable.
mad-movies Screening the Heterodox ha seleccionado una serie de cortometrajes que revelan los toques aportados por cada uno: John, su lucidez y talento técnico-artístico desarrollado en los estudios Disney; Faith, su amor por la diversidad cultural y espíritu rebelde que encuentra en la variedad infinita de su línea, mil y una formas de expresión. Un matrimonio único que cambia todos los corazones que tocan. Sin lenguajes ni fronteras.
"The Tender Game" (1958)
Inspirada en la canción Tenderly de Jack Lawrence y Walter Gross, una tierna animación sobre una florista y un barrendero que se enamoran perdidamente.
· The Adventures of *
(1957) · 10 min. · VOSE x mad
La historia de un hombre que ha olvidado que alguna vez fue niño. Gracias a su propio hijo puede recuperar finalmente la inocencia y la fantasía a través del juego.
· Urbanissimo
(1966) · 6 min
Una brillante comedia sobre la devastación y alineación que produce el urbanismo exagerado en América.
· Of Men and Demons
(1969) · 10 min.
Una pareja de humanos aprende al mejor estilo Zen, cómo utilizar las fuerzas destructivas de la Naturaleza [representadas en los demonios de la Lluvia, el Fuego y el Viento] para su propio beneficio.
· Eggs
(1970) · 10 min. · VOSE x mad
Un emotivo trabajo improvisado por David Burns y Anita Ellis sobre la lucha entre la Vida y la Muerte. Otro estudio sobre un “posible mundo futuro” superpoblado y hambriento. Humor y parodia se hacen eco de un mensaje para reflexionar.
· DIG: A Journey into the Earth
(1972) · 25 min. · VOSE x mad
Nuestro guía Rocky “el rodante” nos conducirá por las distintas capas geológicas de la Tierra en un viaje alucinante de descubrimiento y aprendizaje.
(via)
John Hubley
The most influential animator of the postwar era, John Hubley was born May 21, 1914, in Marinette, WI. After graduating from the Los Angeles Art Center, he first made his mark while at Walt Disney Studios, working on films like 1940's Fantasia (for which he served as art director) and 1942's Bambi. However, Hubley quickly grew disenchanted with the hallmarks of the Disney style — the naturalism, the anthropomorphic character design, the detailed artwork, and the gag comedy — and in 1941 he left the studio to explore a more contemporary approach in line with the work of abstract illustrators like Saul Steinberg.
After signing on as chief director with the upstart First Motion Picture Unit, which soon changed its name to United Productions of America (UPA), Hubley instituted a series of sweeping changes that encouraged his animation team to push the boundaries of the form, establishing a house aesthetic which favored modern art techniques, unusual angles and textures, and distinctive color combinations. In comparison to the graceful movement of the Disney studios and the vivid 3-D backgrounds of the Fleischer brothers' productions, the UPA style was something entirely new: Color gave way to light and shadow, backdrops were reduced to floating shapes, and abstract lines assumed the place of detailed drawings.
A mid-1950s commercial produced at John Hubley's Storyboard. Hubley boarded and designed the commercial with Bob Guidi, a well-known West Coast graphic designer. Rod Scribner animated the spot. (via)
Here’s the first of what will hopefully be many more posts with videoclips. This is a Heinz 57 commercial (ca. 1954-55) produced at John Hubley’s Storyboard studio, while he was still based in Los Angeles.(via)
Not only did the world of animation feel the effects of Hubley's vision, even live-action films took notice; the famed graphic designer Saul Bass admittedly absorbed the UPA influence into his stunning title sequences. In addition, Hubley's methods were efficient; cartoons like 1951's Gerald McBoing Boing and the following year's Rooty Toot Toot perfected an economic style which, far removed from the painstaking animation previously in vogue, saved both time and money. Among his other achievements was the creation of the hopelessly near-sighted Mr. Magoo, a popular character inspired by Hubley's own uncle.
"Mr. Magoo - Military Magoo" (TV series 1964-1965)
At the peak of UPA's influence, however, Hubley was forced to resign his position as a result of McCarthyism. Teaming with his wife, Faith, he founded Storyboard Productions in 1955. In 1959, the couple won an Oscar for their animated short film "Moonbirds"; another Oscar was garnered by The Hole three years later. 1961's Of Stars and Men was the Hubleys' feature-length debut, followed in 1965 by Year of the Horse. After overseeing such other notable shorts as 1967's The Windy Day and 1974's Academy Award-nominated Voyage to Next, John Hubley died on February 21, 1977. He was 62 years old. (via)
"Rooty Toot Toot " (1951)
"Moonbirds" (1959)
"Cockaboody - (1973) John & Faith Hubley combined animation with the voices of their preschool daughters (Georgia & Emily) to make this award winning short. Similar in concept to their earlier work "Moonbird".
"Sesame Street - Baby Loses Ball" From 1970, another cartoon from Storyboard Films, John and Faith Hubley's studio. The educational message of this one is obvious...just when your problems seem insurmountable, that's when a giant clown will appear to help you
"The Electric Company - True Blue Sue"
"The Electric Company - My darling, it was ing"
"A Doonesbury Special" part 1 A 30-minute animated special made in 1978. Written by Garry Trudeau, Produced and directed by John and Faith Hubley.
"The Adventures of Letterman - Bigger Than Life" Another episode of John & Faith Hubley's classic cartoon series for The Electric Company, with Gene Wilder as Letterman, Zero Mostel as the Spellbinder, and Joan Rivers narrating.
Faith Hubley
“¿Qué significa para mí ser una artista independiente? Significa Libertad.
No puedo concebir ninguna otra forma de ser”. Faith Hubley.
Tras una infancia y adolescencia difíciles, esta gran ilustradora y animadora neoyorquina deambuló por el mundo explorando diversas formas de expresión artística. En 1955 se casó con el también animador John Hubley; sus votos nupciales fueron sólo dos: comer con sus hijos todas las noches y realizar una peli independiente al año. Para asegurarse la libertad creativa fundaron su propio estudio de animación en N.Y. y cumplieron la promesa. Incluso después de la muerte de John en 1977, Faith continuó realizando anualmente sus trabajos en solitario, desmintiendo el título que el sistema le había impuesto de mera asistente de su marido.
Inspirada por las mitologías del mundo y con planos y líneas de estética algo neolítica e infantil [muy al estilo de Miró], esta auténtica superviviente encontró una forma única de plasmar su amor por la diversidad cultural que supera las limitaciones del lenguaje. Esta selección de sus trabajos personales muestran lo mejor de su arte, su compromiso social, su odio a la guerra y su crítica hacia la desigualdad de la mujer.
"Who am I" (1988)
· My universe inside out [1996]
Una emotiva animación autobiográfica que recorre prácticamente toda su vida, desde su nacimiento hasta los primeros pasos de sus nietos. Narrado por Faith misma con una síntesis tan certera que puede sonar hasta fría [casi como quien lee un historial médico], expone sus traumas y placeres con la magia propia de su estilo. Faith murió en el 2001.
· Women of the world [1975]
La primera incursión de Faith en solitario que comenzó en 1974 cuando le diagnosticaron un cáncer incurable. Está claro que se habían equivocado. Esta pieza es un homenaje a todas las mujeres del mundo representadas como símbolos de paz, fertilidad, diálogo y armonía.
· Time of the angels [1987]
Una interpretación de tres poemas latinoamericanos plagada de simbolismos. Cada poema es narrado en castellano e inglés y llevado a dimensiones insospechadas a través del trazo Hubley y un interesante trabajo en la banda sonora.
· Yes we can [1989]
Ganadora de una mención de Cannes, esta obra está basada en poemas de Kabir Sant, Black Elk y Homero. Su visión mística del universo le permite dar cuerpo a la Madre Tierra y expresar en poéticas imágenes su lucha contra el Hombre que todo lo devora. La música es de Don Christensen en la primera de sus tantas colaboraciones con Faith.
· Upside down [1991]
Nuevamente el tema es Gaia, el espíritu de la Madre Tierra. Este poema visual describe la delicada relación entre el Hombre y su planeta. Con mensaje esperanzador, sugiere un futuro de armonía, belleza y equilibrio donde todos reconocemos nuestra responsabilidad en su constante deterioro y ponemos nuestro granito de arena para evitarlo.
· Cloudland [1993]
Inspirándose en la mitología y el arte aborigen australianos, esta obra con criaturas míticas, paisajes surrealistas y una banda sonora sumamente eficaz, reconstruye desde una visión infantil un extraño lugar conocido como el “País de las Nubes”. (via)
Independent Spirits : The Faith and John Hubley Story
wikipedia
Ivan Ivanov-Vano
Nacido el 08 de Febrero de 1900 - Moscú, Rusia y fallecido en Moscú, el 20 de Mayo de 1987.
El Caballito Jorobado (Konek-Gorbunok, 1976) quizás sea la obra maestra de su director Ivan Ivanov-Vano, injustamente desconocido en occidente Ivanov-Vano es uno de los mas grandes directores de animación de todos los tiempos, considerado el Walt Disney de la animación Rusa por realizar, como este, adaptaciones de cuentos populares. Lo sorprendente del desconocimiento de Ivanov-Vano es que en su obra hay un evidente interés por llegar al gran público, es decir, es una obra perfectamente accesible para públicos de cualquier edad y condición.
Sirvan estos dos ejemplos para tratar de entender cual es la importancia real de Ivanov-Vano dentro de la animación mundial:
Hayao Miyazaki, en unas declaraciones confiesa que no le gustan las películas de Disney. Cita como sus influencias esenciales al francés Paul Grimault y al soviético Ivan Ivanov Vano, así como al largometraje japonés Hakujaden (1958).
Isao Takahata, preguntado sobre las películas que le han marcado cita a dos hitos de la animación Rusa “El caballito Jorobado” de Iván-Ivanov y “La Reina de las Nieves” de Lev Atamanov. (via)
"Seasons" (1969) Directed by Ivan Ivanov-Vano and Yuri Norstein.
La Batalla de Kerzhenets Por David Flórez
En la historia de los países del este de Europa, hablemos de Polonia, de Hungría, de Serbia, de Bulgaria o de Rusia, existe un mito fundacional común, o mejor dicho dos mitos fundacionales que se mezclan entre sí, sin los cuales es imposible entender la forma en que Europa Oriental se ve a sí misma... y ve a Europa Occidental.
Por un lado, está la consciencia de pertenecer a Europa, de ser el baluarte de Europa, el rompeolas contra el cual se han estrellado oleada tras oleada de bárbaros, aun cuando algunos de estos pueblos orientales fueran, en origen, parte de estos bárbaros, gente de fuera de la frontera, una frontera que sólo se trasladó más al este tras el asentamiento y civilización de estos pueblos. Pueblos bárbaros, pueblos enemigos, por tanto, cuyo nombre ha cambiado de nombre a lo largo del tiempo (germanos, hunos, eslavos, ávaros, jázaros, húngaros, búlgaros, cumanos, pechenegos) y que, en la última versión, la construida en los siglos XIV y XV, se ha encarnado en turcos y tártaros. Unas invasiones que han conseguido finalmente doblegar a estos países fronterizos de Europa, los Balcanes en el caso turco, Rusia en el caso tártaro, pero en cuya conquista han perdido las fuerzas, permitiendo el sacrificio de estos países fronterizos que Europa Occidental continuase su evolución sin interrupciones externas.
Por otra parte, se halla asimismo la consciencia de que ese sacrificio nunca ha sido reconocido. Mucho peor, que Europa Occidental nunca ha pensado en Europa Oriental como un igual, sino como un inferior, como pueblos y naciones indistinguibles de los bárbaros que aguardaban al otro lado de la frontera, gentes extrañas y sin civilizar que sólo merecían la conquista, la desaparición en el seno de la verdadera Europa... o el exterminio a manos de sus ejércitos, como habría de ocurrir en tiempos del tercer Reich y la guerra brutal desencadenada por Hitler.
Todo junto, o todo revuelto, si se prefiere, contribuye a que los países del este compartan una cierta cultura del pesimismo. En la historia, en el mito, en la tradición de esos países, no importan las batallas que se libren, no importan las guerras que se combatan. Al final la derrota es segura, sea a manos de los enemigos, los bárbaros, o de los amigos, el mundo civilizado. Lo único que queda, aún cuando sea un consuelo vacuo y huero, es el heroísmo, la certeza de haber luchado hasta el final, de no haberse rendido, aún sabiendo que el resultado, la derrota, estaba ya decidido de antemano.
El corto de Yuri Norstein (en colaboración con Ivan Ivanov-Vano) que se analiza aquí no es otra cosa que la narración de una de esas batallas olvidadas, una más en la que los ejércitos de, tal y como se llamaba antaño, la Santa Rusia marcharon hacia el este contra los enemigos provenientes de las estepas, los mongoles, que habían conquistado el mundo entero, diferentes en raza, lengua y religión, sólo para ser aplastados y destruidos.
Como corresponde a una leyenda, a un mito que hunde sus raíces en los más profundo de la historia y la cultura rusa, un tratamiento demasiado cartesiano y realista, o su opuesto, un tratamiento mas cool o flashy, tipo historieta o El señor de los Anillos, habría constituido una suerte de traición. Norstein y su equipo, por el contrario, optan por resaltar el ambiente de cuento, de mito, de algo viejo y querido, aprendido de niño, que se lleva consigo toda la vida pero que, al mismo tiempo, ya no pertenece al mundo en que se habita.
Para ello, los personajes, los edificios, los paisajes, han sido extraídos de iconos y frescos del medioevo ruso, incluyendo en los diseños las grietas que el tiempo produce en la pintura y las paredes, el difuminado del contorno de las figuras o la paleta antinatural y envejecida de los pintores de aquella época. Esta identificación de la pantalla con un espacio pictórico llega al extremo de adoptar la bidimensionalidad del icono y el fresco ruso, desprovisto de perspectiva realista, de manera que las figuras parecen deslizarse sobre la pantalla en vez de moverse libremente por ella, sin que los animadores se preocupen por disimular este aparente defecto.
En un caso que podríamos llamar extremo, durante una escena que tiene lugar en el interior de una catedral, con la puerta del templo en el centro de la pantalla y las líneas de fuga del edificio convergiendo en ella, se obliga a los personajes a deslizarse por las paredes sin que en ningún momento lleguen a cruzar el espacio arquitectónico. Un ejemplo de la irrealidad, la del mito y la leyenda, en la que voluntariamente los creadores han situado su historia.
Este aspecto de antiguo, de viejo, de mito soñado y recordado, se extiende al modo en que se narra y al modo en que se describen los personajes. La estructura narrativa en sí es muy simple, casi inexistente, aplicable e intercambiable a otras historias distintas, de tradiciones diferentes, como suele ocurrir en los mitos. Introducción - llamada de los héroes - despedida de los amantes - aparición del enemigo - batalla - derrota - milagro - apoteosis. Algo narrado ya muchas veces, casi con el mismo tempo y peripecias, pero que el estilo elegido exige que sea así, para que sea reconocido y aceptado por el espectador como perteneciente a su herencia, su educación y su patrimonio. Una decisión completamente distinta de la praxis flashy de hoy en día, donde sólo interesa mostrar que se es absolutamente nuevo y novedoso, sin influencias, tradiciones o pasado.
Si simple y aparentemente ingenua es la línea narrativa, no lo es menos la presentación de los personajes. Al dibujo, bello y noble, individualizado, rico en colores, de los héroes rusos, de sus mujeres, de sus gráciles y elegantes monturas, representando lo mejor y más noble de un país que está consignado prematuramente a la muerte y la destrucción, se opone la negrura de las hordas de tártaros, trazados cada uno con el mismo diseño, como una masa infinita, inagotable, donde es imposible distinguir rasgos humanos y cuyas monturas son una extraña mezcla de lobo y caballo, tan peligrosas y despiadadas como los propios jinetes, una masa de la cual no se puede esperar compasión ni piedad, una masa de ideas y costumbres extrañas e incompresibles, que nunca podrán ser asumidas, que sólo busca la destrucción y aniquilación de lo que es distinto a ella.
Con esta descripción, el resultado de la batalla está decidido de antemano. Sólo queda al espectador ver como, a pesar de toda resistencia, a pesar de las hazañas de los héroes, las líneas de defensa son rotas, simplemente por el incontable número de los enemigos, porque por cada uno que abatan diez más saldrán al encuentro. Así, una tras otra, cada unidad es separada de las otras y disuelta en la marea enemiga que, como en un maremoto, arrastra y abate todo lo que se le opone. Así, uno tras otro, los héroes van cayendo, momento que, de forma simple pero no menos dramática y efectiva, se señala por que su dibujo es borrado por manchas de pintura que aparecen repentinamente en la pantalla.
Hasta que lo único que queda en el campo de batalla son los muertos propios, sin que nada pueda impedir que los invasores, la masa infinita e inextinguible cuyo número no ha sido reducido por la batalla, se derramen por los campos, ocupen las ciudades, profanen los lugares sagrados, dispongan a su capricho de lo que no es suyo.
Es entonces cuando sucede el milagro al que nos referíamos en la estructura narrativa, cuando ya no queda nada que pueda detener a los bárbaros, son las sombras de los caídos las que forman una última muralla, ante la cual el enemigo vacila, retrocede y se desvanece... para dejar paso al gozo y la alegría, la apoteosis, de unas gentes y unas tierras finalmente en paz.
Milagro y apoteosis, no lo olvidemos, que nunca tuvieron lugar en la larga y cruenta historia de Europa Oriental.
Nota: Resulta curioso comprobar como en apenas unos minutos, este corto consigue lo que Jackson y su El señor de los Anillos no lograron en ¿9 horas? (via)
"Secha pri Kerzhentse - The Battle of Kerzhenets" (1971) Directed by Ivan Ivanov-Vano and Yuri Norstein.
Based on the 1907 opera of Rimsky-Korsakov. The film is set to music by Rimsky-Korsakov and uses Russian frescoes and paintings from the 14th-16th centuries (which are animated using 2-dimensional stop motion animation).
The Adventures of Buratino (Priklyucheniya Buratino, 1959)
A. k. a. "The New Adventures of Pinocchio", es una adaptación de la famosa novela de Tolstoy (Aleksei, no el otro) "La llave de oro" (1936) que era una especie de plagio de la novela de Collodi. Hasta muy recientemente el personaje de Tolstoy, Buratino (Burattino, que significa marioneta o muñeco) era más famoso en los países del Este que el mismísimo Pinocho, siendo adaptado al cine en diversas ocasiones desde la década de los 30. La última versión data de 1975 y se vió en España.
Esta versión de Ivan Ivanov-vano y sus discípulos Dimitri Babichenko y Mikhail Botov es el único largometraje de animación realizado hasta la fecha. La animación es bastante buena, con el cuidado marca de fábrica de la Soyuzmultfilm en aquella época.(via)
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 1/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 2/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 3/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 4/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 5/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 6/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 7/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 8/8
(Wikipedia, listado de sus películas.)
El Caballito Jorobado (Konek-Gorbunok, 1976) quizás sea la obra maestra de su director Ivan Ivanov-Vano, injustamente desconocido en occidente Ivanov-Vano es uno de los mas grandes directores de animación de todos los tiempos, considerado el Walt Disney de la animación Rusa por realizar, como este, adaptaciones de cuentos populares. Lo sorprendente del desconocimiento de Ivanov-Vano es que en su obra hay un evidente interés por llegar al gran público, es decir, es una obra perfectamente accesible para públicos de cualquier edad y condición.
Sirvan estos dos ejemplos para tratar de entender cual es la importancia real de Ivanov-Vano dentro de la animación mundial:
Hayao Miyazaki, en unas declaraciones confiesa que no le gustan las películas de Disney. Cita como sus influencias esenciales al francés Paul Grimault y al soviético Ivan Ivanov Vano, así como al largometraje japonés Hakujaden (1958).
Isao Takahata, preguntado sobre las películas que le han marcado cita a dos hitos de la animación Rusa “El caballito Jorobado” de Iván-Ivanov y “La Reina de las Nieves” de Lev Atamanov. (via)
"Seasons" (1969) Directed by Ivan Ivanov-Vano and Yuri Norstein.
La Batalla de Kerzhenets Por David Flórez
En la historia de los países del este de Europa, hablemos de Polonia, de Hungría, de Serbia, de Bulgaria o de Rusia, existe un mito fundacional común, o mejor dicho dos mitos fundacionales que se mezclan entre sí, sin los cuales es imposible entender la forma en que Europa Oriental se ve a sí misma... y ve a Europa Occidental.
Por un lado, está la consciencia de pertenecer a Europa, de ser el baluarte de Europa, el rompeolas contra el cual se han estrellado oleada tras oleada de bárbaros, aun cuando algunos de estos pueblos orientales fueran, en origen, parte de estos bárbaros, gente de fuera de la frontera, una frontera que sólo se trasladó más al este tras el asentamiento y civilización de estos pueblos. Pueblos bárbaros, pueblos enemigos, por tanto, cuyo nombre ha cambiado de nombre a lo largo del tiempo (germanos, hunos, eslavos, ávaros, jázaros, húngaros, búlgaros, cumanos, pechenegos) y que, en la última versión, la construida en los siglos XIV y XV, se ha encarnado en turcos y tártaros. Unas invasiones que han conseguido finalmente doblegar a estos países fronterizos de Europa, los Balcanes en el caso turco, Rusia en el caso tártaro, pero en cuya conquista han perdido las fuerzas, permitiendo el sacrificio de estos países fronterizos que Europa Occidental continuase su evolución sin interrupciones externas.
Por otra parte, se halla asimismo la consciencia de que ese sacrificio nunca ha sido reconocido. Mucho peor, que Europa Occidental nunca ha pensado en Europa Oriental como un igual, sino como un inferior, como pueblos y naciones indistinguibles de los bárbaros que aguardaban al otro lado de la frontera, gentes extrañas y sin civilizar que sólo merecían la conquista, la desaparición en el seno de la verdadera Europa... o el exterminio a manos de sus ejércitos, como habría de ocurrir en tiempos del tercer Reich y la guerra brutal desencadenada por Hitler.
Todo junto, o todo revuelto, si se prefiere, contribuye a que los países del este compartan una cierta cultura del pesimismo. En la historia, en el mito, en la tradición de esos países, no importan las batallas que se libren, no importan las guerras que se combatan. Al final la derrota es segura, sea a manos de los enemigos, los bárbaros, o de los amigos, el mundo civilizado. Lo único que queda, aún cuando sea un consuelo vacuo y huero, es el heroísmo, la certeza de haber luchado hasta el final, de no haberse rendido, aún sabiendo que el resultado, la derrota, estaba ya decidido de antemano.
El corto de Yuri Norstein (en colaboración con Ivan Ivanov-Vano) que se analiza aquí no es otra cosa que la narración de una de esas batallas olvidadas, una más en la que los ejércitos de, tal y como se llamaba antaño, la Santa Rusia marcharon hacia el este contra los enemigos provenientes de las estepas, los mongoles, que habían conquistado el mundo entero, diferentes en raza, lengua y religión, sólo para ser aplastados y destruidos.
Como corresponde a una leyenda, a un mito que hunde sus raíces en los más profundo de la historia y la cultura rusa, un tratamiento demasiado cartesiano y realista, o su opuesto, un tratamiento mas cool o flashy, tipo historieta o El señor de los Anillos, habría constituido una suerte de traición. Norstein y su equipo, por el contrario, optan por resaltar el ambiente de cuento, de mito, de algo viejo y querido, aprendido de niño, que se lleva consigo toda la vida pero que, al mismo tiempo, ya no pertenece al mundo en que se habita.
Para ello, los personajes, los edificios, los paisajes, han sido extraídos de iconos y frescos del medioevo ruso, incluyendo en los diseños las grietas que el tiempo produce en la pintura y las paredes, el difuminado del contorno de las figuras o la paleta antinatural y envejecida de los pintores de aquella época. Esta identificación de la pantalla con un espacio pictórico llega al extremo de adoptar la bidimensionalidad del icono y el fresco ruso, desprovisto de perspectiva realista, de manera que las figuras parecen deslizarse sobre la pantalla en vez de moverse libremente por ella, sin que los animadores se preocupen por disimular este aparente defecto.
En un caso que podríamos llamar extremo, durante una escena que tiene lugar en el interior de una catedral, con la puerta del templo en el centro de la pantalla y las líneas de fuga del edificio convergiendo en ella, se obliga a los personajes a deslizarse por las paredes sin que en ningún momento lleguen a cruzar el espacio arquitectónico. Un ejemplo de la irrealidad, la del mito y la leyenda, en la que voluntariamente los creadores han situado su historia.
Este aspecto de antiguo, de viejo, de mito soñado y recordado, se extiende al modo en que se narra y al modo en que se describen los personajes. La estructura narrativa en sí es muy simple, casi inexistente, aplicable e intercambiable a otras historias distintas, de tradiciones diferentes, como suele ocurrir en los mitos. Introducción - llamada de los héroes - despedida de los amantes - aparición del enemigo - batalla - derrota - milagro - apoteosis. Algo narrado ya muchas veces, casi con el mismo tempo y peripecias, pero que el estilo elegido exige que sea así, para que sea reconocido y aceptado por el espectador como perteneciente a su herencia, su educación y su patrimonio. Una decisión completamente distinta de la praxis flashy de hoy en día, donde sólo interesa mostrar que se es absolutamente nuevo y novedoso, sin influencias, tradiciones o pasado.
Si simple y aparentemente ingenua es la línea narrativa, no lo es menos la presentación de los personajes. Al dibujo, bello y noble, individualizado, rico en colores, de los héroes rusos, de sus mujeres, de sus gráciles y elegantes monturas, representando lo mejor y más noble de un país que está consignado prematuramente a la muerte y la destrucción, se opone la negrura de las hordas de tártaros, trazados cada uno con el mismo diseño, como una masa infinita, inagotable, donde es imposible distinguir rasgos humanos y cuyas monturas son una extraña mezcla de lobo y caballo, tan peligrosas y despiadadas como los propios jinetes, una masa de la cual no se puede esperar compasión ni piedad, una masa de ideas y costumbres extrañas e incompresibles, que nunca podrán ser asumidas, que sólo busca la destrucción y aniquilación de lo que es distinto a ella.
Con esta descripción, el resultado de la batalla está decidido de antemano. Sólo queda al espectador ver como, a pesar de toda resistencia, a pesar de las hazañas de los héroes, las líneas de defensa son rotas, simplemente por el incontable número de los enemigos, porque por cada uno que abatan diez más saldrán al encuentro. Así, una tras otra, cada unidad es separada de las otras y disuelta en la marea enemiga que, como en un maremoto, arrastra y abate todo lo que se le opone. Así, uno tras otro, los héroes van cayendo, momento que, de forma simple pero no menos dramática y efectiva, se señala por que su dibujo es borrado por manchas de pintura que aparecen repentinamente en la pantalla.
Hasta que lo único que queda en el campo de batalla son los muertos propios, sin que nada pueda impedir que los invasores, la masa infinita e inextinguible cuyo número no ha sido reducido por la batalla, se derramen por los campos, ocupen las ciudades, profanen los lugares sagrados, dispongan a su capricho de lo que no es suyo.
Es entonces cuando sucede el milagro al que nos referíamos en la estructura narrativa, cuando ya no queda nada que pueda detener a los bárbaros, son las sombras de los caídos las que forman una última muralla, ante la cual el enemigo vacila, retrocede y se desvanece... para dejar paso al gozo y la alegría, la apoteosis, de unas gentes y unas tierras finalmente en paz.
Milagro y apoteosis, no lo olvidemos, que nunca tuvieron lugar en la larga y cruenta historia de Europa Oriental.
Nota: Resulta curioso comprobar como en apenas unos minutos, este corto consigue lo que Jackson y su El señor de los Anillos no lograron en ¿9 horas? (via)
"Secha pri Kerzhentse - The Battle of Kerzhenets" (1971) Directed by Ivan Ivanov-Vano and Yuri Norstein.
Based on the 1907 opera of Rimsky-Korsakov. The film is set to music by Rimsky-Korsakov and uses Russian frescoes and paintings from the 14th-16th centuries (which are animated using 2-dimensional stop motion animation).
The Adventures of Buratino (Priklyucheniya Buratino, 1959)
A. k. a. "The New Adventures of Pinocchio", es una adaptación de la famosa novela de Tolstoy (Aleksei, no el otro) "La llave de oro" (1936) que era una especie de plagio de la novela de Collodi. Hasta muy recientemente el personaje de Tolstoy, Buratino (Burattino, que significa marioneta o muñeco) era más famoso en los países del Este que el mismísimo Pinocho, siendo adaptado al cine en diversas ocasiones desde la década de los 30. La última versión data de 1975 y se vió en España.
Esta versión de Ivan Ivanov-vano y sus discípulos Dimitri Babichenko y Mikhail Botov es el único largometraje de animación realizado hasta la fecha. La animación es bastante buena, con el cuidado marca de fábrica de la Soyuzmultfilm en aquella época.(via)
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 1/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 2/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 3/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 4/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 5/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 6/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 7/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 8/8
(Wikipedia, listado de sus películas.)
Propuestas Proyecto Langa
Una Mar de Contes interesantes alternativas visuales a la hora de contar un cuento.
En Vimeo están los trabajos de Storfisk (Veronica Lasenius). Una de las propuestas preescolares mas poéticas que conozco.
storfisk
Henry Holt muestra cómo trabajar "ilustración infantil animada" en Monkey Truck, un tráiler de su cuento ilustrado.
Otro ejemplo de estética mas cercana a la ilustración que a la animación(Realizado por Aardman Animations con ilustraciones de Adrian Johnson´s)
As coisas lá de Casa, José Miguel Ribeiro. Magnífico ejemplo de animación para crios de dos a cinco años usando la música como base.
Jean-Luc Slock "Max, entre ciel et terre" 2004. CameraETC es una productora Belga especializada en dirigir proyectos realizados por los propios niños.
"KJFG Nº5" realizada por Alexei Alexeev StudioBaestArts. Otro ejemplo de producciones del Este (Hungria) con música como base de la animación.
"BOL''SHOJ PETUH" (THE BIG COCK) 2006 Film from series «MOUNTAIN OF GEMS»
Serguey Gordeev.
Rivka Press "Gary and Mildred" (2007) Ejemplos de uso de técnicas alternativas hay muchos, como se ve en "Una ma de contes". En este caso los materiales recortados son animados con un resultado muy atractivo.
vares ja hiired. Aunque pueda resultar un poco tosca la estética, a mi me atrae las posibilidades que tiene.
Serge Danot, THE MAGIC ROUNDABOUT - ORIGINAL BBC 1970's EPISODE Una maravilla visual. Aunque se me escapa la técnica del stop-motion, está lleno de ideas maravillosas.
Pierre-Luc Granjon "La château des autres" 2004
aleksandr-tatarskiy
Bretislav Pojar "Potkali se u Kolina"
En Vimeo están los trabajos de Storfisk (Veronica Lasenius). Una de las propuestas preescolares mas poéticas que conozco.
storfisk
Monkey Truck from Michael Slack on Vimeo.
Henry Holt muestra cómo trabajar "ilustración infantil animada" en Monkey Truck, un tráiler de su cuento ilustrado.
Otro ejemplo de estética mas cercana a la ilustración que a la animación(Realizado por Aardman Animations con ilustraciones de Adrian Johnson´s)
As coisas lá de Casa, José Miguel Ribeiro. Magnífico ejemplo de animación para crios de dos a cinco años usando la música como base.
Jean-Luc Slock "Max, entre ciel et terre" 2004. CameraETC es una productora Belga especializada en dirigir proyectos realizados por los propios niños.
"KJFG Nº5" realizada por Alexei Alexeev StudioBaestArts. Otro ejemplo de producciones del Este (Hungria) con música como base de la animación.
"BOL''SHOJ PETUH" (THE BIG COCK) 2006 Film from series «MOUNTAIN OF GEMS»
Serguey Gordeev.
Rivka Press "Gary and Mildred" (2007) Ejemplos de uso de técnicas alternativas hay muchos, como se ve en "Una ma de contes". En este caso los materiales recortados son animados con un resultado muy atractivo.
vares ja hiired. Aunque pueda resultar un poco tosca la estética, a mi me atrae las posibilidades que tiene.
Serge Danot, THE MAGIC ROUNDABOUT - ORIGINAL BBC 1970's EPISODE Una maravilla visual. Aunque se me escapa la técnica del stop-motion, está lleno de ideas maravillosas.
Pierre-Luc Granjon "La château des autres" 2004
aleksandr-tatarskiy
Bretislav Pojar "Potkali se u Kolina"
Valentin Karavaev
"Муму" Part 1/2 (1987)
"Муму" Part 2/2 (1987)
"A Wise Gudgeon" (1979)
Información de la obra de Karavaev en Animator.ru
Valentin Olshvang
Was born on August 19, 1961 in Yekaterinburg. In 1980 he graduated the theatre – decoration faculty at the Sverdlovsk art-college and he worked in the Theatre for Young Spectators in Yekaterinburg as the scene painter. In 1986 he graduated the Animation section at the Art faculty of the All-Union State Institute of the Cinematography (the V. Kurchevskii’s workshop) and in 1997 - the independent-animators section at the High Courses of the Screenwriters and Directors (U. Norshtein’s workshop). From 1985 he creates as the art director of the cartoon films at the Sverdlovsk’s studio of the artistic animation. Valentin is the author of the book “How do you like it?” (1994, London) and the participant of the multiple art exhibitions. He creates the cartoons since 1997, works as director, screenwriter, artist, scene painter, animator. Many of his compositions were awarded variety of prizes and awards.
The last film “About crayfish” (2003) won the Grand-Prix at the International Film Festival “KROK” in 2003, the Grand-Prix at the Film Festival of the Children Animation “The Golden Fish”, the Special Award at the International Film Festival “Cinanima” in Espinho and the Special Award at the All-Russia Festival of the Animated Films in Suzdal. (via)
"Про раков" Part 1/2
"Про раков" Part 2/2
The last film “About crayfish” (2003) won the Grand-Prix at the International Film Festival “KROK” in 2003, the Grand-Prix at the Film Festival of the Children Animation “The Golden Fish”, the Special Award at the International Film Festival “Cinanima” in Espinho and the Special Award at the All-Russia Festival of the Animated Films in Suzdal. (via)
"Про раков" Part 1/2
"Про раков" Part 2/2
Koji Morimoto
En 1980 se graduó en la escuela de diseño de Osaka y acto seguido entró a trabajar en uno de los estudios de animación más prestigiosos de Japón, Mad House, como dibujante y animador. Al cabo de cuatro años dejo el estudio para convertirse en independiente.
Se alió con Katsuhiro Otomo para trabajar en Akira, como co-director y encargado de los aspectos técnicos, uno de los aspectos en los que destaca la película.
Tras Akira, Morimoto volvió a colaborar con Otomo en Robot Carnival , donde su corto, Franke's Gears, destaca más por su espectacularidad que por un guión elaborado o interesante.
Su posterior trabajo fue un producto totalmente alejado de sus obras anteriores, una película infantil titulada " Tobe! Kijura no piku" ( La ballena blanca ).
Morimoto volvió a colaborar con Otomo en la realización de Memories . Morimoto se encargó de la primera historia, para muchos la mejor de las tres y que da título a la cinta, " Memories, Kanojo no Omoide" ( Los recuerdos de ella ), con guión de Satoshi Kon.
Su siguiente trabajo fue otro corto, titulado Extra, con un marcado aire cyberpunk que fue escogido como uno de los mejores videoclips por la MTV.
"Extra" (1996)
Después de Extra, Morimoto se embarcó en un proyecto diferente, " Eiyou Kazuku", unos cortos de apenas 50 minutos en los que se narraba las historias "cotidianas" de una familia de ficción.
Su nuevo trabajo, un corto de unos 16 minutos titulado "Noiseman", es una obra más o menos ecológica protagonizada por un hombre que absorbe el sonido allá por donde pasa. (via)
Noiseman Sound Instect - SUBS castellano - parte1
Noiseman Sound Instect - SUBS castellano - parte2
Glay - Survival (1997)
"Dimension Loop" - SOS Rescue Version
Studio 4ºC
¿Por qué es tan especial Studio 4ºC? Todo lo que hace está envuelto en un aura de magia muy especial, y las técnicas punteras de dibujo y animación que utiliza el equipo sólo hacen que empujarte todavía más por la madriguera de conejo, transportando al espectador a un país colorido y espectacular lleno de maravillas.
Studio 4ºC se fundó en 1986 por Koji Morimoto, Eiko Tanaka, y Yoshiharu Sato. El nombre viene de la temperatura a la que el agua es más densa (4º Celsius), ya que la política creativa es precisamente un trabajo denso y elaborado. No confundir con el equipo de ayudantes del mangaka Masakazu Katsura (Zetman, DNA²), llamados Studio 4C.
Pese a que la calidad de Studio 4ºC es inigualable, aquí en España no ha conseguido tanta fama como otros estudios como Bones o Manglobe. Sus muy poco convencionales trabajos y su estética tan diferente del anime al que estamos acostumbrados les han convertido en un estudio de culto: se dedican más a la producción de cortos, videoclips y películas propias, dejando el anime televisivo más aparcado.
¿Pero que tiene la animación de este estudio para que sea tan especial? Para empezar desechan todo lo convencional, nada de lineas amables, fondos estáticos ni el uso del típico lenguaje visual del anime.
Su animación, pese a estar cuidada hasta el mas mínimo detalle, haciendo uso de la tecnología mas puntera o sacándole el mayor partido a las técnicas tradicionales, es muy cruda: Lineas irregulares, ángulos y perspectivas imposibles, planos impensables, escenarios infinitos y figuras inimaginables. Y todo ello en movimiento, no hay nada estático, 4ºC es puro dinamismo. Si los grandes estudios de animación japoneses como Ghibli, I.G. o Bones, son conocidos por esa "vida" con la que dotan a sus dibujos, 4ºC ha ido un paso mas allá. Todo ese detallismo minucioso, dinamismo fugaz y crudeza helada dota a la animación de 4ºC de una vida aun más "viva" si cabe.
Studio 4°C - Kung Fu Love by Yasuhiro Aoki. Mas info de esta demo-piloto.
Un staff de lujo
En cuanto echamos un vistazo al equipo que ha trabajado en Studio 4ºC nos echamos a temblar: hay de todo, desde grandes directores hasta brillantes diseñadores de personajes y animadores, y muchos de ellos ejercen un papel multidisciplinar dentro de la compañía. Todos ellos han trabajado en afamadas obras, aportando su genio a la compañía y difundiendo el espíritu característico de 4ºC a todo lo que han hecho después.
Koji Morimoto: El fundador de Studio 4ºC. Comenzó sus trabajos en los estudios Madhouse, pero cuando conoció a Eiko Tanaka durante la realización de la película Akira, se forjó entre ellos una gran amistad que les llevó a crear este espacio propio de creación. Su primer éxito internacional fue el videoclip Extra, del afamado artista techno Ken Ishii. Dirigió Magnetic Rose de Memories, Beyond de Animatrix y otros muchos éxitos de Studio 4ºC, la mayoría cortos de animación. (via)
Animatrix - Beyond(1)
Animatrix - Beyond(2)
Otros componentes de Studio4°C son:
Katsuhiro Otomo, sí, este grande entre los grandes es el responsable indirecto de la formación de Studio 4ºC, ya que sus creadores, Morimoto y Tanaka, se conocieron durante la realización de Akira. Memories fue el primer trabajo del estudio de animación de la compañía, supervisado en su totalidad por Otomo.
Maasaki Yuasa. Director del anime Kemonozume, animador de Crayon Shin Chan, ha participado en Doraemon y en Samurai Champloo... es un crack, otro grande y conocido genio que también ha trabajado para Studio 4ºC. Ha dirigido ni más ni menos que Mind Game.
Shinichiro Watanabe. Este hombre es el director de Macross Plus, Cowboy Bebop, y el creador de Samurai Champloo. Es uno de los grandes de Studio 4ºC, con obras tan espectaculares como Kid's story y Detective Story de Animatrix, y el productor de la música tan especial de Mind Game.
Yoshiharu Ashino. Multicreador, en multiples áreas. Debutó como director con la serie Tweeny Witches y ha participado en cantidad de proyectos como animador: Mind Game, Sakura Cardcaptor, X...
Opening de Tweeny Witches, dirigido por Yoshiharu Ashino:
Opening de "Tweeny Witches"
Chie Uratani, animadora, directora de ilustración y con muchos años en este mundillo, ha trabajado para Miyazaki en Las aventuras de Sherlock Holmes y en Kiki's Delivery Service. Tras trabajar como freelance un tiempo se ha quedado en Studio 4ºC, ilustrando Memories, Mind Game, Tekkonkinkreet, etc. y dirigiendo uno de los capítulos de Kimagure Robot.
Three wishes, de Kimagure Robot, dirigido por Chie Uratani:
"Three wishes"
Hidekazu Ohara es bien conocido en Japón por ser un creador de multiples estilos en géneros muy diferentes. Ahora ha montado su propio estudio llamado Studio Aloha, pero nos ha dejado locuras geniales como este corto de Grasshoppa!: Proffesor Dan Petry's blues:
"Proffesor Dan Petry's blues"
Masahiko Kubo, uno de los grandes artistas de Studio 4ºC, ha trabajado como animador, coreografo y director de ilustración. Creador de algunos cortos de animación, director de animación de Tweeny Witches y director de ilustración de Tekkonkinkreet. En 2004, la escena de la persecución en coche de Mind Game la ilustró toda él solito, aquí os la dejo:
"Mind Game"
Kobayashi Osamu es ilustrador, diseñador y director, un creador con multiples talentos en géneros tan diferentes como propagandas, anime y videojuegos. Se ha ganado la fama dirigiendo anime de TV como Paradise Kiss y Beck y en Studio 4ºC ha trabajado como director de Digital juice y Grasshoppa!
No he encontrado nada de Studio 4ºC para enseñaros, pero aquí os dejo el corto que hizo Kobayashi este año para el Ani-kuri (un especial de animación de la NHK), producido por los estudios Madhouse. Decidme si no tiene cierto aire del estilo 4ºC:
"Ani Kuri" 15 Ep3
Tatsuyuki Tanaka, otro genio de la ilustración, la animación y el manga. En Studio 4ºC ha sido creador de imagen en numerosas ocasiones. Trabajó en el storyboard de Eternal Family junto a Koji Morimoto, ha realizado su propio corto de animación para Genius Party(Tounin Kit), y ha dirigido un brillante anuncio para Nike, que os dejo a continuación:
NIKE - Temptation
Kazuto Nakazawa, un coreógrafo y un artista brillante al mismo tiempo, en Studio 4ºC se ha lucido con uno de los cortos de Grasshoppa! (Comedy), pero también es el diseñador de personajes de Samurai Champloo, director de la parte de animación de Kill Bill 1, y director del videoclip Breaking de Habit, de Linkin Park.
Michael Arias, productor en Animatrix, también ha trabajado para los hermanos Coen y para Paul Verhoeven entre otros como productor de efectos especiales y CG. Su primera obra en Studio 4ºC ha sido la afamada Tekkonkinkreet.
Mahiro Maeda, uno de los fundadores del estudio Gonzo, es el director del anime de TV Gankutsuou, una serie muy controvertida, tenéis que echarle un vistazo. Su primer trabajo para Studio 4ºC fue dirigir The Second Renaissance, uno de los cortos más espectaculares de Animatrix. (via:nishibu)
Entrevista a Mrs. Tanaka, presidente de animación del estudio Studio4°C
Se alió con Katsuhiro Otomo para trabajar en Akira, como co-director y encargado de los aspectos técnicos, uno de los aspectos en los que destaca la película.
Tras Akira, Morimoto volvió a colaborar con Otomo en Robot Carnival , donde su corto, Franke's Gears, destaca más por su espectacularidad que por un guión elaborado o interesante.
Su posterior trabajo fue un producto totalmente alejado de sus obras anteriores, una película infantil titulada " Tobe! Kijura no piku" ( La ballena blanca ).
Morimoto volvió a colaborar con Otomo en la realización de Memories . Morimoto se encargó de la primera historia, para muchos la mejor de las tres y que da título a la cinta, " Memories, Kanojo no Omoide" ( Los recuerdos de ella ), con guión de Satoshi Kon.
Su siguiente trabajo fue otro corto, titulado Extra, con un marcado aire cyberpunk que fue escogido como uno de los mejores videoclips por la MTV.
"Extra" (1996)
Después de Extra, Morimoto se embarcó en un proyecto diferente, " Eiyou Kazuku", unos cortos de apenas 50 minutos en los que se narraba las historias "cotidianas" de una familia de ficción.
Su nuevo trabajo, un corto de unos 16 minutos titulado "Noiseman", es una obra más o menos ecológica protagonizada por un hombre que absorbe el sonido allá por donde pasa. (via)
Noiseman Sound Instect - SUBS castellano - parte1
Noiseman Sound Instect - SUBS castellano - parte2
Glay - Survival (1997)
"Dimension Loop" - SOS Rescue Version
Studio 4ºC
¿Por qué es tan especial Studio 4ºC? Todo lo que hace está envuelto en un aura de magia muy especial, y las técnicas punteras de dibujo y animación que utiliza el equipo sólo hacen que empujarte todavía más por la madriguera de conejo, transportando al espectador a un país colorido y espectacular lleno de maravillas.
Studio 4ºC se fundó en 1986 por Koji Morimoto, Eiko Tanaka, y Yoshiharu Sato. El nombre viene de la temperatura a la que el agua es más densa (4º Celsius), ya que la política creativa es precisamente un trabajo denso y elaborado. No confundir con el equipo de ayudantes del mangaka Masakazu Katsura (Zetman, DNA²), llamados Studio 4C.
Pese a que la calidad de Studio 4ºC es inigualable, aquí en España no ha conseguido tanta fama como otros estudios como Bones o Manglobe. Sus muy poco convencionales trabajos y su estética tan diferente del anime al que estamos acostumbrados les han convertido en un estudio de culto: se dedican más a la producción de cortos, videoclips y películas propias, dejando el anime televisivo más aparcado.
¿Pero que tiene la animación de este estudio para que sea tan especial? Para empezar desechan todo lo convencional, nada de lineas amables, fondos estáticos ni el uso del típico lenguaje visual del anime.
Su animación, pese a estar cuidada hasta el mas mínimo detalle, haciendo uso de la tecnología mas puntera o sacándole el mayor partido a las técnicas tradicionales, es muy cruda: Lineas irregulares, ángulos y perspectivas imposibles, planos impensables, escenarios infinitos y figuras inimaginables. Y todo ello en movimiento, no hay nada estático, 4ºC es puro dinamismo. Si los grandes estudios de animación japoneses como Ghibli, I.G. o Bones, son conocidos por esa "vida" con la que dotan a sus dibujos, 4ºC ha ido un paso mas allá. Todo ese detallismo minucioso, dinamismo fugaz y crudeza helada dota a la animación de 4ºC de una vida aun más "viva" si cabe.
Studio 4°C - Kung Fu Love by Yasuhiro Aoki. Mas info de esta demo-piloto.
Un staff de lujo
En cuanto echamos un vistazo al equipo que ha trabajado en Studio 4ºC nos echamos a temblar: hay de todo, desde grandes directores hasta brillantes diseñadores de personajes y animadores, y muchos de ellos ejercen un papel multidisciplinar dentro de la compañía. Todos ellos han trabajado en afamadas obras, aportando su genio a la compañía y difundiendo el espíritu característico de 4ºC a todo lo que han hecho después.
Koji Morimoto: El fundador de Studio 4ºC. Comenzó sus trabajos en los estudios Madhouse, pero cuando conoció a Eiko Tanaka durante la realización de la película Akira, se forjó entre ellos una gran amistad que les llevó a crear este espacio propio de creación. Su primer éxito internacional fue el videoclip Extra, del afamado artista techno Ken Ishii. Dirigió Magnetic Rose de Memories, Beyond de Animatrix y otros muchos éxitos de Studio 4ºC, la mayoría cortos de animación. (via)
Animatrix - Beyond(1)
Animatrix - Beyond(2)
Otros componentes de Studio4°C son:
Katsuhiro Otomo, sí, este grande entre los grandes es el responsable indirecto de la formación de Studio 4ºC, ya que sus creadores, Morimoto y Tanaka, se conocieron durante la realización de Akira. Memories fue el primer trabajo del estudio de animación de la compañía, supervisado en su totalidad por Otomo.
Maasaki Yuasa. Director del anime Kemonozume, animador de Crayon Shin Chan, ha participado en Doraemon y en Samurai Champloo... es un crack, otro grande y conocido genio que también ha trabajado para Studio 4ºC. Ha dirigido ni más ni menos que Mind Game.
Shinichiro Watanabe. Este hombre es el director de Macross Plus, Cowboy Bebop, y el creador de Samurai Champloo. Es uno de los grandes de Studio 4ºC, con obras tan espectaculares como Kid's story y Detective Story de Animatrix, y el productor de la música tan especial de Mind Game.
Yoshiharu Ashino. Multicreador, en multiples áreas. Debutó como director con la serie Tweeny Witches y ha participado en cantidad de proyectos como animador: Mind Game, Sakura Cardcaptor, X...
Opening de Tweeny Witches, dirigido por Yoshiharu Ashino:
Opening de "Tweeny Witches"
Chie Uratani, animadora, directora de ilustración y con muchos años en este mundillo, ha trabajado para Miyazaki en Las aventuras de Sherlock Holmes y en Kiki's Delivery Service. Tras trabajar como freelance un tiempo se ha quedado en Studio 4ºC, ilustrando Memories, Mind Game, Tekkonkinkreet, etc. y dirigiendo uno de los capítulos de Kimagure Robot.
Three wishes, de Kimagure Robot, dirigido por Chie Uratani:
"Three wishes"
Hidekazu Ohara es bien conocido en Japón por ser un creador de multiples estilos en géneros muy diferentes. Ahora ha montado su propio estudio llamado Studio Aloha, pero nos ha dejado locuras geniales como este corto de Grasshoppa!: Proffesor Dan Petry's blues:
"Proffesor Dan Petry's blues"
Masahiko Kubo, uno de los grandes artistas de Studio 4ºC, ha trabajado como animador, coreografo y director de ilustración. Creador de algunos cortos de animación, director de animación de Tweeny Witches y director de ilustración de Tekkonkinkreet. En 2004, la escena de la persecución en coche de Mind Game la ilustró toda él solito, aquí os la dejo:
"Mind Game"
Kobayashi Osamu es ilustrador, diseñador y director, un creador con multiples talentos en géneros tan diferentes como propagandas, anime y videojuegos. Se ha ganado la fama dirigiendo anime de TV como Paradise Kiss y Beck y en Studio 4ºC ha trabajado como director de Digital juice y Grasshoppa!
No he encontrado nada de Studio 4ºC para enseñaros, pero aquí os dejo el corto que hizo Kobayashi este año para el Ani-kuri (un especial de animación de la NHK), producido por los estudios Madhouse. Decidme si no tiene cierto aire del estilo 4ºC:
"Ani Kuri" 15 Ep3
Tatsuyuki Tanaka, otro genio de la ilustración, la animación y el manga. En Studio 4ºC ha sido creador de imagen en numerosas ocasiones. Trabajó en el storyboard de Eternal Family junto a Koji Morimoto, ha realizado su propio corto de animación para Genius Party(Tounin Kit), y ha dirigido un brillante anuncio para Nike, que os dejo a continuación:
NIKE - Temptation
Kazuto Nakazawa, un coreógrafo y un artista brillante al mismo tiempo, en Studio 4ºC se ha lucido con uno de los cortos de Grasshoppa! (Comedy), pero también es el diseñador de personajes de Samurai Champloo, director de la parte de animación de Kill Bill 1, y director del videoclip Breaking de Habit, de Linkin Park.
Michael Arias, productor en Animatrix, también ha trabajado para los hermanos Coen y para Paul Verhoeven entre otros como productor de efectos especiales y CG. Su primera obra en Studio 4ºC ha sido la afamada Tekkonkinkreet.
Mahiro Maeda, uno de los fundadores del estudio Gonzo, es el director del anime de TV Gankutsuou, una serie muy controvertida, tenéis que echarle un vistazo. Su primer trabajo para Studio 4ºC fue dirigir The Second Renaissance, uno de los cortos más espectaculares de Animatrix. (via:nishibu)
Entrevista a Mrs. Tanaka, presidente de animación del estudio Studio4°C
Masaaki Yuasa
En el año 2004, Masaaki Yuasa, que había ya participado como animador en Cat Soup, Mis vecinos los Yamada, Samurai Champloo o la famosísima Shin-Chan, se convirtió en un grande de la animación japonesa, gracias su triunfal paso a la dirección con la alocada y lisergica Mindgame. Ahora vuelve de la mano de los 2 estudios de anime más innovadores del momento, Madhouse y Studio 4ºC, para presentarnos Kemonozume, 13 capítulos para una serie nada convencional.
"Kemonozume" extract
"Kemonozume"
Mind Game. Flipar en colores
Maasaki Yuasa, creador del televisivo Shing Xang, es un laboratorio de ideas de proporciones incendiarias, un auténtico revolucionario conceptual del anime. Mind Game (2004), su radical e inabarcable primer largometraje, debe considerarse desde estos instantes la obra de referencia para aquellos que se acerquen al (últimamente) estereotipado mundo de la animación cinematográfica. El fime de Yuasa es un híbrido marcadamente iconoclasta, cuyos referentes inmediatos pasan por la factoría Disney (especialmente sus más delirantes fimes: Pinocho y Dumbo) y el surrealismo pop de los filmes que en su día realizó Richard Lester al servicio de The Beatles.
Con un arranque marcadamente tarantiniano, de amplios contrastes cromáticos y cierto espresionismo “noir”, Yuasa despliega la historia-odisea de Nishi, un joven creador de cómics que tras un incidente con unos gansters vuelve de la muerte convertido en héroe (a la manera de El cuervo, de Alex Proyas). Nishi se embarca en una delirante historia junto a la joven Myon en la que no faltan persecuciones, ballenas gigantescas y animales abisales por citar un ejemplo de la fauna que acompaña a los protagonistas. La potencia visual, abrasiva, de Mind Game en ocasiones roza lo febril y su intuitivo montaje, que imita la percepción de la mente con una azarosa insania, sitúa al espectador en los ominosos terrenos de la psicodélia farmacológica. Mind Game es un mal viaje retratado en toda su proporción, si hasta hoy habíamos tenido espúreos ejemplos como el caso de la secuencia de la borrachera de Dumbo (y su simpar coreografía de elefentes mutanes) o en la totalidad escénica de Alicia en el país de las maravillas, con el filme de Yuasa el espectador irá un paso más allá.
"Mind Game" fragmento (2004)
Otro aspecto interesante de Mind Game es el trazo de sus dibujos, un trabajo que fluctúa entre el feísmo, el manga y la experimentación (sus personjes en ocasiones adoptan rostros de personas reales) sometiendo la concepción artística a giros estéticos diversos y repetitivos. La saturación sobredimensionada y la estilización constante del dibujo obedece a una suerte de loop visual que provoca que, a medida que el filme avanza, la retina del espectador las asimile con mayor naturalidad.
Maasaki Yuasa tritura todas las tendencias en su particular batidora conceptual: el esnobismo publicitario televisivo, la calidez conceptual de Hayao Miyazaki, la hueca infografía de los postreros blockbusters hollywoodienses, el pulp desangelado de filmes como Sin City (2004) de Robert Rodríguez y un largo etcétera. Todo ello está tamizado por un histrionismo desenfadado y amplias dosis de sarcasmo.
En el filme, Yuasa, también se atreve con Dios en uno de sus pasajes más inspirados. El Todopoderoso, que en un principio se nos presenta como un ente abstracto a medio camino entre el Hall de 2001. Una odisea del espacio, de Stanley Kubrick y una conspirativa entidad inspirada en Matrix, de los hermanos Wachowski, pronto se transforma en un simpático “payaso mutante” que puede adoptar la forma de una tigre o la de una suerte de Cobi con tendencia al travestismo (ni Dalí hubiera tenido tanto arrojo).
"Mind Game" Trailer (2004)
Es evidente que Mind Game supone un punto y aparte en el mundo del anime, una revolución conceptual de primer orden que condensa en 101 minutos los hallazgos que un creador al uso debería transmitir a lo largo de toda una obra. Que se pongan las pilas sus compatriotas Satoshi Kon y Katsuhiro Otomo, sus felices aciertos parecen quedar a años luz de esta orgiástica cinta. (via)
"Kemonozume" extract
"Kemonozume"
Mind Game. Flipar en colores
Maasaki Yuasa, creador del televisivo Shing Xang, es un laboratorio de ideas de proporciones incendiarias, un auténtico revolucionario conceptual del anime. Mind Game (2004), su radical e inabarcable primer largometraje, debe considerarse desde estos instantes la obra de referencia para aquellos que se acerquen al (últimamente) estereotipado mundo de la animación cinematográfica. El fime de Yuasa es un híbrido marcadamente iconoclasta, cuyos referentes inmediatos pasan por la factoría Disney (especialmente sus más delirantes fimes: Pinocho y Dumbo) y el surrealismo pop de los filmes que en su día realizó Richard Lester al servicio de The Beatles.
Con un arranque marcadamente tarantiniano, de amplios contrastes cromáticos y cierto espresionismo “noir”, Yuasa despliega la historia-odisea de Nishi, un joven creador de cómics que tras un incidente con unos gansters vuelve de la muerte convertido en héroe (a la manera de El cuervo, de Alex Proyas). Nishi se embarca en una delirante historia junto a la joven Myon en la que no faltan persecuciones, ballenas gigantescas y animales abisales por citar un ejemplo de la fauna que acompaña a los protagonistas. La potencia visual, abrasiva, de Mind Game en ocasiones roza lo febril y su intuitivo montaje, que imita la percepción de la mente con una azarosa insania, sitúa al espectador en los ominosos terrenos de la psicodélia farmacológica. Mind Game es un mal viaje retratado en toda su proporción, si hasta hoy habíamos tenido espúreos ejemplos como el caso de la secuencia de la borrachera de Dumbo (y su simpar coreografía de elefentes mutanes) o en la totalidad escénica de Alicia en el país de las maravillas, con el filme de Yuasa el espectador irá un paso más allá.
"Mind Game" fragmento (2004)
Otro aspecto interesante de Mind Game es el trazo de sus dibujos, un trabajo que fluctúa entre el feísmo, el manga y la experimentación (sus personjes en ocasiones adoptan rostros de personas reales) sometiendo la concepción artística a giros estéticos diversos y repetitivos. La saturación sobredimensionada y la estilización constante del dibujo obedece a una suerte de loop visual que provoca que, a medida que el filme avanza, la retina del espectador las asimile con mayor naturalidad.
Maasaki Yuasa tritura todas las tendencias en su particular batidora conceptual: el esnobismo publicitario televisivo, la calidez conceptual de Hayao Miyazaki, la hueca infografía de los postreros blockbusters hollywoodienses, el pulp desangelado de filmes como Sin City (2004) de Robert Rodríguez y un largo etcétera. Todo ello está tamizado por un histrionismo desenfadado y amplias dosis de sarcasmo.
En el filme, Yuasa, también se atreve con Dios en uno de sus pasajes más inspirados. El Todopoderoso, que en un principio se nos presenta como un ente abstracto a medio camino entre el Hall de 2001. Una odisea del espacio, de Stanley Kubrick y una conspirativa entidad inspirada en Matrix, de los hermanos Wachowski, pronto se transforma en un simpático “payaso mutante” que puede adoptar la forma de una tigre o la de una suerte de Cobi con tendencia al travestismo (ni Dalí hubiera tenido tanto arrojo).
"Mind Game" Trailer (2004)
Es evidente que Mind Game supone un punto y aparte en el mundo del anime, una revolución conceptual de primer orden que condensa en 101 minutos los hallazgos que un creador al uso debería transmitir a lo largo de toda una obra. Que se pongan las pilas sus compatriotas Satoshi Kon y Katsuhiro Otomo, sus felices aciertos parecen quedar a años luz de esta orgiástica cinta. (via)
Osamu Tezuka
Osamu Tezuka (Japón, 1928-1989) es el autor más importante e influyente de toda la historia del cómic en Japón, y uno de los más importantes de toda la historia del cómic mundial. Tezuka es responsable de la concepción que tenemos hoy en día del manga, tanto gráfica, como narrativa y comercialmente. Como muetra de su importancia, baste decir que en Japón se le llama también "Manga no Kamisama" (litaralmente "Dios del manga"). En 1994 se inauguró en su ciudad natal el Museo Tezuka, dedicado a su obra y figura.
Shintakarashima ("La nueva isla del tesoro", 1947) fue su primera obra destacada. En los años 50-60 crea sus tres obras más populares, que son (por orden de importancia) Tetsuwan Atom (Astro Boy), Jungle Taitei ("El emperador de la jungla", o también conocida cmo "Kimba el león blanco") y Ribon No Kishi ("la princesa caballero" o "Chopy y la princesa"), todas con adaptación a serie de TV. Fénix es su obra más personal y prolongada (1954-1988). De las obras creadas en su periodo de madurez, durante los años 70-80, destacan Buda, Black Jack y Adolf (por orden cronológico).
Mermaid (1964)
LA PALABRA DE LA CRÍTICA
"A Tezuka se le debe lo que es el manga hoy día. Fue el que marcó las bases para dinamizar el medio y agilizar la narración. Sus obras son más storyboards que cómics en el sentido que se entendía antes de que Tezuka apareciera. Tezuka narra de manera casi cinematográfica e imbuye un dinamismo casi sobrenatural a sus personajes, que se mueven por las viñetas con un ritmo frenético. Tezuka tenía un don natural para explicar historias y su simplicidad (no confundir con escatimar) era uno de sus mayores logros, haciendo sus historias muy amenas, fáciles de consumir pero capaces de llevar mensajes muy elaborados o moralejas realmente profundas."
-- Alex Samaranch, revista Neko #57 (Camaleón Ediciones, 1997)
"Sus historietas de estilo cinematográfico en los años inmediatemente posteriores a la guerra cambiaron completamente el concepto de los cómics para niños [en Japón]. (...) Para la gente que creció con sus cómics, Tezuka es como un héroe nacional."
-- Frederik L. Schodt, en el libro Manga! Manga! The world of japanese comics (Kodansha international, 1985).
Jumping
BIBLIOGRAFÍA BÁSICA
Shintakarajima ("La nueva isla del tesoro", 1947) es su primera obra destacada (que no su primera obra, ya que debutó el año anterior), y un título fundamental en el cómic japonés por tener una gran influencia en otros autores. Está citada por muchos autores que eran jóvenes en aquella época como la obra que les despertó la vocación de dedicarse al manga (el ejemplo más notable son los creadores de Doraemon, Fujio-Fujiko, que incluso lo explicaron en su manga autobiográfico Manga no michi). Era una historia completa en un tomo,
Shintakarashima era un akabon (literalmente "libros rojos"), nombre que se daba a los mangas de venta ambulante que se vendían por las calles, y que debían su nombre a estar impresos en tinta roja. Se estima que en su día se vendieron más de 300.000 ejemplares, lo que si hoy ya es una cifra importante, imáginense por aquellos entonces, especialmente teniendo en cuenta las condiciones (imprenta o distribución, por ejemplo) que había en la época, en un Japón desolado de postguerra.
Tetsuwan Atom (también conocida como Astro Boy; 1951-69), protagonizada por un jovencito-robot creado por un científico. El protagonista se convertiría en un verdadero icono cultural en Japón -en la actualidad todavía tiene tiendas enteras en Japón dedicadas íntegramente a todo tipo de productos relacionados con él- y su popularidad daría pie a otros héroes robóticos por la misma época como Tetsujin 28go (Iron Man 28, también conocido como Gigantor; 1958; sería el pionero del género de robots gigantes que luego popularizaría Mazinguer Z), Eight man (1963) o Cyborg 009 (1964).
Tetsuwan Atom ha sido publicada como Astro Boy en Francia (por Glénat, 1996) y EEUU (por Dark Horse, 2002). En EEUU Sony Pictures está preparando una película de Astro Boy realizada enteramente por ordenador que estará dirigida por Eric Leighton (co-director de Dinosaur para Disney).
Jungle Taitei (también conocido como Kimba el león blanco; 1950-54), que siguie la vida de Leo, un león nacido entre humanos y destinado a ser el rey de la jungla. Hace unos años estuvo de actualidad al desatarse sospechas más que fundadas de que Disney la tomó como "inspiración" para crear El rey león. En Francia fue publicada por Glénat en 1997 como Le roi Leo.
Ribon no Kishi (La princesa Caballero; 1953). Está considerado el primer Shojo Manga (manga para chicas). La protagonista es una princesa que es cridada por sus padres como si fuera un chico, ya que la ley local solo permite que un descendiente varón herede el trono. El manga permanece inédito en España, pero si se ha emitido la serie de TV en los años 80, también conocida como Chopy y la princesa.
Hi no Tori (Fénix). Su primera entrega se publica en 1954, y Tezuka la continuaría con diversas interrupciones casi hasta el momento de su muerte (la doceava parte de Fénix finalizó en 1988, solamente un año antes de su fallecimiento). Fénix supera las 3.000 páginas en total y el propio Tezuka la consideraba su raifu wâku (algo así como "la obra de su vida"), es una de sus obras más personales, repleta de muestras de pasiones humanas en una serie de historias independientes ligadas por el mito del ave fénix. En España ha sido publicada parcialmente por Planeta-DeAgostini Comics.
Buddha (Buda, 1972-83). Biografía del personaje histórico-religioso de Buda, según la personal perspectiva de Tezuka. En España está siendo publicada por Planeta-DeAgostini Comics.
Black Jack (1973-84). Serie en la que Tezuka da salida a su formación de medecina en un envoltorio de intriga y aventuras protagonizadas por Black Jack, un mercenario "cirujano de lo imposible" clandestino al que acuden aquellos que necesitan que se realice una operación que parece inviable. En España ha sido publicada parcialmente por Ediciones Glénat y también se editió en vídeo una reciente adaptación animada.
Adolf ("A Story of Three Adolfs", 1983), uno de los trabajos más adultos de Tezuka y su última gran obra, escasos años antes de fallecer. Ha sido editada en España por Planeta-DeAgostini Comics.
TEZUKA TAMBÍEN FUE EL "PADRE" DEL ANIME
Tezuka también fue el responsable de iniciar el importantísimo vínculo entre manga y anime que existe actualmente. Tezuka desarrolló paralelamente a su producción de manga una carrera como animador, creando en 1963 su propia productora de animación, Mushi Productions, con la cual realiza la adaptación de su creación más popular, Tetsuwan Atom (emitida entre 1963-66), que se convierte en la primera serie de animación japonesa con personajes recurrentes (sólo unos meses se había estrenado la primera serie de animación japonesa, que presentaba episodios históricos de Japón en historias cortas autoconclusivas, aunque frecuentemente se cita a Tetsuwan Atom como la primera).
Más tarde su productora también animaría Jungle Taitei (que sería la primera serie de animación japonesa a color) y Ribon no Kinshi. Mushi Productions quebraría en los años 70 (que Tezuka fuera un gran creador, no implicaba que también fuera un buen administrador), pero ya había iniciado una tendencia que desde entonces se volvería común: adaptar a la animación mangas de éxito, iniciando así la actual situación del mercado del manga (no sólo en japón, sino en todo el mundo), que mantiene una entrechísima vinculación a sus adaptaciones animadas. (via: Jose Antonio Serrano)
Drop
Male
WEB oficial del autor
Shintakarashima ("La nueva isla del tesoro", 1947) fue su primera obra destacada. En los años 50-60 crea sus tres obras más populares, que son (por orden de importancia) Tetsuwan Atom (Astro Boy), Jungle Taitei ("El emperador de la jungla", o también conocida cmo "Kimba el león blanco") y Ribon No Kishi ("la princesa caballero" o "Chopy y la princesa"), todas con adaptación a serie de TV. Fénix es su obra más personal y prolongada (1954-1988). De las obras creadas en su periodo de madurez, durante los años 70-80, destacan Buda, Black Jack y Adolf (por orden cronológico).
Mermaid (1964)
LA PALABRA DE LA CRÍTICA
"A Tezuka se le debe lo que es el manga hoy día. Fue el que marcó las bases para dinamizar el medio y agilizar la narración. Sus obras son más storyboards que cómics en el sentido que se entendía antes de que Tezuka apareciera. Tezuka narra de manera casi cinematográfica e imbuye un dinamismo casi sobrenatural a sus personajes, que se mueven por las viñetas con un ritmo frenético. Tezuka tenía un don natural para explicar historias y su simplicidad (no confundir con escatimar) era uno de sus mayores logros, haciendo sus historias muy amenas, fáciles de consumir pero capaces de llevar mensajes muy elaborados o moralejas realmente profundas."
-- Alex Samaranch, revista Neko #57 (Camaleón Ediciones, 1997)
"Sus historietas de estilo cinematográfico en los años inmediatemente posteriores a la guerra cambiaron completamente el concepto de los cómics para niños [en Japón]. (...) Para la gente que creció con sus cómics, Tezuka es como un héroe nacional."
-- Frederik L. Schodt, en el libro Manga! Manga! The world of japanese comics (Kodansha international, 1985).
Jumping
BIBLIOGRAFÍA BÁSICA
Shintakarajima ("La nueva isla del tesoro", 1947) es su primera obra destacada (que no su primera obra, ya que debutó el año anterior), y un título fundamental en el cómic japonés por tener una gran influencia en otros autores. Está citada por muchos autores que eran jóvenes en aquella época como la obra que les despertó la vocación de dedicarse al manga (el ejemplo más notable son los creadores de Doraemon, Fujio-Fujiko, que incluso lo explicaron en su manga autobiográfico Manga no michi). Era una historia completa en un tomo,
Shintakarashima era un akabon (literalmente "libros rojos"), nombre que se daba a los mangas de venta ambulante que se vendían por las calles, y que debían su nombre a estar impresos en tinta roja. Se estima que en su día se vendieron más de 300.000 ejemplares, lo que si hoy ya es una cifra importante, imáginense por aquellos entonces, especialmente teniendo en cuenta las condiciones (imprenta o distribución, por ejemplo) que había en la época, en un Japón desolado de postguerra.
Tetsuwan Atom (también conocida como Astro Boy; 1951-69), protagonizada por un jovencito-robot creado por un científico. El protagonista se convertiría en un verdadero icono cultural en Japón -en la actualidad todavía tiene tiendas enteras en Japón dedicadas íntegramente a todo tipo de productos relacionados con él- y su popularidad daría pie a otros héroes robóticos por la misma época como Tetsujin 28go (Iron Man 28, también conocido como Gigantor; 1958; sería el pionero del género de robots gigantes que luego popularizaría Mazinguer Z), Eight man (1963) o Cyborg 009 (1964).
Tetsuwan Atom ha sido publicada como Astro Boy en Francia (por Glénat, 1996) y EEUU (por Dark Horse, 2002). En EEUU Sony Pictures está preparando una película de Astro Boy realizada enteramente por ordenador que estará dirigida por Eric Leighton (co-director de Dinosaur para Disney).
Jungle Taitei (también conocido como Kimba el león blanco; 1950-54), que siguie la vida de Leo, un león nacido entre humanos y destinado a ser el rey de la jungla. Hace unos años estuvo de actualidad al desatarse sospechas más que fundadas de que Disney la tomó como "inspiración" para crear El rey león. En Francia fue publicada por Glénat en 1997 como Le roi Leo.
Ribon no Kishi (La princesa Caballero; 1953). Está considerado el primer Shojo Manga (manga para chicas). La protagonista es una princesa que es cridada por sus padres como si fuera un chico, ya que la ley local solo permite que un descendiente varón herede el trono. El manga permanece inédito en España, pero si se ha emitido la serie de TV en los años 80, también conocida como Chopy y la princesa.
Hi no Tori (Fénix). Su primera entrega se publica en 1954, y Tezuka la continuaría con diversas interrupciones casi hasta el momento de su muerte (la doceava parte de Fénix finalizó en 1988, solamente un año antes de su fallecimiento). Fénix supera las 3.000 páginas en total y el propio Tezuka la consideraba su raifu wâku (algo así como "la obra de su vida"), es una de sus obras más personales, repleta de muestras de pasiones humanas en una serie de historias independientes ligadas por el mito del ave fénix. En España ha sido publicada parcialmente por Planeta-DeAgostini Comics.
Buddha (Buda, 1972-83). Biografía del personaje histórico-religioso de Buda, según la personal perspectiva de Tezuka. En España está siendo publicada por Planeta-DeAgostini Comics.
Black Jack (1973-84). Serie en la que Tezuka da salida a su formación de medecina en un envoltorio de intriga y aventuras protagonizadas por Black Jack, un mercenario "cirujano de lo imposible" clandestino al que acuden aquellos que necesitan que se realice una operación que parece inviable. En España ha sido publicada parcialmente por Ediciones Glénat y también se editió en vídeo una reciente adaptación animada.
Adolf ("A Story of Three Adolfs", 1983), uno de los trabajos más adultos de Tezuka y su última gran obra, escasos años antes de fallecer. Ha sido editada en España por Planeta-DeAgostini Comics.
TEZUKA TAMBÍEN FUE EL "PADRE" DEL ANIME
Tezuka también fue el responsable de iniciar el importantísimo vínculo entre manga y anime que existe actualmente. Tezuka desarrolló paralelamente a su producción de manga una carrera como animador, creando en 1963 su propia productora de animación, Mushi Productions, con la cual realiza la adaptación de su creación más popular, Tetsuwan Atom (emitida entre 1963-66), que se convierte en la primera serie de animación japonesa con personajes recurrentes (sólo unos meses se había estrenado la primera serie de animación japonesa, que presentaba episodios históricos de Japón en historias cortas autoconclusivas, aunque frecuentemente se cita a Tetsuwan Atom como la primera).
Más tarde su productora también animaría Jungle Taitei (que sería la primera serie de animación japonesa a color) y Ribon no Kinshi. Mushi Productions quebraría en los años 70 (que Tezuka fuera un gran creador, no implicaba que también fuera un buen administrador), pero ya había iniciado una tendencia que desde entonces se volvería común: adaptar a la animación mangas de éxito, iniciando así la actual situación del mercado del manga (no sólo en japón, sino en todo el mundo), que mantiene una entrechísima vinculación a sus adaptaciones animadas. (via: Jose Antonio Serrano)
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