xino-xano animadores

Salesmanbuck

2011-03-30T20:32:00.005+02:00

Los responsables de Salesman Pete es un equipo francés, cuya dirección quedó a cargo de Marc Bouyer, Max Loubaresse y Anthony Vivien. La excelente música, fue compuesta pro Cyrille Marchesseau y el diseño de sonido por Mael Vignaux. El estudio aparentemente lleva el nombre de Salesman Buck que es una mezcla de su primer corto, Meet Buck y, el que se estrenó hace unos días, Salesman Pete and The Amazing Stone From Outer Space. Originalmente los cortos comenzaron como un trabajo para la universidad de animación Supinfocom, pero según informaron, la abandonaron para “hacer los cortos a nuestra manera”. Esto probablemente también explique la razón por la que solo tenemos un trailer de Meet Buck y nunca salió a la luz el corto entero.(via)

Salesman Pete and the amazing stone

www.salesmanbuck.com

Vladimir Leschiov

2011-03-30T17:06:00.007+02:00

Vladimir Leschiov was born in 1970, in Daugavpils, Latvia. He finished Art School in Riga in 1989. Since 1992, he has worked as an illustrator, designer, and director for video production companies in Latvia. Vladimir studied animation at the Konstfack University College of Arts, Crafts and Design in Sweden. Since 2005, he has been teaching animation at the Latvian Academy of Arts, and in 2007 he established the animation studio Lunohod in Riga, Latvia. Click here to view the director's website. "Wings and Oars"(2009. Un antiguo piloto repasa su vida –La Tierra, el Cielo, las Mujeres- todo aquello que sucedió en el trayecto desde una pista aérea hasta una casa flotante abandonada Entrevista a Vladimir en "Film and Scissors" Artículo en Animation Blog acerca del corto "Insomnia". http://www.lunohod.lv/

-SHY THE SUN

2009-10-06T19:50:00.004+02:00

Jannes and Ree are two members of The Blackheart Gang who have extended their admirable talents by forming a creative company called Shy the Sun. In The Blackheart Gang, they produce ingenious animated films that cast the viewers off on an enchanting visual journey through captivating imagery. At Shy the Sun, they continue to co-direct imaginative commercials for those who want something whimsically bizarre.

"The Tale of How" Directors: Jannes Hendrikz, Ree Treweek and Markus Smit

"Sea Orchestra" Directors: Ree Treweek and Jannes Hendrikz

"Sea Orchestra: The Making Of"

"Bakers Precious Biscuits" Designed and directed by Shy the Sun

"Bakers: The Making of"

WEB de Shy The Sun
Representados en US por DUCK Studios

Theodore Ushev

2009-10-06T18:28:00.004+02:00

Theodore Ushev is a Bulgarian born animator, graphic designer, illustrator and multimedia artist, who lives in Montreal, Quebec, Canada.

He was born in Bulgaria and graduated stage decoration, animation, and make-up at Plovdiv's School of Scenic Arts.He obtained a Master degree in Graphic Design from the National Academy of Arts in Sofia.[1] He first made a name as a poster and graphic designer, before moving to Montreal in 1999. There he quickly gained a reputation as an animation filmmaker with for the National Film Board of Canada, with films such as Vertical, The Man Who Waited, Tower Bawher, Tzartitza, and Drux Flux, winner of the Canadian Film Institute Award for Best Canadian Animation at the Ottawa International Animation Festival.[2] He created live show multimedia and promo animations for the British band Public Symphony and David Gilmour’s “In an Island” album and live tour, and the illustrations for Chris Robinson' book "Ballad of a Thin Man: In Search of Ryan Larkin" (2008). VIA WIKIPEDIA

Bashnia Tatlina "Tower Bawher" (2005)

Animators Unearthed: Tower Bawher by Theodore Ushev Artículo de Chris Robinson en Animation World Network

"DRUX FLUX " (2008)

Theodore Ushev has been featured here on several occasions. He has the intellect to confront powerful subjects, applying a range of film and animation skills in his work. Drux Flux handles the issue of man's place in a post-industrial age. The movie commences with the mechanical clatter of a printing press where a battered, sepia edition of the opening title and credit is run off. Thereafter we are on a train journey in which the the ruins of a heavy industrial landscape are explored in a swift moving collage of photographs that move from desolation to molten metal rolling through the steel works; men are seen slaving in a cacophonous industrial hell, before one progresses to the soviet era of propaganda posters, celebrating the worker, an ironic commentary on the preceding images. Elements of the posters are strikingly animated before one is presented with a vision of man reduced to his mechanical skeleton, a figure that collapses in a heap of junk. I knew of Theodore first for his work in Flash where his graphic skills were much in evidence. Here the live action montage is manipulated in After Effects, arranged and overlaid with geometrical arrangements in Flash. The quickfire, mesmeric speed of the action is sustained throughout the piece, machinery seen in close-up, split screen, soviet workers suddenly launched from their frozen stances on the posters, filters of colour and light, a gyrating carousel of action at bewildering pace. He acknowledges the influence of "One-Dimensional Man" (1964) by philosopher Herbert Marcuse who took a swipe at both capitalism and soviet style communism. Alexander Mossolov composed the impressive music whilst the overall sound design is by Olivier Calvert. I live near Sheffield, once the steel capital of the world. The footage Theodore uses of abandoned factories was filmed in Germany though he could as easily have visited the UK. Juxtaposed images galore; and contrasting ideas - a dehumanising environment, industrial ruins devoid of man, the fiction of the glorious workers in the propaganda poster wielding their mighty mallets. (viaAnimation Blog)

"Ottawa" (2008) para Duck Studios

"Walking on by " (2003)

"Tzaritza" (2006)

BLOG de Theodore
WEB de Theodore
www.mortadellatv.com experimental web project

Billie Mintz

2009-10-06T13:56:00.003+02:00

"The Long Journey Home" (2008)

En un pueblo dónde nunca la gente ha conocido la enfermedad, un niño debe recorrer la tierra salvaje para encontrar el medicamento a su enfermedad. Vuelve de su gran viaje al pueblo y nadie acepta los cambios que él ha sufrido. Este trabajo forma parte del interesante proyecto filantrópico promovido por Billie Mintz : ARC Institute.

Enlace a The ARC BLOG

Billie is an extremely gifted Independent Producer. He graduated from the ITP program in 2004 at the top of his class. He designed and implemented a fully integrated business plan which incorporated his many goals into one impressive long range plan. While the industry felt the pressure of financial cuts and re-allocations, Billie maintained his entrepreneurial attitude and adjusted his expectations to become the company that exists today.

He is well known for his integrity and commitment to advancing the arts, as he develops the business skill that is key in helping artists achieve success as independents. Billie has taken what he has learned and graciously shares his wisdom with emerging producers in an effort to strengthen the community and give back at the same time.

He has demonstrated that it is indeed quite possible to attain financial success while remaining true to his artistic roots.(via)

WEB de BILLIE

Christine van Doesburgh

2009-10-06T13:29:00.003+02:00

Delire-Chinois

Quiet Show
Based on the lyrics of Quiet Show, this short film captures the mood of the song by creating an atmosphere that is magical yet dark and melancholy. Quiet Show leads us through a forest of cut-outs inhabited by shadow puppets, where lights move by, passing out of sight. We are taken to a world of shadows and solitude.

About toutine:
I have created motion graphics for projects ranging from corporate video to live rock concerts. In many of these projects I've been both director and motion designer. In my projects I apply both 2D and 3D
animation, as well as compositing techniques. You'll find that I've made visual content for single screen and complex multiple screen installations.

WEB de Christine van Doesburgh www.toutine.com

Taku Kimura

2009-10-06T12:31:00.004+02:00

Taku Kimura born 1963, studied fine art at the Art Department of Nihon University. He works as a CGI supervisor of LINKS Corporation, and he is also a part-time instructor at the Art Department of Nihon University. He was invited to IMAGINA´89 as a presenter for a lecture, and attended the exhibition "Ape Call from Tokyo" 1990-1992 (New York, Los Angeles, Tokyo).(via)

"Kudan" (2008)

As oppose to the mythological creature Minotaur, a monsters of western culture, a Japanese monster Kudan has a human head and the body of cow. Kudan is born from female cow. It speaks human language, predicts significant incidents such as war or disaster and dies in three days. This story is about a man who is accidentally transformed into a Kudan. One day the man, who doesn't communicate with his son well, receives a box by mail and he finds a strange helmet in the box. He is transformed into a Kudan when he wears it. Although his body stays in this world, his head is in another world, coming out from the cow's body. The helmet is a door to another world. In another world there are spirits of human beings, including the spirit of his son. The spirits form giant creatures like big trees. As he explores the world as a Kudan, he sees that the roots of the creatures connect to people individually in real world. They are sometimes pruned by strange creatures. He sees that they are about to cut his son's connection. He gets distraught and tries to help his son....

Although human beings look like they are individual life forms, the director Taku Kimura, feels that the gigantic life form consists of many cells which represent human beings. They are connected by "words" in his idea. The helmet is sent by the giant creature as a warning about how a lack of communication can destroy spirits in another world. The man regains communication with his son at last. (via)

"Sakuratei" (1997) VER FRAGMENTO

"Sakuratei" is an experimental piece which was made in co-operation with IMAGICA corporation. The work was directed by Koji Matuoka, and the music was made by Jun Miyake. In this piece, we aimed to emphasize our unique expression. The story is set in the future, but the image itself is basically analogue, and the motif of the expression is "nostalgic and uniquely japanese".

WEB de Kudan

LINKS DigiWorks Inc.

-La Parti Production

2009-10-05T20:14:00.004+02:00

Panique au village: Extrait 1

Panique au Village
Bajo el encanto de la infancia
Un brillante trabajo que lleva una serie de televisión a la gran pantalla. Una ópera prima de animación belga llena de originalidad y presentada fuera de competición en el Festival de Cannes (via)

Pasar de un corto a un largometraje siempre es una tarea muy ambiciosa. Hay que idear una historia más larga, adaptar el estilo narrativo, desarrollar personajes con una personalidad bien definida y, sobre todo, cambiar de velocidad. El ritmo infernal de los diez minutos que dura un corto no se puede mantener durante una hora, a no ser que nuestra intención sea volver locos a los espectadores. Hay que marcar otro compás.

"Le Grand Sommeil"

Stéphane Aubier y Vincent Patar, flanqueados por sus guionistas Vincent Tavier y Guillaume Malandrin, estuvieron tres años trabajando en el guión de Panique au Village. Durante esos años, escribieron y retocaron la historia, los gags y los diálogos al mismo tiempo que dosificaban cuidadosamente su poción en el espacio de tiempo dado. La película saca provecho de esta meticulosa preparación. El guión propone una gran variedad de tempos, que van del adagio al allegretto, y con los que los directores juegan hábilmente para crear la fluidez que supone el éxito del largometraje.

Hay una verdadera historia que va más allá de una simple sucesión de peripecias cómicas. Vaquero e Indio, unos pilluelos perturbadores y traviesos, toman cuerpo. Caballo, su refunfuñón hermano mayor, un personaje secundario, adquiere vida propia, personal e incluso sentimental. Una de las principales aportaciones de la película es la llegada a este universo de los niños de Madame Longrée (a quien pone voz Jeanne Balibar), una encantadora yegua de voz sensual, acicalada con fulares de una elegancia refinada y que es profesora de piano (el colmo para un ungulado). Caballo y Madame Longrée viven una historia de amor tan pasional como romántica. Los personajes secundarios se convierten en verdaderos actores, siendo más sujetos que objetos de la historia. Por ejemplo, mientras Steven está en la cárcel, Janine desarrolla una faceta de su personaje, mostrando emociones y haciendo cosas que hubieran sido imposibles en la serie de televisión.

El gran acierto de los autores es haber logrado, durante todo este ejercicio, mantener el tono general desarrollado en la serie, que al estilo de la magdalena de Proust, nos devuelve a la inocencia de la infancia. A través de esas figuritas, vemos al niño que juega. Imaginamos los referentes (padres, profesores, conocidos) en los que se inspira, más o menos conscientemente, para crear a sus personajes. Nos deleitamos con esa relación particular que tiene con la realidad y que presenta por una parte, una lógica simple, pero aplastante y por otra, una ausencia a veces total de coherencia. Nos sentimos atraídos por esa relación con el mundo, ni simplista ni vacío de sentido, del pillo con pantalones cortos que toma consciencia del universo que le rodea y lo reproduce, más o menos, como lo percibe: Indio encarga ladrillos por Internet, Steven lleva a sus animales a pastar en el tractor mientras Policía dirige el tráfico, Caballo va a buscar en coche a los animales cuando acaban sus clases de piano en el conservatorio, el establo donde dejan dormir a nuestros tres héroes después de que pierdan su casa es como un dormitorio común de un campamento de verano... Son estos elementos, mucho más que las aventuras que corren, lo que nos hace rendirnos al encanto de la película y a los que nos enganchamos y no podemos soltar hasta el final.

Sin tomarse muy en serio a sí mismos, estos dos amigos, Stéphane Aubier y Vincent Patar, son poseedores de un saber hacer lo bastante asentado para desarrollar un concepto más rico y más desarrollado. Además, podemos comprobar que se han divertido mucho y nos hacen ser cómplices de esa diversión. (via)

Panique au village: Extrait 4

sinopsis de Panique au Village

Vaquero e Indio son unos profesionales de las catástrofes. Cuando planean algo, el caos les persigue. Esta vez, quieren desearle un feliz cumpleaños a Caballo. ¿Qué regalarle? ¡Una barbacoa que puede construir uno mismo! Buena idea, pero por una confusión, Vaquero e Indio le mandan mil ladrillos... ¡Ya no es un cumpleaños, es un tsunami! La casa de Caballo desaparece bajo los ladrillos, aplastada. ¡Hay que reconstruirla! Se acabó el cumpleaños... ¡sobre todo porque unos ladrones se apoderan de los muros cuando terminan de levantarlos! Definitivamente, Caballo nunca podrá disfrutar de ese día especial para ir a ver a la yegua de la que está enamorado, la señora Longrée, que da clases de piano en el conservatorio de al lado. En lugar de eso, tendrá que enfrentarse a imposibles criaturas submarinas, un oso furioso, tres científicos locos y una matriarca psicópata. Un viaje al centro de la tierra, que les llevará por estepas nevadas y un mundo submarino. ¡El miedo se apoderará de su ciudad! (via)

Panique au village: La bande-annonce

www.paniqueauvillage.com

WEB
www.atowncalledpanic.tv

ENTREVISTA con Stéphane Aubier y Vincent Patar, directores de Panique au Village.(via)

“Todos los personajes han evolucionado con respecto a la serie”
Nos encontramos con Stéphane Aubier y Vincent Patar en un paisaje dantesco, una antigua fábrica donde se amontonan aquí y allá material de decorados, objetos diversos y cajas de cartón donde duermen cientos de figuritas. Los directores cuentan a Cinergie el impresionante trabajo necesario para la creación de esta película de animación de 75 minutos que les ha llevado a la alfombra roja de Cannes. Asimismo, nos hablan del inmenso placer que les ha proporcionado llevar a la gran pantalla el dulce delirio surrealista del mundo de Panique au village

Le making-of (accéléré)

Cinergie: En un principio, Panique au village era una serie de episodios cortos. ¿Cómo nació la idea de hacer un largometraje?

Stéphane Aubier: Estábamos muy contentos con la serie. Decidimos dar el salto a la gran pantalla después de hablar con Vincent Tavier, el productor, y con nuestro coguionista Guillaume Malandrin.

Vincent Patar: No teníamos muchas ganas de poner en marcha una segunda serie, sino más bien de cambiar nuestra forma de escribir, de contar las historias. Al principio no estábamos seguros de que una serie de animación tan salvaje como Panique au village pudiera funcionar en un largometraje. Pero desde el comienzo quisimos evitar hacer una película a base de sketches.

S.A.: Cuando creamos la historia en el guión gráfico, fotografiamos todas las imágenes y añadimos las voces para hacer una maqueta nos quedamos más tranquilos. Teníamos la historia, aunque nunca dejaba de evolucionar.

¿Cómo elegisteis las voces de los personajes?

S.A.: Desde el episodio piloto de la serie, queríamos una voz aguda para Vaquero, porque la hago yo. Para Caballo, por el contrario, necesitábamos una voz grave y tosca como la que Vincent puede hacer. Para Indio, tuvimos nuestras dudas. Nos decidimos por una voz muy nerviosa y pensamos en el cantante de PPZ 30, Bruce Ellison. Con los otros personajes nos decidimos sobre la marcha. Benoît Poelvoorde ya había trabajado con nosotros. Le podríamos haber dado cualquier personaje. Finalmente hizo del pequeño granjero, y estuvo espectacular. Con Bouli Lanners pasó más o menos lo mismo. Les ha dado una vida extraordinaria a todos los personajes secundarios. Nuestros descubrimientos han sido David Ricci, de Lieja, que pone su voz al asno, tiene una voz muy grave que le va muy bien, y Jeanne Balibar que da un toque de sensualidad.

Panique au village: Extrait 5

En el plano técnico, requería muchísimo trabajo. Todo se ha hecho a mano. ¿De cuántas personas se componía vuestro equipo?

V.P.: Éramos más o menos veinte personas y la fabricación nos llevó 14 meses. Poco tiempo para una película de animación. La técnica de Panique au village es simple. Caballo, en la serie, tiene tres posturas y corre todo el tiempo. Aquí no le podíamos hacer correr durante una hora y media, por lo que desarrollamos ocho posturas diferentes para darle un trote más lento. La animación es simple. Trabajamos con juguetes de plástico y el objetivo es darle vida a esas figuritas rígidas.

¿Cuántas figuritas habéis utilizado?

V.P.: Para la película hemos fabricado en total 1.500 figuritas. Caballo es el personaje que ha necesitado más, porque tenía muchas posturas distintas... quizás 130 o 140 figuritas. Vaquero e Indio requirieron casi una centena cada uno. Por el contrario, Policía sólo tiene cuatro o cinco posturas diferentes porque es rígido y no se mueve... es un policía.

En vuestro mundo masculino, hay un nuevo personaje que aporta un toque romántico. Madame Longrée, la amiga de Cheval, humaniza a este personaje.

S.A.: Nos parecía evidente que necesitábamos algo así, para precisamente alejarnos de la serie.

V.P.: Ha hecho evolucionar el personaje de Caballo. Deja de ser un personaje secundario con respecto a Vaquero e Indio, tiene una verdadera vida propia. Y todos los personajes han evolucionado con respecto a la serie.

¿Un Panique au village 2 a la vista?

S.A. et V.P.: De momento vamos a ver qué tal con el primero.

Entrevista de Dimitra Bouras et Marceau Verhaeghe

-Beast Animation

2009-10-05T19:11:00.007+02:00

Beast Animation is an executive general and technical services company specialized in stopmotion animation. This specific type of animation covers every form of image per image-shooted audiovisual productions, carried out by three-dimensional and tangible objects, puppets, actors, drawings, etc. … .

Commercial Superlotto 4 Dirección:Beast Animation

Commercial Superlotto 3 Dirección:Beast Animation

Commercial Superlotto 2 Dirección:Beast Animation

Commercial Superlotto 1 Dirección:Beast Animation

Master Bator

Beast Animation working hard on 1 minute penisodes (via)

Busy days at Beast Animation in Brussels: while supervising the dubbing of A Town Called Panic in Flemish, the Beast crew is producing a pilot for a mini series called Master Bator. In each episode a penis puppet comes to the rescue of princess vulva, held hostage by... a dildo.

In the beginning there was... a crazy idea. 'Before we had our own studio, Ben (Tesseur, ed.) and I wanted to do something on the side, just to have really good fun and to animate something without any restraints, not taking into account political correctness, animation 'do's and don'ts' etcetera...' says Steven De Beul. 'So we came up with short stories involving penis and dildo characters. Seven years ago I even made a public appeal on Studio Brussel (a national radio station for a younger audience, ed.) to collect used dildos, to see what kind of reaction it would trigger. But other ideas and projects came along, leaving Master Bator lingering in the back of our heads'.

In the meantime, Steven, Ben and producer Pilar Torres Villodre have worked hard to put Beast Animation on the map, not only as a well-equipped animation studio but also as a production company. Last year they put a lot of effort into A Town Called Panic, a feature film based on the successful tv series by Vincent Patar and Stéphane Aubier. The last two weeks of March Steven and Ben kept an eye on the dubbing process at Sonicville, where director Jan Eelen and his actor's crew were adding their comical talents to the Flemish version of the film.

'During the animation of A Town Called Panic we felt we should do something with Master Bator, to turn it into a valuable project, so we decided to make a pilot.' Letting the project linger all these years might turn out to be a master stroke, since the two can now combine their extensive experience with their enthusiasm from yesteryear. 'This pilot is a testcase, for more than the series alone', explains Steven. 'Right now, we have the time and the means to put some things to the test, also to question the way we are working. We use the pilot to experiment with new software, with a new camera, with new staff, and also to try out working in a low budget way. So other projects could benefit from taking this new approach and from making this pilot.'

'The format for Master Bator is simple: the penis character, Master Bator, is doing the housekeeping when he gets a call for help through his tv set. The princess (who looks like a woman's genitals) is kept hostage by Bator's nemesis, the dildo, and ends up being rescued by her hero. Obviously he always wins because he is able to shoot, unlike his opponent.' Every episode is a parody of famous movie scenes, music fragments or moments in history. In the pilot episode for instance Master Bator refers to Star Wars (with a dash of Ghostbusters).

'Everyone who caught a glimpse of it so far is enthusiast about it, of course that is encouraging', says Steven. Last year Pilar has explored the market for this kind of project at Cartoon Digital in Murcia (Spain). 'Digital platforms are looking for attractive content. Master Bator is not aimed at TV or the big screen, but at 'new' media players such as cell phones. In Belgium this market is very limited, but in Southern Europe, and even more in Japan, watching videos on your mobile phone is extremely popular. Short clips that put a smile on your face seem to be what people want to see on their way to work. So we are aiming at this growing international market. That is why we chose not to use dialogue, to keep it as universal as possible and to avoid translation issues etcetera.' Beast Animation will look for finance only in the private market and has not applied for public funding.

On every single level, Beast is trying to reduce costs for this one minute series. 'The setting for the fight sequence is different every time, but we limit the work on it for each episode. In between shots we don't adapt the lighting because we plan every shot ahead and determine the lighting keeping in mind that we won't change it during shooting. This way we only limit ourselves slightly in the way we tell the story, but we don't give in to the quality of the images shot. Apart from sets and lighting, the animation itself is very cost effective because of the very simple form of the characters: there are no arms, let alone hands and fingers, to animate. The princess gets another wig depending on the situation.' To the animators at Beast, the quite realistic looking body parts/characters have become mere puppets. 'It took quite some research to get them right', says Steven. 'They needed a certain transparency. Pedri Animation of Holland took care of that.'

The concept of Master Bator and the viral distribution of this type of mini series are aimed at both teenagers and young adults. The edgy humour and the atypical yet very recognisable characters should appeal to this broad audience, according to the makers: 'Younger people might not recognize every reference made and still find it funny in itself, while a slightly older audience will be able to enjoy an extra level of amusement referring to great moments in entertainment history. Anyway, we are organising a test screening with teenagers in the near future and we are very curious how they will respond'.

WEB de BEAST ANIMATION
CANAL YOUTUBE
BLOG de BEAST ANIMATION

Michaela Čopíková

2009-05-17T04:35:00.001+02:00

Michaela Čopíková studied at the Academy of Performing Arts in Bratislava from 2002 to 2007 where she specialized in animation.

En la Web de Michaela se pueden ver otros trabajos suyos: www.michaelacopikova.com

About Socks and Love from Michaela Copikova on Vimeo.

David O’Reilly

2009-04-07T13:23:00.003+02:00

David O’Reilly (1985, Kilkenny, Irlanda) es un director de cine y artista con sede en Berlín, Alemania.

????? from David OReilly on Vimeo.

contribution to the PSST! Pass It On project.
See the full sequence with Shynola & David Shrigley here:
vimeo.com/3945955

La 59ª edición de la Berlinale, el festival internacional de cine de Berlin, ha otorgado el Oso de oro al mejor cortometraje a Please say something de David O’Reilly.

Este galardón es muy meritorio ya que el festival de Berlín no distingue las obras de animación y el resto de trabajos. Pero no es la primera vez que ocurre algo así. En 1992, El viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki consiguió ex aequo el Oso de oro al mejor largometraje.

Please say somehting narra la turbulenta relación entre un gato y un ratón en un futuro lejano. El corto está formado por 23 episodios de 25 segundos que han sido realizados íntegramente por David O’Reilly en un único ordenador.

En la web del autor, puede verse un preview formado por los 5 primeros capítulos de Please say something, aunque él mismo indica que son ligeramente diferentes de la versión estrenada.(via)

Please Say Something - Full Length from David OReilly on Vimeo.

Please Say Something

En palabras del artista:
La eterna lucha entre la lógica y la emoción, entre el hemisferio izquierdo y el derecho. Hay un elemento sarcástico en el tempo del filme que utilizo frente al aburrimiento, pero la historia es sincera.

Venetian Snares - Szamar Madar from David OReilly on Vimeo.

Venetian Snares - Szamar Madar es una animacion sin significado logico, pero con un atractivo audio-visual que no te deja de sorprender, la cancion es obra de Venetian Snares y lleva como titulo Szamar Madar.

WOFL 2106 es un cortometraje que narra los últimos días de un joven lobo en la tierra, el fallecimiento de una madre y de un Dios Ciervo perseguido por un monstruo informático.(via)

Videos de O´Reilly en vimeo

WEB del autor.

Len Lye

2009-04-07T12:34:00.002+02:00

Len Lye (Nueva Zelanda 1901-Nueva York 1980) es, junto con Fischinger, uno de los máximos exponentes de la animación experimental de la primera mitad del s.XX.Precursor de muchos de los hallazgos que hicieron famoso a Norman Mclaren, Len Lye fue también un destacado pintor y escultor de vanguardia dotado de una enorme intuición que le llevó a experimentar con todo tipo de materiales dentro y fuera del film. Un ejemplo de ello lo tenemos en Color Cry, obra inspirada en los rayogramas de Man Ray y que se realizó colocando objetos y materiales diversos sobre la película e impresionándolos para conseguir su huella. (via)

Colour Flight (1937)

Biografía de Len Lye en govett-brewster art gallery y mas muestras de su trabajo en youtube.

Tusalava - part 1

Tusalava - part 2

Nicolas Brault

2009-04-06T19:56:00.002+02:00

Né à Montréal en 1975, Nicolas Brault est diplômé en design graphique de l'Université du Québec à Montréal. Durant ses études, il réalise deux courts métrages dessinés directement sur tablette graphique : L'Ã¥il (1999) et Vermino (2000).

En 2000, il remporte le Concours Cinéaste recherché(e), de l'ONF, ce qui lui permet de réaliser Antagonia, un film surprenant qui met en scène deux volatiles sur une glace sens dessus dessous, aux prises avec des poissons qui les suivent comme des ombres. Avec ce film, Nicolas Brault implante aussitôt un style personnel marqué par la naÃ”veté de la situation, la pureté du dessin et l'esprit ludique.
En 2002, il accompagne l'équipage du SEDNA IV au cours de sa mission en Arctique et réalise le film Å’lot. Cette oeuvre dépeint, avec l'épure de l'art inuit et une touche de fantaisie, un monde où les baleines du ciel et les poissons se transforment en ballons. Une ode au Grand Nord qui se livre à l'océan un peu plus chaque année.

Nicolas travaille présentement au scénario de son prochain film, Brésil. (via)

"HUNGU" WEB del corto

The hungu is an African musical instrument, ancestor of the Brazilian berimbau. Its origins are carried on in an ancient tradition. Inspired by the grace and raw beauty of African rock paintings, Nicolas Brault applies his narrative gifts to a world where humans and nature are subtly linked.

Under the African sun, a child walks in the desert with his kin. Death is prowling, but a mother's soul resurrected by music will return strength and life to the child when he becomes a man.

The filmmaker combines 2D animation on a graphics tablet with the warmth of sand animation, thus uniting modernity and tradition, Brazil and Africa, music and memory. Sparse in design and humanist in its outlook, Hungu exudes the elegance and suggestive power of a timeless story. (via)

HUNGU - Rencontre avec l'auteur

Clip du Jour de la Terre Québec 2007

-Pedri Animation BV

2009-04-06T19:04:00.007+02:00

"George and Paul" Presentation Pilot. Dirigida por Joost van den Bosch y Erik Verkerk.
WEB de georgeandpaul.com

Siguiendo la estética de Pocoyo, llega esta nueva oferta de programa infantil 3D para niños que tiene todo para ser un exitazo global y se titula George & Paul.

George y Paul son dos muñecos de madera con personalidades muy diferentes, quienes viven en un mundo de bloques de madera donde sólo la imaginación es el límite respecto a las cosas que pueden crear, mientras se embarcan en un viaje de descubrimiento, complementando sus personalidades y buscando formas únicas y creativas para lograr soluciones, enseñando con ésto el desarrollar lo importante de descubrir y crear nuestras propias habilidades para dusfrutar la vida.

La premisa principal del programa es: divertirse, pensar positivo y enfocarse en las soluciones, no los problemas.

Personalmente le veo un promisorio futuro a este programa. Esta claramente inspirado en una de las mejores ofertas infantiles, pero integra suficientes ideas propias como para hacerlo un producto fresco, atrayente y fácilmente marketeable (lamentablemente un factor clave para un éxito en este segmento de público).(via)

WEB de la serie

Pedri Animation is a stopmotion animation producer founded by employees of the former Toonder Studios.
The experience, knowledge and technical skills we have, enable us, with the help of our own facilities, to model, build and in the end make everything 'alive' in our own studios.
We strongly believe that working closely together with our relations and our free lance network leads to the best productions. (via)

PEDRI Animation BV es el estudio que lo ha desarrollado. En la web se pueden ver muchos otros trabajos de animación.

"Driftprikker" (2007)

KA-CHING Cartoons Animation Studios

-Hothouse

2009-04-06T17:57:00.004+02:00

Uno de los sitios de referencia en relación al mundo del cortometraje de animación es la National Film Board of Canada, más con el oscar que se llevó ‘The Danish Poet’ de Torill Kove. Dicho esto, comentaros que esta institución lleva realizando durante los últimos 4 años, un programa que responde al nombre de Hothouse. En él, reunen a un grupo de artistas emergentes de diferentes disciplinas para producir un cortometraje de animación en 12 semanas.

La quinta edición ha reunido, bajo la batuta de Torill Kove, a 6 artistas canadienses y dos brasileños, cuyos perfiles podemos ver en la página de Hothouse, así como un video podcast donde cuentan como está resultando el proceso de filmación de sus respectivos trabajos. Pero lo realmente interesante, es el enlace que allí encontramos, a los trabajos realizados en las tres ediciones anteriores, y que podemos saborear uno a uno.

Son en su mayoría trabajos experimentales, y requiere un tiempo poder verlos todos, pero la experiencia es gratificante, más cuando no nos cansamos de repetir que más allá de Pixar y Disney, existe un universo fascinante en el mundo del cortometraje de animación.(via)

Aquí cuelgo tres muestras de la quinta edición.

"Git Gob" by Phillip Eddolls WEB de Phillip.

Philip Eddolls was born in Bristol, England but raised in Ontario where he graduated from the Ontario College of Art and Design. His short film Wat a Wonderful Day received awards at both the Toronto International Film Festival and the New York Children’s Film Festival. Eddolls was additionally recognized by RES magazine as one of the ‘Top Ten students of 2006’. His films are self-designed, self-constructed and self-animated.

"Batmilk" by Brandon Blommaert.

Brandon was born in Edmonton and studied printmaking in Calgary. From the moment he discovered animation at Calgary’s Quickdraw Animation Society, he can’t look at pictures without seeing them move. He makes animation and other disasters in his living room, while doing battle with a cat that always has the upper-hand.

"Pearl" by Neely Goniodsky.

Neely Goniodsky is a BFA graduate of Concordia University’s Film Animation program, interested in the research and development of mixed media filmmaking. Neely integrates traditional animation techniques with photography creating vibrant, fleeting, cinematographic sentences. She has animated six short student films, before embarking on Pearl, for the NFB Hothouse.

About Hothouse
Hothouse is a 12-week paid apprenticeship program for emerging Canadian filmmakers. Located in Montreal, Quebec, it was created in 2003 by NFB Animation Studio producer Michael Fukushima and executive producer David Verrall. The aim is to re-imagine ways of making animation that are faster, more flexible and that celebrate the shortest of short forms while maintaining creative and technical excellence, all hallmarks of NFB animation.

This is not “quick and dirty” but rather “intense and amazing.” Think of horticultural hothouses where gardeners create optimal growing conditions to encourage the blossoming of exotic orchids and other blooms in weeks rather than months.

This program is for emerging creators from across Canada with the imagination, vision, experience and enthusiasm to relish the Hothouse challenge, to flourish in the Hothouse environment and to accomplish the making of a successful project within the program’s parameters.

Key aspects of Hothouse include the active participation of an experienced mentoring director, a team of NFB technical and post-production experts who support the filmmakers, and emphasis on the role of the producers as creative partners, all of which highlight the collaborative process of NFB filmmaking.
Hothouse takes place over 12 consecutive weeks in the NFB’s Montreal Animation Studio. This is not a funding or schooling program, but rather a 3-month apprenticeship in real-world animation filmmaking. (via)

Richard Webber

2009-04-06T13:17:00.005+02:00

Purple and Brown - "Spaghetti" Muchos mas videos de esta serie en youtube.

Even Purple and Brown recognise Bristol’s importance to the World of Ballooning, but will Brown’s ‘personal’ balloon technique catch on?

Purple and Brown are two high-spirited blob-like creatures whose world is visited by weird and wonderful plasticine characters. Each episode they greet their new friends with infectious laughter and an innocent curiosity, which often ends in one or both of them sustaining injury. Nothing seems to wipe the grin off their faces - not even hungry zombies, grumpy aliens or scary monsters. It seems the more they manage to damage themselves, the happier Purple and Brown appear to be!

Created by Aardman’s Richard Webber, the 10 x 1 second interstitials and 20 x 10 second stings will broadcast on International Nickelodeon channels from this autumn and will also feature on Nickelodeon UK’swebsite.

Richard Webber (Writer/Director) graduated in Animation from Newport Film School in 1991.

He joined Bristol-based Cod Steaks as a set builder and went onto to work for CMTB Animations as an animator on Tony Hart’s Art Box Bunch and other series and commercials. He continued to animate on various short films and more commercials for Bolex Brothers, before becoming a member of the animation team for Robbie the Reindeer: Hooves of Fire for the BBC.

In 2000 Rich joined Aardman Animations, working as a key animator on Creature Comforts, Angry Kid, Morph, a short film for the World Wildlife Fund and numerous commercials. He wrote and directed his first short film Lens’ Lens in 2002, and added to his directing credits with some ‘stings’ for Channel 4’s E4 and commercials for The Countryside Code and Serta.

In 2005 he wrote and directed a series of shorts featuring his own characters Purple and Brown for Nickelodeon, and he is currently developing a full length series for his creations Munkee Duck and Stoat. (via)

Creature Comforts: "Suppose you Say" Muchos mas videos de esta serie en youtube.

Angry Kid Special pt. 4 Muchos mas videos de esta serie en youtube.

The Morph Files - "The Dog Show" Muchos mas videos de esta serie en youtube.

IMDB
Richard Webber en Digital Spy
Rich Webber en Aardman

Michal Levy

2009-04-06T12:30:00.003+02:00

"One" es un corto de animación musical diseñado y dirigido por Michal Levy sobre música de Jason Lindner. En palabras de la autora:

"... One es mi segundo intento en mi búsqueda personal para entender que apariencia, o que aspecto tiene la música. Constantemente me pregunto cuales son los 'colores' de la música, en que espacio 'vive' la música. Si avanza, ¿en que direcciones?...”.

La belleza de esta animación radica en que no se trata simplemente de un vídeo musical, sino de toda una reinterpretación de la música que suena, de como la autora es capaz de ver lo que esta escuchando.(via)

"One" (2007)

"Fantasía en colores"

Michal Levy es diseñadora gráfica y música israelí. Entre su obra gráfica hay algunas animaciones sobre temas de jazz tan conocidos como el Giant Steps.

Web de Michal Levy

-Studiobaestarts

2009-04-06T10:48:00.004+02:00

"KJFG Nº5" realizada por Alexei Alexeev (2007)

studiobaestarts.com Interesantes propuestas realizadas tanto por Alexei Alexeev como por el resto de compañeros del estudio húngaro, como los cortos de Magdolna Hegyi, Gaál Fruzsina o Ritter Ottó.

Gyerekdalok "Sárga csikó" realizado por Magdolna Hegyi (2008)

Gyerekdalok "Erdő, erdő" realizado por Magdolna Hegyi (2008)

yerekdalok "Három szabólegények" realizado por Magdolna Hegyi (2008)

Nina Paley

2009-04-05T11:46:00.002+02:00

About me:
Nina Paley's career began in 1988 with her self-syndicated comic strip, Nina's Adventures, which appeared in several alternative newspapers and two paperback collections, Depression is Fun and Nina's Adventures. She created two solo comic books for Dark Horse Comics, and various graphic short stories for Last Gasp Comix, Rip Off Press, Laugh Lines Press, Grateful Dead Comix, Kitchen Sink Press, and the Japanese artist volume Jarebong. Her first mainstream daily comic strip, Fluff, was distributed internationally by Universal Press Syndicate between 1995 and 1998; in 2002 she drew The Hots for King Features Syndicate. Comics burn-out drove Nina to animation. Her first film, Luv Is...(1998), was clay stop-motion shot with a vintage super-8 camera. She went on to make 3 more films in 1998, each exploring a different medium: Cancer (drawing and scratching on 35mm), I Heart My Cat (16mm stop-motion) and Follow Your Bliss (traditional pencil and ink on paper). In 1999 she made the world's first completely cameraless IMAX film, Pandorama, and received a grant from the Film Arts Foundation to produce Fetch! (2001), a short film incorporating optical illusions. In 2002 she created a controversial series about overpopulation and the environment, including the Stork, which won first prize at the EarthVision Environmental Film Festival and an unsolicited invitation to Sundance (2003). In 2002 she briefly lived in Trivandrum, India, where she encountered the Ramayana, sexism, and the failure of her marriage. She subsequently embarked on her current project, "Sita Sings the Blues," a feature-in-progress combining the ancient Indian epic Ramayana with 1920's American jazz. In addition to making independent animated festival films, Nina freelances and teaches animation at Parsons School of Design in Manhattan. She is a 2006 Guggenheim Fellow. (via)

Ramayana Musical Part 01 of 04 Here We Are

WEB de Nina

Nina Paley ha necesitado 5 años de trabajo en su ordenador personal para animar y producir ella sola su primer largometraje Sita sings the blues.

La película adapta libremente el relato indio del Ramayana centrándose en Sita, esposa del príncipe Rama, quien es secuestrada y apartada de su marido. Paralelamente, se desarrolla la vida de la propia Nina, que ve como su marido es trasladado a trabajar a la India. De esta manera, Sita sings the blues se alimenta de las experiencias vitales de Nina Paley, mientras ella misma está influenciada por la lectura del Ramayana.

Sita sings the blues mezcla con éxito una gran variedad de estilos de animación, incluyendo el habitual aspecto de su tira cómica Nina’s Adventures, y todo sin que el conjunto pierda unidad.

En este sentido, destacan también, los diferentes números musicales con canciones de Annette Hanshaw, una estrella del Jazz de los año 20. Sorprende como las letras de las canciones encajan perfectamente con la historia de Sita.

Sita sings the blues es, en definitiva, un notable film, capaz de combinar perfectamente historias mitológicas indias, música de blues y el drama personal de su autora sin perder nunca el sentido del humor. (via)

Sita Sings the Blues (Full Movie 720p) Part 1 / 10

Sita sings the blues completa, subtitulada y libre

Nina Paley, autora de Sita sings the blues, ha tenido muchos problemas para distribuir su película por culpa de unos restrictivos derechos de autor.

Durante todo el metraje de la película, aparecen canciones de Annette Hanshaw, una cantante de los años 20. Por desgraciada, la música y las letras aún están protegidas por copyright y su uso en el film sería considerado ilegal a menos que se pague un canon. Nina Paley averiguó que eran necesarios 200.000 dólares y, aunque consiguió rebajarlo hasta 50.000, no disponía de tanto presupuesto.

La solución ha sido cambiar el copyright de Sita sings the blues a copyleft, lo que significa que la película se comparte de manera gratuita y los ingresos para Nina Paley han de proceder de donativos, proyecciones beneficas, etc. El detalle de todo el proceso puede conocerse en el blog de la propia autora y en una entrevista en vídeo de 40 minutos.

La buena noticia es que, tras tomar esta decisión, Sita sings the blues puede verse y descargarse sin ninguna restricción. Además, recientemente se han publicado subtítulos en castellano para el film.

Por último, para aquellos que prefieran compensar a Nina Paley por esta gran película o quieran disponer de Sita sings the blues en formato físico se está preparando una edición en DVD del que, cómo el contenido es gratuito, se paga simplemente por el packaging. Los detalles del DVD pueden consultarse en su blog.

Ver Sita sing the blues: Youtube - Google Video - WNET / thirteen.org
Descargar Sita sings the blues + subtítulos (via)

Hayo Freitag

2009-04-05T09:12:00.002+02:00

Hayo Freitag was born in Wilhelmshafen in 1950 and studied Art and Philosophy in Hamburg. He came to animation via book publishing and illustration and his 1985 animated short "Mein Bruder" won the prize for Best Animation in Zagreb and the 1986 German Short Film Award. Freitag worked on many commercials for cinema and television before moving into feature films as character designer and animator on "Werner - Beinhart" in 1990.

Werner - Gekotzt wird später PART 3 (se pueden ver muchos fragmentos en youtube)

Since then, he has worked in various roles for Michael Schaack's TFC Trickompany on the "Ottifanten" series (1994), "Felidae" (1994), "Loggerheads" (1995), "Max und Moritz" (1997) before directing "Käpt'n Blaubär" (Capt'n Bluebear, 1999). He also served as designer, author, animator and director on the short "Das Pflaumenhuhn"
(1997) which was awarded the Friedrich Wilhelm Murnau Prize and nominated for the German Short Film Award in 1998. (via)

Die drei Räuber (2005-2007)

Los tres ladrones es la historia de Tiffany, una niña que comienza un viaje hacia un orfanato donde debe vivir a las órdenes de la Malvada Tía. De camino, le atacan tres ladrones y la niña ve en ese suceso su oportunidad para escapar de su destino. "El mensaje central es la amistad. Todos nacemos siendo muy amigables pero al final acabamos perdiendo ese valor", explicó el director. Es una película para niños pero también para adultos. "Ha habido gente que me ha dicho que viendo la película se ha encontrado con su niño interior y eso me gusta mucho.(via)

---Nuevos Formatos y Tendencias 002

2009-04-03T13:28:00.004+02:00

Mesas y Conferencias FICOD 2008 (via)

Mesa redonda: La animación digital europea en el entorno mundial: Nuevos tiempos, nuevos personajes. El mercado de la animación no ha dejado de experimentar cambios en las últimas décadas, acelerados por las nuevas tecnologías y las nuevas posibilidades que ofrecen las tecnologías digitales.

Descargar mp3

Moderador: Manuel Cristóbal, Productor Perro Verde Films

José María Castillejo, Presidente de Zinkia

Manuel Gómez, Presidente de Dygra Films

Javier Martínez, Fundador y Director creativo de Enne Entertainment Studio

José Antonio Rodríguez, Director de Producción de Ilion Animation Studios

Vincent Sourdeau, Director Cartoon Network España

Vinculos relacionados:

Federación de Asociaciones de Productores Audiovisuales Españoles (FAPAE)

MAISCA - Universitat de les Illes Balears (UIB)

---Nuevos Formatos y Tendencias 001

2009-04-02T18:18:00.016+02:00

The Imp "Lassagna"

Un ejemplo del concepto multimedia por el que apuestan empresas como BRB es The Imp (K3), una serie dedicada a un entrañable diablo, galardonada en el año 2006 con el prestigioso premio internacional Mipcom Jr. Licensing Challenge, que distingue anualmente a la propiedad televisiva con mayor potencial para desarrollo de licensing y merchandising. De hecho, la serie, una refrescante comedia corta en blanco y negro, se adapta a nuevos formatos como móviles, web o Play Station Portable (PSP), y sus personajes ya se pueden encontrar no sólo en camisetas, sino como fondos de escritorio, salvapantallas y otro tipo de productos de consumo.

Otra empresa que tiene clara la clave del éxito en el futuro es Cromosoma, productora de series de gran éxito como Las trillizas, en cuya web ofrece ya todo tipo de productos relacionados con las tres heroínas, como libros, CD, muñecos, artículos de papelería, DVD, hasta el punto que el merchandising supone un tercio de los ingresos de la empresa. «Hay que pensar el producto para cualquiera de los canales de difusión que hay y que habrá en el futuro. Ya no puedes pensar en una serie que sólo pasará por televisión, hay que tener presente la producción editorial, los juegos interactivos, etc. Es un proyecto que va mucho más allá de la tradicional serie de animación», explica Oriol Ivern, presidente de Cromosoma.

El mercado exige cambios y los productores lo saben. Dos de cada tres proyectos que se presentaron en el último Cartoon Forum, celebrado en septiembre en Gerona, contemplaron ya el concepto para multiplataformas. «Estamos dejando atrás unas prácticas de trabajo bien establecidas, girando a nuevas formas de trabajar que todavía se encuentran en una etapa incipiente», señala Marc Vandeweyer, director de la muestra.

«La tendencia del sector avanza hacia las cada vez más numerosas plataformas de difusión, como Internet, móviles, así como la televisión tradicional y el sector del DVD. Veremos productos más cortos, de 2 ó 7 minutos, adecuados a las nuevas formas de ver animación», señala David Henden, de Luk Internacional,.

Marc Vandeweyer, «el año anterior tuvimos muchos programas para audiencia preescolar. Sin embargo, se está abriendo un mercado nuevo, con productos para niños de seis a nueve años e incluso para jóvenes-adultos, algo inédito hasta ahora». «Tenemos cada vez más programas destinados a adolescentes, quizás debido a que los hábitos de los espectadores están cambiando a causa del creciente uso de los ordenadores e Internet»

«Los inversores quieren la garantía de que su inversión será rentabilizada y no arriesgarán por un producto si no ha sido testada antes su aceptación en un foro como éste. El test de un producto es importantísimo», explica Oriol Ivern, presidente de Cromosoma. Precisamente, su serie más internacional, Las trillizas, fue presentada por primera vez en el Cartoon Forum. 13 años y 104 capítulos después, la serie ha sido traducida a 35 lenguas y se ha podido ver en 158 países, con lo que se ha convertido en una de las más duraderas de Europa. «Sobreviven aquellas series que, de entrada, no han sido excesivamente agresivas. El hecho de no tener la capacidad financiera de otras grandes productoras americanas nos obligó a hacer el trabajo poco a poco, y la serie no se ha quemado tanto como otras», explica Ivern. ¿La clave del éxito? «Las empresas que sobreviven son aquéllas que se creen lo que hacen», afirma el padre de la serie. «Estamos en un mundo donde las ideas es lo que importa. Hay que creérselo», dice Ivern.

BRB Internacional y de su estudio en Barcelona, Screen 21, explotan las comedias cortas en 3D, sin diálogo y de dos o tres minutos, que se pueden descargar a través del móvil, como Bernie, el oso polar.

El oso Berni - 1x43 - Tenis

Berni, el oso polar deportista, ficha por la Gira Multideporte Joven y por Iberia

Su última apuesta es Angus y Cheryl, una parodia de la relación universal entre chicos y chicas en forma de guerra de sexos, pero, claro está, sin guerra, ni sexo. «Apostamos por productos que se puedan descargan a través del móvil, más fáciles de producir pero de muy alta calidad, y los conseguimos vender a todo el mundo. El objetivo final es financiar proyectos no sólo con la venta de audiovisual, sino con el dinero que la gente se gasta en descargar a través de Internet o del móvil». Esperar en el sillón de casa a que pongan tu serie de dibujos favorita y encima no poder elegir lo que hace el personaje es cosa del pasado. Desde BRB Internacional, lo tienen claro: «Nuestros productos ya no van a ser solamente una serie de televisión. A parte de ser una línea de merchandising, nuestra idea es crear juegos on line, gente conectada a Internet que juegan unos contra otros, en la línea de la X-Box o la Play Station 3».

Un país pequeño, una industria grande

Una creatividad muy mediterránea, un perfil industrial, presupuestos más competitivos y una producción metódica hacen de Cataluña la punta de lanza de la 8 de los 11 proyectos españoles seleccionados para el 18 Cartoon Forum son de productoras o estudios de Cataluña; y dos de los tres Cartoon Tributes que se otorgan cada año en Europa han recaído este 2007 en manos catalanas, siendo reconocidos TVC y la barcelonesa Luk Internacional como el mejor Broadcaster e Inversor/distribuidor del año, respectivamente.

Aun así, todavía queda mucho camino por recorrer. Tal como señala Cristina Brandner, de Neptuno Films, «la trademark de la animación catalana es que hemos estado siempre solos en el mercado internacional». Y es que, a pesar de excepciones como el Institut Català de les Indústries Culturals (ICIC) y de TVC, para muchos, fuerza motriz del sector catalán con 14 coproducciones con 12 países en la actualidad, los productores siguen luchando para obtener más apoyo y, sobre todo, más inversión. «La industria de la animación en Cataluña está compitiendo al mismo nivel que los demás países. Ciertamente se está invirtiendo dinero pero las cifras son claramente insuficientes», explica Brandner. La exigencia del mercado internacional, dirigido sobre todo por americanos y japoneses, ha requerido más olfato y talento empresarial para ser más competitivos internacionalmente. «Tenemos que ser más astutos, competitivos y creativos si queremos estar en primera línea», asegura Brandner.

«Hay mucha gente joven influenciada por Internet, los videojuegos, el cómic; gente que son muy buenos dibujantes, ilustradores o publicistas. Lamentablemente, no hay ayudas suficientes para la formación, ni tampoco una universidad en Cataluña que se dedique de manera profesional a trabajar el 3D o los videojuegos», explican desde BRB Internacional.
Precisamente, para llenar este vacío en el mercado ha nacido la Fundación Digitalent o Factoría Digital de Talentos, cuyo objetivo principal será detectar el talento incipiente e incorporarlo a la industria y los circuitos de difusión cultural. Creada por empresas con una importante presencia en la industria digital, como Cromosoma, SAE Institute, Digidesign, Advanced Music o Digital 360, fomentará con carácter experimental la búsqueda de creadores artísticos provenientes de contextos no convencionales. Asimismo, promoverá la creación de nuevas metodologías de producción digital y explorará nuevos tipos de relación entre creador y productor, con la voluntad de provocar un estallido de creación. «Nos falta ser conscientes de que podemos dominar la tecnología, pero no sabemos dónde buscar esta creatividad», explicó Ivern, uno de los impulsores del proyecto. (via)

"Mirar más a Europa. Tenemos que coproducir con los países más próximos: con Italia, Francia, Alemania... Para asegurar el territorio de exhibición y para poder tener presupuestos que nos permitan estar con dignidad en las pantallas. Los presupuestos en los que nos estamos moviendo son pequeños para poder competir. Hasta ahora podíamos hacerlo y éramos de los primeros en el Estado. Desde hace algún tiempo, en España se están asentando productoras con capital americano y el resultado tiene otra categoría." Juanba Berasategi (via)

Angus & Cheryl "at the Hospital"

Enlace al video de "Suckers"

Dibo, el dragón de los deseos

Esta serie, producida por la compañía coreana Ocon y escrita por conocidos guionistas de animación de Hollywood, ha sido realizada con el estilo “Stop Motion”: esto ha permitido reproducir fielmente la imagen de los muñecos tejidos a manos por la madres para sus hijos. Ya ha sido premiada en varios festivales internacionales (como por ejemplo en el Kocca o el Cartoons on the Bay) y televisiones de diferentes países se han interesado por la serie (Telescreen en el Benelux, EBS en Corea…). También, hacer hincapié sobre las posibilidades enormes que existen en cuanto a licensing y merchandising para Dibo, el dragón de los deseos: desde moda y decoración a juguetes educativos, editorial, pasando por papelería… Todo hace que esta serie televisiva sea una de las más importantes en el sector del entretenimiento a nivel internacional.

Dibo The gift Dragon

"Pocoyó, la exitosa serie de animación coproducida por Zinkia y Granada Internacional, en colaboración con Granada Kids y Cosgrove Hall, dispondrá de su primer videojuego para consola: Hello Pocoyo!, tras el acuerdo alcanzado entre la productora y distribuidora Zinkia y Virgin PLAY, compañía española editora y distribuidora de videojuegos." (via)

Pocoyo de Zinkia

En el 2006, Sergi Reitg recogió el Oscar de la animación europea, el Cartoon d'Or. Su empresa, Imira Entertaintment (anteriormente Icon Animation), fue considerada "el mejor inversor de Europa". Cuando hizo suya la estatuilla --un divertido extraterrestre de tez amarilla-- sonrió al público del Cartoon Forum y aclaró algunos puntos: "No somos los que más hemos invertido, pero sí que somos los más rentables y sí que estamos entre los que, al margen de nuestra plantilla, más trabajo estamos dando en el gremio".
Aquel fue un momento de celebración de un modelo de negocio que, solo hacía cuatro días, causaba escepticismo entre las grandes productoras españolas de dibujos animados. Reitg, que fue director general de Cromosoma e inauguró con una venta en Islandia el auge internacional de Les tres bessones, atribuye una mentalidad de botiguer a las productoras asentadas. "Rehúyen las coproducciones internacionales. Se limitan a ir del despacho a las televisiones, cuando resulta que esa fuente de ingresos ha ido menguando".
Esa heterodoxia --ortodoxia en EEUU y Reino Unido-- le alejó de Cromosoma y le animó a independizarse. Encuestó a sus contactos en televisiones de todo el mundo --"en España falta escuchar al cliente"-- y supo que la franja de edad en la que escaseaba producto era la de ocho a 12 años. Preescolar, en cambio, era el camarote de los Marx: demasiada gente.
En esa fase de maduración conoció a la pequeña productora de la creativa Miriam Ballesteros. Unieron fuerzas. Pragmáticos, antes de producir afianzaron el negocio de distribución: Imira se convirtió en plataforma de exportación de las pequeñas productoras españolas de animación. "Tuvimos éxito, y grandes empresas de fuera, como la televisión pública alemana ZDF, se fijaron en nosotros para vender sus productos --derechos, DVD, merchandising, libros-- en la Península, América Latina y el EEUU hispano".
Después se hicieron productores. Lola & Virginia, para niñas de 8 a 12 años, ha llegado a 129 países. Se coprodujo con la televisión pública francesa FR3. "Lo hicimos en tecnología flash con alta resolución para así facilitar la explotación en móviles, webs y videojuegos (lo hay para la Nintendo DS)". Imira estrenará en septiembre en TVE Sandra, detective de cuentos (4-8 años), precomprada por filiales de Disney y Cartoon Network en Latinoamérica. Aunque el proyecto más ambicioso es Lucky Fred (10-12 años), cofinanciado con Disney, Televisió de Catalunya, Nickel Odeon, TF1 y Rai. "Convencimos a Disney para que el escenario de la serie fuese Barcelona". (via)

Lola & Virginia

Myo & Ga

Imira presentará la estrafalaria comedia Myo & Ga en el Cartoon Forum de este año. La serie de animación 3D, dirigida al público a partir de 6 años, es una coproducción con la coreana VOOZ Character Systems y Tooniverse, el canal coreano líder en animación.

Situada en el reino animal, la serie que consta de 78 episodios de 7 minutos, es una trepidante comedia de acción, aventuras y artes marciales. Myo & Ga son héroes de nuestro tiempo cuya misión consiste en descubrir la misteriosa Perla del Dragón de Wong y salvar el mundo natural de su destrucción. ¡El problema es que Myo es un conejo, Ga una tortuga, su mejor amiga es un pollo, y no tienen ni idea de por dónde empezar!
Myo & Ga tiene el estilo característico de animación 3D combinado con secuencias de lucha estilo Matrix, animación inspirada en el look Manga y efectos de sonido de los videojuegos.(via)

MYO & GA Trailer

Ver el piloto de la Web.

Originalmente el personaje de Pucca fue creado por la compañía
surcoreana Vooz como la imagen de un servicio de postales
electrónico, pero debido al éxito obtenido, la compañía comenzó a
realizar una serie de 24 episodios de tan sólo 2 minutos y medio
de duración por segmento. La serie fue distribuida por Jetix en
Europa y Latinoamérica.

Posteriormente esta serie dejó de ser cortos de dos minutos para
convertirse en una serie animada de 26 episodios de media hora
(cada episodio consistía de tres cortos), ya que en la producción
se unió la compañía Jetix Europa y la compañía canadiense
Studio B Productions, en esta nueva versión de la serie se
realizaron varios cambios entre los cuales se encuentra la
inclusión de tecnología Maya, un nuevo tema musical interpretado
por Plus-Tech Squeeze Box, nuevos personajes y, finalmente,
diálogos a los personajes (exceptuando a Garu y Pucca). (via)

Cualquier padre con hijas en edad escolar conoce a Pucca. Es un personaje comic de origen coreano que se ha hecho sumamente popular entre las más pequeñas. Tendremos que convivir con su imagen en mochilas, carpetas, estuches, camisetas, pegatinas, etc.

Ya hemos comentado hace tiempo que se presentaba la colección de libros para niños Los divertidos viajes de Pucca. En cada volumen, Pucca (gastrónoma empedernida), persigue por distintos lugares del planeta a su adorado Garu con el fin de lograr darle un beso. En el peregrinar, van conociendo costumbres, comidas, lugares, historias y leyendas.

El primer número fue dedicado a China y fue para mi una agradable sorpresa poder compartir una charla sobre el “destino turístico” con mi hija de 9 años en la que me contaba que el cangrejo al vapor es un plato de Shanghai o que durante la construcción de la Gran Muralla, era costumbre enterrar allí mismo a los obreros fallecidos. (via)

Una luna llena para Pucca

El Pucca-phone es un celular GSM, tiene una pantalla interna de 1,3 pulgadas, puede reproducir archivos MP3 y MP4 y hasta incluye sintonizador FM. También tiene Bluetooth y la posibilidad de enviar y recibir mensajes MMS, además de contar con memoria extendida, aunque ya cuenta con memoria de 128mb. Viene con cámara 13.0 lacpixel.

Arnolds Burovs

2009-01-29T13:53:00.003+01:00

Né en 1915 à Riga. En 1953 il obtint le diplôme de Direction Théâtrale au Conservatoire d’Etat. Entre 1945 et 1950 il fut le décorateur, puis le directeur de 1951 à 1954, du Théâtre des Poupées de Riga.
A partir de 1964 il devint artiste, réalisateur et scénariste au Riga Film Studio.
Arnolds Burovs dévoua sa vie à l’animation de poupées. En 1966, il fonda le Studio Animacijas Brigade (AB).
Il fut l’un des artistes les plus réputés de son temps et son oeuvre compte parmi les plus influentes des pays Baltes. Son style et sa pratique traditionelle de l’animation sont aujourd’hui perpétués au Studio AB de Riga.

En plus de lui rendre hommage, l’année 2005 fêtera le 90 ème anniversaire d’Arnolds Burovs.
Titres et reconnaissances :
- Considéré comme le père fondateur de l’animation lettone.
- Détenteur de l’Ordre des Trois Etoiles (reconnaissance nationale du mérite)
- Membre de la Société des Réalisateurs Lettons
- Membre de l’Association des Artistes Lettons.

"Cosette" (1977)

Le Petit Cordonnier (1971)

Le Petit Frere PART 1/2 (Muy mala calidad)

Le Petit Frere PART 1/2 (Muy mala calidad)

Trailer Charlot (1990)

IMDB

Hermina Tyrlova

2009-01-29T11:55:00.003+01:00

En Tchécoslovaquie, le monde merveilleux de Hermina Tyrlova a enchanté des générations d'enfants. Ses contes animés de marionnettes en bois ou en tissus sont aujourd'hui considérés comme des chefs-d'oeuvre du cinéma pour enfant. Précurseur de la marionnette animée avec Trnka et Zeman, elle collabora étroitement avec ce dernier au sein des Studios Zlin, 2nd pôle d'animation en Tchécoslovaquie avec le studio Bratri v triku dirigé par Trnka.
C'est elle qui introduit dans le cinéma d'animation tchécoslovaque, dès 1932, la technique de l'animation de marionnettes (L'ivresse de Hurvinek 1932 et Le secret de la lanterne 1936). Mais c'est finalement à Zlin en 1941 qu'Hermina Tyrlova réalise son premier film de marionnettes : Ferda la fourmi.

Sa patte est reconnaissable par les combinaisons des techniques qu'elle maîtrise : animation de marionnettes et acteurs en prises de vues réelles, animation de fils de laine, marionnettes en tissus, objets animés, papiers découpés... Ainsi, les personnages principaux de ses films se situent très souvent à la frontière des marionnettes en tissu et des objets animés. Souvent, ces petits personnages s'évadent du monde des humains pour vivre leurs propres aventures. C'est le cas pour les jouets de l'atelier dans Le Lance-pierre et le canard et La révolte des jouets, le mouchoir de l'écolier dans Le n?ud au mouchoir ; les pantalons, robes et autres linges du Conte sur un fil...etc

Ses films ont aussi la particularité de s'adresser au jeune (voir au très jeune) public. Son univers est celui de contes merveilleux où les objets du quotidien s'animent comme par magie et deviennent de véritables marionnettes, comme à travers le regard d'un enfant qui laisserait libre court à son imagination... (via)

Den Odplaty (Day of Reckoning), 1960, Part I.

Den Odplaty (Day of Reckoning), 1960, Part II.

Dve klubícka(1962) Se puede ver también (y mejor) aquí.

"La revolución de los juguetes" (1946)

"Zvedave Psanicko" (1961) Part 1/2

"Zvedave Psanicko" (1961) Part 2/2

"Sněhulák" - "Snowman" (1966)

Bruce Bickford

2009-01-27T12:38:00.004+01:00

Bruce Bickford nacido en Seattle, Washington, en 1947. Bruce Bickford empieza a realizar su animación con plastilina en 1964 a la edad de 17 años, se gradua en la escuela superior en 1965 y hace el servicio militar entre 1966 y 1969 al regreso del cual realizaría su primera animación seria ya en 1970. En 1973 se traslada a trabajar a Los Angeles donde conoce a Frank Zappa con el que trabajaría de 1974 a 1980 tras lo cual regresará a Seattle para continuar con su obra más personal. Bruce Bickford trabaja con lo que denominamos stop-motion, sus personajes son surrealistas llegando a lo grotesco en numerosas ocasiones, pero el resultado final de sus obras es realmente espectacular y fascinante.(via)

Frank Zappa / Amazing Mr. Bickford "Dupree's Paradise" (1976)

Wikipedia

WEB de Bickford

EL UNIVERSO ANIMADO DE BRUCE BICKFORD
De Brett Ingram

Una vez, el fallecido músico y compositor Frank Zappa fue citado cuando dijo“Bruce Bickford es un genio.” ¿Quién puede negarlo? Y al mismo tiempo, ¿quién puede confirmarlo? La genialidad, como la belleza, se encuentra en ojos del observador.

Pocos directores de cine pueden dividir tanto a los espectadores en este aspecto como lo hace Bruce Bickford. No obstante, nadie puede dudar que Bickford es uno de los verdaderos visionarios del cine americano de vanguardia.
Bickford pasó a ser de culto durante su colaboración con Frank Zappa en la década de los 70, y ha trabajado en la oscuridad desde entonces.
Su “animación de líneas” en dos dimensiones es destacable, pero su animación stop-motion (plano a plano) con plastilina le ha hecho legendario. Es casi imposible realizar una sinopsis satisfactoria de una película de Bickford a los no iniciados.

¿Qué se puede decir?
Toma número 1 (32 segundos, 14 fotogramas): La hierba de un campo está viva y gira como un torbellino. Cambia de color y se convierte en una cara que explota, se divide y se convierte en cinco pequeños conquistadores que luchan entre sí con espadas. Dos conquistadores son alcanzados y se caen, pero, en medio de la pelea, los otros tres se funden en uno sólo para convertirse en la cara de un extraterrestre, a quien le crece un cuerpo que se va de la escena.
Toma número 2 (18segundos, 4 fotogramas): Un guerrillero vestido con el uniforme de combate pulveriza el paisaje con una ametralladora. Las plantas de los alrededores se convierten en una mano que agarra al malvado y lo aplasta. Esta masa pasa a ser una cara palpitante, con ojos saltones, que explota y se convierte en un paisaje donde ocho personajes minúsculos vestidos con unos taparrabos dan volteretas. Y más de lo mismo.

MONSTER ROAD (excerpt #1), Bruce Bickford Documentary

Cualquier intento de sinopsis se convierte en un monólogo interior de la conciencia. Y eso es exactamente lo que aparentemente es la película de Bickford: un monólogo interior de su conciencia (o tal vez de su inconsciencia), un monólogo que tuvo lugar tras meses, o incluso años, dentro de la mente del animador mientras éste creaba y fotografiaba cada fotograma. Se trata de un montaje orgánico de imágenes vibrantes y fluidas que se desarrollan en la pantalla como una comprensión lógica, desafiante, pseudonarrativa e inconexa. La obra de Bickford es puramente cinemática. Está hecha para ser experimentada y para hacerse preguntas, no para entenderla.

El Dr. Michael Frierson, estudioso e historiador de la animación, describió la experiencia de ver la película de Bickford en su libro Clay Animation: American Highlights 1908 to the Present. (Animación en plastilina: Lo más destacado en América desde 1908 hasta la actualidad):
“Coloca al espectador en una especie de trance. Una vez atrapado, tienes que sacudirte para liberarte y las primeras preguntas que te haces son: ¿Qué es esto? ¿Cuánto tiempo va a durar?” Muchos espectadores repiten estas preguntas y muchos no tienen la paciencia para soportar una película entera de Bickford, precisamente porque la respuesta a la primera pregunta nunca satisface y porque la segunda pregunta no tiene respuesta hasta que se acaba la película. En la era de la información cada vez más literal en la que vivimos,muchos espectadores reclaman una resolución narrativa clara y quieren saber el significado exacto de una obra. Aún así, existe un gran número de fervorosos fans de la obra de Bickford.

MONSTER ROAD (excerpt #2)

“La animación de Bruce me gustó inmediatamente,” dice Janice Findley, directora de cine y amiga de Bickford desde hace tiempo. “Simplemente por su universo fantástico. Totalmente original. No sé lo que significa todo, pero no me importa. Se trata de la mente de Bruce Bickford volviéndose loca.” Cuando se le pregunta de que van sus películas, Bickford se encoge de hombros, molesto. Sin ningún tipo de pretensión, odia este tipo de preguntas. “No puedo afirmar que mis películas tengan un argumento concreto. Hasta ahora, mi animación ha sido bastante primitiva en cuanto a lo que está pasando. Se trata simplemente de los buenos contra los malos.” Bickford parece insensible ante las reacciones de la audiencia y ante las interpretaciones de su obra. “La gente ve lo quequiere ver. No puedo hacer nada al respecto. Yo sólo busco el denominador común más simple. Pon algo ante la cámara y sácale cualquier tipo de acción.”

Bickford nació en Seattle, Washington, EEUU, en 1947. Es el tercero de cuatro hermanos. Su padre, George, era ingeniero mecánico de la empresa aeronáutica Boeing. Su madre, Audrey, era ama de casa y escritora. La familia vivía en una casa en lo alto de una colina con vistas al Kent Valley, una especie de tablero de ajedrez de verdes pastos a través del cual se desliza, gentil, el Green River. El terreno de la colina era rocoso, densamente poblado de árboles cubiertos de musgo y de una flora diversificada. El reino vegetal de Seattle, igual que en la mayor parte del noroeste del Pacífico, se nutre abundantemente de una llovizna constante que cae nueve meses al año.
Las películas de Bickford reflejan una infancia vivida en dicho entorno. Plantas exóticas y una vegetación exuberante aparecen constantemente en sus paisajes imaginarios de plastilina. La vista desde la colina también fue muy educativa en cuanto a la perspectiva y a la escala. “Cuando tenía cinco años, solía observar las pequeñas granjas y casas al pie de la colina. Desde ahí arriba, se veían pequeñas y quería que continuaran siendo pequeñas cuando llegaba allí,” dice. “Así tendría edificios y cosas con las que jugar.”
En 1989, tras la muerte de su madre, Bickford heredó la casa familiar, y las vistas le proporcionarían una continua inspiración. La casa de Bickford fue diseñada y construida por George Bickford durante los fines de semana, tras haber trabajado en el diseño interior de aviones a tiempo completo. El viejo Bickford estaba obsesionado por maximizar el uso del espacio físico. Tenía tendencias perfeccionistas, una paciencia inquebrantable y una gran ética profesional. También poseía una curiosidad infantil por los profundos misterios de la naturaleza. Se puede decir tranquilamente que Bruce heredó cada uno de estos rasgos, ya sea de forma genética o por mimetismo. El pequeño Bruce demostró tener un gran talento artístico, dibujando con lápiz y carboncillo y modelando con plastilina muy temprano, a la edad de tres años. Sus padres elogiaban su arte. Bruce todavía conserva un archivo con todas las ilustraciones que hizo en su infancia, debidamente numeradas y catalogadas por su madre.

A los seis años, su padre le llevó a ver la película de Walt Disney Peter Pan(1953). El filme conmovió al pequeño Bruce profundamente. “Cuando vi Peter Pan”, dice, “me identifiqué con él enseguida porque era un hombrecito con poderes especiales. Era un hombre enclenque, pero cuando el Capitán Hook le amenazó con una espada, fue capaz de ganarle con un simple cuchillo. Yo también era un hombrecito y deseaba tener algún tipo de poder.”
Meses después de ver la película de animación sobre un muchacho que vive la aventura de la juventud eterna, el pequeño Bruce soñaba con sus propias aventuras en el País de Nunca Jamás.

MONSTER ROAD (excerpt #3)

Sin duda alguna, la idea de la eterna juventud era atractiva para Bruce, quien todavía conserva un espíritu bastante infantil. Sin embargo, también le cautivaron las escenas de acción con cuchillos de Peter Pan. Los filmes de Bickford están repletos de una violencia sobrecogedora, especialmente de violencia con cuchillos y espadas. En esta línea, más tarde Bickford se dejaría influenciar por Los Vikingos (1958), una aventura épica sangrienta protagonizada por Kirk Douglas y Tony Curtis, así como por el brutal western de Sam Peckinpah, Grupo salvaje (1969). “No es sólo violencia. También es movimiento. Las películas son movimiento, al menos para mí,” dice Bickford. “Las películas que se limitan a enseñar gente sentada hablando y demostrando sus emociones no me dicen nada.”
En 1957, Bruce vio King Kong (1933), que incorpora los increíbles efectos stop-motion de Willis O’Brien. La animación era tan efectiva que “la primera vez que la vi, ni me di cuenta que se trataba de animación,” afirma Bruce. “Pensé que era un tío con undisfraz de gorila”. Sus primeros conocimientos del concepto de stop-motion los obtuvo del tráiler del largometraje Veinte millones de millas de la tierra (1957), con animación de muñecos de Ray Harryhausen. “Cuando aprendí lo que era el efecto stop-motion, que era una ilusión, no me lo podía quitar de la cabeza”. “Empecé a imaginarme escenas en stop-motion a todas horas. Varios meses después, ideé un filme en que cada fotograma estaba hecho como una pintura al óleo realista. Había gladiadores, combates y muerte, resultando perturbador para la gente puesto que todo parecía muy real.”
En 1959, después de ver King Kong por segunda vez, Bruce pudo apreciar la ilusión tras los movimientos reales de la bestia gigante. “Era sorprendentemente gráfico”,dice. “La escena en que lucha contra el tren elevado estimuló mi imaginación de tal manera que vi cosas que, como comprobé más adelante, ni siquiera aparecían en pantalla. Hasta este punto me afectó. Los efectos stop-motion de O’Brien fueron de los mejores.”
El efecto stop-motion de Harryhausen en The Seventh Voyage of Sinbad (1958) dio alas a la inspiración de Bruce. Todos estos filmes le influenciaron de por vida, pero fue un anuncio de televisión animado el que anima a Bruce a probar el efecto stop-motion por sí mismo. “Se trataba de un anuncio de una máquina de afeitar eléctrica de la marca Norelco, estrenado durante las navidades,” afirmó. “Estaba protagonizado por un pequeño Santa Claus deslizándose por unas colinas nevadas sobre los cabezales flotantes de la máquina Norelco para demostrar que éstos se acoplaban perfectamente al contorno de tu cara”.
Cuando Bruce tenía 17 años, compró una cámara de 8 mm. Con la intención de duplicar los efectos del anuncio de Norelco, usó coches de juguete bajo el fondo de las obras de una autopista en construcción. “No conseguí el efecto que buscaba porque los coches no tenían parachoques para parar los baches del terreno,” dice. “No me quedó tan fluido como en el anuncio, pero así empecé.”
Bruce usó los coches de juguete como animación durante un tiempo y después empezó a colocar muñecos de plastilina dentro de los coches. Con el tiempo, empezó a animar las figuras de plastilina en distintos escenarios y se quedó con la animación en plastilina por accidente. “Estaba acostumbrado a jugar con plastilina desde muy pequeño,y por lo tanto me pareció natural empezar a hacer animación con ella, dice”.

Bruce Bickford interview pt. 1

En 1965, Bickford acabó sus estudios en el instituto, y un año después se alistó a la Marina donde permaneció tres años de servicio, once meses de los cuales los pasó en la Guerra de Vietnam. “Casi no salí de la base”, dice. “De vez en cuando alguna bala pasaba zumbando, pero no era habitual. La mayor parte del tiempo transcurría bajo la intimidación de los demás Marines.”
En 1969, de vuelta a Seattle, Bickford retomó la animación, esta vez con su recién adquirida cámara de 16 mm. Aprendió a conseguir movimientos de la cámara moviendo el trípode unos milímetros tras cada fotograma. Las tomas se fueron complicando con más personajes apareciendo en pantalla simultáneamente. Metamorfoseó personajes y objetos aplicando cambios graduales, fotograma a fotograma. Manipuló la perspectiva exagerando la escala de los personajes y el fondo.
Fruto de una minuciosa experimentación, Bickford desarrolló su estilo personal como director de cine. Sus ideas,en cambio, fluían libremente y en abundancia.

“En 1970, me fui a dar un paseo y de pronto tuve una idea para una escena de lucha”, dice Bickford. La escena de lucha se convirtió en el primer esfuerzo narrativo sostenido de Bruce, un filme titulado Last Battle on Flat Earth. En la película, un numeroso grupo de africanos están caminando por una tierra estéril y llana, cuando encuentran a un grupo de occidentales. Los blancos empiezan a disparar a los africanos, algunos de los cuales se ven destrozados en detalle gráfico. Una secuencia es, toma a toma, casi idéntica a la acción de una escena de la película Grupo salvaje. Más adelante, un africano toma represalias lanzando un cuchillo al pecho del líder blanco. Se funden en una gran pelea.

Bruce Bickford interview pt. 2

En Flat Earth, surgió uno de los temas más recurrentes de Bickford: el justo castigo kármico. “Intento que los malos, que se comportan fatal, reciban su merecido rápidamente,” afirma. “Lo suficientemente pronto para que te des cuenta de que lo que les pasa es por lo que acaban de hacer.”
En su siguiente película, The Start of the Quest, Bickford desarrolló un estilo narrativo tan personal que es casi impenetrable para cualquier otra persona. Un chico se escapa por la ventana de su clase y va a parar a un barranco muy parecido al que veía desde su casa familiar. El chico vaga entre una vegetación mágica y es testigo de las dudosas actividades de policías y criminales (los cuales es difícil diferenciar). Incluso esta descripción vaga no es del todo correcta. Tiene que verse.
Más adelante, se produce una pelea de bar entre más de una docena de personajes. “Un tío me contó que al ver aquella escena se quedó muy jodido”, dice Bickford. “Me contó que ocurrían demasiadas cosas a la vez. Demasiadas líneas de acción. No podía seguirlas. Busqué ese tipo de tensión”, dice Bickford. “Lo hice de manera intencionada.”
Esta clase de tensión, y otras, ya sean intencionadas o no, son el sello de la filmografía de Bickford. El simple acto de leer todas las acciones de una escena cualquiera puede ser todo un reto puesto que cada fotograma es una profusión de imágenes. La incomprensibilidad de la narrativa te puede dejar atónito. Tratar de encuadrar estos filmes dentro de los confines del lenguaje cinematográfico establecido es una injusticia y una equivocación. Aún así, Bickford recuerda qué pensaba o hacía cada personaje en cualquier tomade todas sus películas. “Cuando eres animador”, dice, “asumes los sentimientos de todos los personajes. Tanto si son los buenos, como si son los malos, tienes que desempeñar todos los papeles.”

Bruce Bickford interview pt. 3

En el orden moral del universo animado de Bickford, desempeñar todos los papeles a menudo supone cometer los actos violentos del mal o los actos violentos de un castigo justificado. No obstante, debemos aclarar que Bickford no aprueba el uso de la violencia. De hecho, le horroriza y desea que el espectador también se horrorice. Las escenas violentas de sus películas no pretenden excitar. Se trata de parábolas de aviso. Ahí es donde los espectadores, alimentados por una dosis diaria de violencia cinematográfica y televisiva, no comprenden a Bickford. “Existe una gran fascinación por el miedo, pero no sé el porqué”, afirma. “En parte, debe ser porque cuando eres testigo de la violencia, te sientes afortunado puesto que no te está pasando a ti. Es como una bestia salvaje en una jaula. Te sientes a salvo.”
Es como si Bickford atrapara sus peores temores en celuloide para alejarlos. Sin embargo, evita cualquier pregunta sobre este tema. “Simplemente megustan las imágenes. Algunas me gustan más que otras.”
En 1970, Bickford intentó por primera vez la animación de líneas dibujadas a lápiz. Con el tiempo fue igual de prolífico en este medio, aunque se le conoce más por su trabajo con el stop-motion en plastilina. También experimentó con la animación en cera sobre una mesa de cristal, iluminada por debajo y fotografiada por arriba. Bruce trabajó sobre la hipótesis, y confirmó que el calor de las luces ablandaba la cera y la hacía flexible. El efecto resultante en pantalla es el de un mar de lava volcánica.

Bruce Bickford interview pt. 4

En 1973, Bruce se dirigió a California con sus películas en busca de un trabajo remunerado como animador. Se paró en San Francisco para reunirse brevemente con el ilustrador de cómics de culto Robert Crumb. “No me sirvió de mucha ayuda. Estaba demasiado ocupado intentando vender sus propias creaciones.”
Bickford acabó en Los Ángeles donde un amigo le presentó al músico de rock Frank Zappa. La reunión no fue fructífera inmediatamente, así pues Bickford volvió a Seattle tras mostrar sus demos a otras productoras de la cuidad.
El año siguiente, Zappa llamó a Bickford y le invitó a trabajar para él en Los Ángeles. El resultado de la colaboración de dos grandes artistas e iconoclastas es historia.
Durante seis años y medio, Bruce cobró por hacer lo que más le gusta: crear. En esta época, Bickford fue muy prolífico. Y lo que es más importante, desarrolló el estilo alucinógeno de animación que lo convirtió en un icono de culto del stop-motion underground. Usando una ardua animación de sustitución –es decir sustituyendo una figura esculpida por una copia ligeramente alterada (a menudo más grande o más pequeña) de dicha figura, fotograma a fotograma–, hacía aparecer y desaparecer personas y objetos de la escena.
Las figuras cambiaban de forma de manera implacable e impredecible. De pronto, un personaje podía convertirse en un paisaje y el fondo podía convertirse en un personaje. Manipulaba las escalas relativas del personaje y del paisaje para retar el sentido de la perspectiva del espectador. Ver una animación de Bickford de dicho período en la gran pantalla puede dar al espectador la sensación que uno tiene justo antes de desmayarse, cuando el sentido del espacio se colapsa en sí mismo.

También fue durante este período cuando Bickford creó su única secuencia de animación por acetatos. La secuencia duraba 42 segundos, aunque hizo falta todo un año de trabajo para producirla porque Bruce pintó cada uno de los acetatos personalmente (mil fotogramas). A pesar de que la mayoría de animadores por acetatos filman cada acetato al menos dos veces para reducir el trabajo, Bickford no quiso comprometerse y filmó un solo fotograma por ilustración. “De esta manera el movimiento es más fluido,” dice.
Sus proyectos actuales de animación de líneas no son menos arduos. Para alterar una imagen compleja con un trazo de lápiz más grueso en cada fotograma, a veces trabaja de diez a quince horas para realizar un segundo de la película.
En 1979, Zappa estrenó la película de un concierto titulada Baby Snakes donde se incluía la mayor parte de la animación que Bickford había creado durante dicho período.
El filme obtuvo sin duda alguna críticas pobres (la mayoría destacaban que el filme era demasiado largo e indulgente consigo mismo), pero Bickford comenta que varios críticos elogiaron la extraordinaria animación.
En 1980, la colaboración de Bickford con Zappa llegó a su fin y cada uno siguió su camino. Por contrato, Zappa se quedó con la animación creada bajo las condiciones de empleo de Bruce, así como con las películas que Bickford había usado inicialmente como demos para conseguir el empleo, filmes que Bruce había hecho años antes de conocer aZappa. Más tarde, Zappa editó, arregló y estrenó sus animaciones en compilaciones tituladas The Dub Room Special (1982) y The Amazing Mr. Bickford (1990).
El increíble Sr. Bickford abandonó Los Ángeles en una furgoneta llena de figuras de plastilina y nada más. “Más tarde, tuve que comprar copias de los videos para usarlas como demos,”afirma.

bruce Bickford interview pt. 5

Al volver a Seattle en 1980, Bickford se volvió a instalar en los sótanos de la casa de su madre (sus padres se habían divorciado) y empezó de cero. Desde entonces, los trabajos remunerados de Bickford han sido como mínimo poco frecuentes. Ha realizado la animación de un par de videos musicales, de un anuncio publicitario para un centro de atención sanitaria, una secuencia en plastilina incorporada en un musical navideño para niños, la secuencia principal de un largometraje por estrenar titulado Feats of Clay, el identificador de un canal para MTV y los efectos preliminares de una película titulada Ecotopia.
En todos los casos, se le pagaron unas cantidades muy por debajo de su talento y esfuerzo. Económicamente apoyado por sus padres, el trabajo personal de Bickford ha florecido.
En 1988, con la ayuda de Janice Findley, finalizó Prometheus’ Garden, una película de animación en plastilina de 28 minutos, para la que necesitó ocho años de dedicación. Inspirado por el mito griego de la creación, la película empieza con una versión en plastilina de Bickford entrando en un jardín “donde la arcilla y la tierra están vivas. Él crea figuras de arcilla y les da vida con un suspiro”, dice. “Entonces, esa gente puede crear más gente y darles vida. Pronto empiezan a salir del suelo como brotes o algo así.”
Para esta secuencia de la película, Bickford empleó lo que debe ser la serie de sustitución más complicada en la historia del stop-motion. En la película, hay ocho tomas consecutivas, de una duración de un máximo de un segundo o dos cada una, y donde aparece un número cada vez mayor de figuras de plastilina como brotes que crecen del suelo del jardín. Para conseguir este efecto, Bickford esculpió cada estado de todas las figuras, desde pequeños montones de plastilina hasta personas bien formadas. Para cada una de estas tomas, creó 24 o más cuadros en miniatura que incluían desde 16 hasta más de cien figuras con aumentos de tamaño graduales.
Cuando le preguntamos cuantos meses puede haber tardado en realizar esta obra, Bickford responde: “Me importa un carajo cuanto tiempo tarde. Estas cosas llevan tiempo.”

Muchas de las características distintivas de sus películas han sido posibles gracias a la paciencia (u obsesión) de Bickford para soportar las interminables horas de duro trabajo que se necesitan para plasmar esta visión en la pantalla. Cuando le preguntamos si desea hacer este trabajo o si debe hacerlo, Bickford pone los ojos en blanco. “Mira”, dice,“algunas de estas preguntas son simplemente enervantes. Es como si le preguntaras a un tipo conectado a un respirador de hospital ‘¿Tienes que respirar o es una obligación?”
La obsesión para crear puede ser obvia, pero la motivación para finalizar las películas todavía es un misterio. Prometheus’ Garden es la única película de Bickford posterior a la etapa Zappa que finaliza con una banda sonora, en gran medida gracias al incansable esfuerzo de Findley. El resto es una gran obra en progreso y en forma de negativos no editados, almacenados en latas o pasados a video.
Que una obra tan significativa, que incluye 45 minutos de animación en plastilina y más de ocho mil fotogramas de animación de líneas, no pueda ser vista por el público es un hecho que frustra a sus fans y que el mismo Bickford lamenta. Insiste en que está demasiado ocupado dibujando, esculpiendo, escribiendo o animando nuevo material para que se le moleste con tan mundanas tareas,como son la edición o la coordinación con un laboratorio de cine para terminar su obra.
No obstante, uno sospecha que esta dilación es sólo una manifestación más de su rechazo a encontrar una narración. En cualquier caso, es una auténtica pena.

Bruce Bickford's BEATNIK POET (excerpt)

Completamente autodidacta, Bruce aprendió su arte experimentando y casi por error. Con pocos conocimientos y sin importarle mucho como se hacen las cosas en un estudio de animación tradicional, ha ideado soluciones baratas y llenas de sentido común para los problemas que presenta el desalentador arte de la animación. Lo recicla todo, desde cajas de cartón hasta el algodón de las cajas de aspirinas. Su estudio de stop-motion está amontonado en una pequeña habitación en el sótano de su casa. Excepto por su Bolex de 16 mm. y por un contador de la luz, todo lo que hay en el estudio parece haber sido fabricado, fruto de la improvisación, con materiales recuperados.
La mesa de madera contrachapada está iluminada por una serie de lámparas fotográficas elevadas y conectadas a una base casera de enchufes múltiples. La luz se refleja en una lámina de papel de aluminio y se modifica con una red de portafiltros hechos con hilo de nylon atado a unos marcos de madera muy finos.
Todo este montaje parece que tenga que arder en cualquier momento con sólo darle a un enchufe. Pero no ocurre. De hecho, funciona perfectamente y cuesta muy poco dinero.
Mientras está realizando su animación, Bickford se sienta en una posición de semilotus sobre lo que parece ser un ancho taburete de madera. Cuando lo observas más detenidamente te das cuenta que el taburete está hecho de varias capas de cartón pegadas entre sí, dando como resultado un mueble robusto. El cartón, después de la plastilina, es el segundo material en la jerarquía de materiales útiles en el estudio de Bickford. Cuando le preguntamos de donde saca todo este cartón, abre los ojos y nos da una breve e impasible explicación: “¡Puedes conseguir cartón donde quieras!”
Una visita al garaje de Bickford es infalible para dejar a los invitados sin habla. Incluso antes de abrirse la puerta de madera de color gris, un fuerte olor a plastilina te golpea la nariz. Un espacio suficientemente grande para albergar cuatro coches de gran tamaño se convierte en un laberinto de armarios hechos de cartón (como no), cubiertos con celofán y marcados con etiquetas como “hippies, científicos, hombres de negocios” o “animales, monstruos, partes del cuerpo”.

Dentro de estos armarios hay miles de complicados modelos de plastilina, producto de una vida dedicada a la modelación. El garaje es como un museo en miniatura cerrado al público. Es muy inspirador, casi hasta el punto de dar miedo. Todos los animadores que usan la técnica del stop-motion están limitados por la gravedad. Hacer que un muñeco camine con agilidad o que se mueva por el aire es toda una proeza ilusoria. En este sentido, Bickford intenta no usar armaduras metálicas, puesto que éstas empujan el muñeco hacia abajo. Tampoco usa ningún tipo de atadura para clavar los personajes al suelo del escenario porque los tornillos para apretar o aflojar ralentizarían su progreso. Cuando uno está animando muchas cosas a la vez, el tiempo apremia.
Experimentó hasta que de manera accidental dio con el método perfecto para crear la ilusión de la suspensión en el aire. “Un día estaba mirando un hilo dental cuando me di cuenta de que una parte del hilo estaba chamuscada. No se trataba de una sola hebra, sino de un montón de pequeñas hebras atadas entre sí”, dice. “Lo fui deshaciendo hasta que conseguí una sola hebra. Era como una telaraña. Era invisible, pero fuerte”.
Así, pues, con una simple fibra de hilo dental y un estante de cartón montado sobre el escenario, movía los objetos en el aire, fotograma a fotograma, sin mostrar a la cámara la ilusión de la suspensión.

Hasta principios de los noventa, los animadores que trabajaban con la técnica del stop-motion y filmaban imágenes en movimiento usaban una tecnología de captura de video para registrar los aumentos de movimiento previos mientras realizaban la toma. Si nembargo, Bickford nunca ha tenido suficiente presupuesto para usar este equipo. A diferencia de la mayoría de los antiguos animadores de stop-motion, él nunca ha utilizado un gramil de trazar. Tener que registrar simultáneamente donde han estado y donde van una docena o más de muñecos y objetos (dividido en aumentos de 24 fotogramas porsegundo) es alucinante.
Para la persona de la calle, es como si uno jugara varias partidas de ajedrez al mismo tiempo con los ojos vendados. Uno de los atractivos de la animación por ordenador es el nivel de control que da al animador sobre el movimiento y la imagen. Los animadores y los especialistas en imágenes generadas por ordenador pueden simular la estela de los objetos en movimiento y los detalles superficiales digitalmente para conseguir una realidad cinemática virtualmente imposible de distinguir de una escena filmada en directo. Para muchos, esta tarea se considera el objetivo natural a la que debería aspirar la animación en tres dimensiones.
Sin embargo, para Bickford las imperfecciones de la calidad del movimiento estroboscópico del stop-motion y los límites del detalle superficial creados por el material y la escala del muñeco son precisamente el atractivo de este medio.
“La animación no debería parecer real porque, si lo parece, le están dando demasiado poder a la ilusión”, afirma. “No dejas fluir la imaginación.”

En una película de Bickford la imaginación fluye enormemente. Los paisajes surrealistas de Bickford y las formas morfológicas retan la capacidad de la mente para darle sentido a todo. En su obsesión por eliminar el tiempo, vikingos, conquistadores españoles, gladiadores y mercenarios de la época de la Guerra de Vietnam ocupan el mismo plano. La violencia explícita de su salvaje mundo animado, palpitando con la brutalidad de la naturaleza, parece carecer de humanidad alguna. Para Bickford, la humanidad se encuentra en la misma técnica del stop-motion. “Cada fallo técnico, cada imperfección lo hace más humano. Te dice que alguien ha estado allí durante todo el proceso.”
Con unos dedos tan finos y delicados como los de un duende, Bickford modela la plastilina como si fuera una extensión de su propio cuerpo. “Algunos movimientos que haces, están ahí mismo. Están en tus propios músculos. Están en tus nervios. Ni siquiera tienes que depender de tu cerebro”, dice. “Entras en contacto con lo que vas a hacer y lo haces.”

Durante décadas, ha perfeccionado una cadena de montaje como método de producción (porque él nunca hace una sola copia de nada). Si está haciendo figuras de plastilina, primero hace los cuerpos. Cinco, diez, cincuenta, “hasta que sale bien”. Sólo Bickford puede diferenciar la copia perfecta de las demás. Tras crear los cuerpos, miembro a miembro, le da forma al mismo número de cabezas a escala, dejando las cuencas de los ojos vacías. El proceso cíclico se repite al añadir el pelo, los globos oculares, el iris y el toque final de Bickford: la línea de los ojos, es decir un hilillo de plastilina negra que coloca cuidadosamente alrededor de los ojos con la ayuda de una lupa y una herramienta muy fina. “Acentúa los ojos. Hace que resalten,” dice. “Van Gogh dijo: ‘Sublima lo ordinario y acentúa lo esencial.’ Yo digo: En el detalle se encuentra el parecido a la realidad.”

Baby Snakes (1979) ' Bruce Bickford interview ' Frank Zappa

En la metodología de Bickford, escala, detalle y perspectiva están estrechamente ligados. La apariencia de la cámara a distancia del sujeto a menudo se sustituye por varios niveles de detalle superficial. La escala también influye en la calidad del movimiento. Cuanto más pequeña es la figura, más insignificantes deben ser los aumentos del movimiento para crear un movimiento fluido a cierto nivel.
No obstante, Bickford trabaja a pequeña escala. Una escala minúscula. Una batalla típica entre una docena de personajes se puede desarrollar en una escena del tamaño de un libro grande.Otras escenas son mucho más pequeñas. Bickford saca una bandeja de cartón llena de diminutos personajes de plastilina de un armario del garaje. “Éstos los hice en la década de los setenta”, dice, “cuando tenía la vista mejor”. El cuerpo de cada personaje mide menos de un centímetro. Sus cabezas son diminutas. Con la ayuda de una lupa, se puede ver que todas las cabezas tienen nariz, boca y ojos con su iris y, efectivamente, su línea de los ojos. “Cuanto más pequeños, mejor. Cuando haces las cosas pequeñas, ahorras espacio, ahorras energía, ahorras de todo. Principalmente energía”, dice.
“Si trabajas para Hollywood, el espacio no es importante. Tienen todo el que quieren. Pero, la energía sí que cuenta.”
Y continúa diciendo: “Un aspecto subconsciente de la animación es que se trata de energía concentrada. Es la energía que se colocó en cada fotograma. La cámara capta la luz y ahí está”.

De alguna manera, ya sea diseñado de manera consciente o no, el universo animado de Bickford refleja las propiedades del universo mayor que lo contiene, con propiedades como la interacción de la masa con la energía. Todas las cosas que aparecen en una película de Bickford están vivas o tienen posibilidades de estarlo en cualquier momento.
Asimismo, su esperanza de vida media es de unos cinco segundos. Los ciclos de nacimiento y muerte se aceleran como en una película en que el tiempo pasa rápidamente. La relatividad de la escala también se exagera en la cosmología de Bickford. Lo que en un momento dado es enorme, se hace minúsculo al poco rato. Y también pasa lo contrario.
“A veces hay un macrocosmos y un microcosmos”, dice, “y si eres disléxico como yo, no puedes ver la diferencia.” La escala también es clave en la jerarquía del orden moral del universo de Bickford. Escena tras escena, salen hombrecitos quienes, intimidados por amenazas mayores, al final salen victoriosos gracias a su rapidez, agudeza o a sus poderes mágicos. Todo esto nos devuelve a Peter Pan, a la infancia y a la pregunta del Dr. Frierson: “¿Qué es esto?”

Las películas de Bickford nos pueden devolver a la infancia, cuando todo es nuevo y donde estamos sometidos a un estado de sobrecogimiento divertido, como si nos preguntáramos todo el tiempo “¿Qué es esto?” Una brizna de hierba, un árbol, una espada, una cara siniestra sonriendo, son todo maravillas con un gran misterio. Las cosas aparecen y desaparecen. Otras cosas suceden inexplicablemente. El peligro y el esplendor están siempre al acecho. Todo es bonito y terrorífico al mismo tiempo. Debe ser una cuestión de semántica, pero el autor está de acuerdo con Frank Zappa. Bruce Bickford es un genio.

Este artículo fue publicado por Brett Ingram en el número 4 de la revista Animacmagazine. (via)

Camila Carrossine

2009-01-25T23:49:00.003+01:00

"Maria Flor"

Animación realizada por Camila Carrossine seleccionada en diversos festivales de animación, incluido el animamundi 2008.

Blog de Camila

Franck Dion

2009-01-11T16:43:00.001+01:00

Born in Versailles, Franck Dion makes good use of his talent in multiple areas. He takes lessons to become an actor. At the same time, he becomes passionate about cinema and learns by himself to sculpt, to draw and to paint. He works with editors and magazines, designs theatre sceneries and animations for documentary films. He works as a director, writer and animator, in 2003, on the "Phantom Inventory" animation film, his first short film "Phantom Inventory" has won numerous awards.(via)

"Inventaire Fantome" (2004)

"Monsieur Cok" (2007)

WEB de Monsieur Cok

WEB de Dion

Dmitry Palagin

2009-01-10T14:33:00.002+01:00

Filmografía en ANIMATOR.RU

"THE HEAVENLY SWINGS" (2008)

"ROAD COMPLAINTS" (2006)1/2

"ROAD COMPLAINTS" (2006)2/2

"A TALE WITH AN ANGEL" (2004) 1/2

"A TALE WITH AN ANGEL" (2004) 2/2

Sergey Gordeev

2009-01-10T12:37:00.007+01:00

Nació en 1970 en Moscú. Ha trabajado para el estudio Varga (Budapest) como director, director de animación y artista layout en la serie Mr. Bean; y para el estudio Folimage (Valence, Francia) como director de animación del largometraje La Prophetie des Grenouilles. Es el director de animación de la serie Kipper, y el director de películas como Pilot Brothers Are Fond of Hunting, A Fox Orphan, Sheidulla The Lazy Man y A Big Cock (del proyecto Mount of Gems) entre otras.(via)

"BOL''SHOJ PETUH" (THE BIG COCK) 2006 Film from series «MOUNTAIN OF GEMS» 1/2

"BOL''SHOJ PETUH" (THE BIG COCK) 2006 Film from series «MOUNTAIN OF GEMS» 2/2

“Poor Yorick” (El pobre Yorick) (2007)

"A Fox Orphan" (2004)Film from series «MOUNTAIN OF GEMS» 1/2

"A Fox Orphan" (2004)Film from series «MOUNTAIN OF GEMS» 2/2

"LAZY SHEIDULLA" Film from series «MOUNTAIN OF GEMS» (2004)

ANIMATOR.RU
Portafolio de Gordeev.

Arthur Cox

2009-01-09T18:10:00.013+01:00

ArthurCox is a Bristol based animation company that was born in 2001 when Sarah Cox met Sally Arthur and they set up a studio in a Clerkenwell cupboard. It was here that they produced the Bafta nominated Heavy Pockets, and the award winning AIR scheme film ‘Perfect’, as well as many commercials for the French TV market.
After the move to Bristol in 2004 they were joined by directors Matthew Walker, Felix Massie and Emma Lazenby and they continue to produce award winning films; ‘John and Karen’, ‘Don’t Let It All Unravel’ and ‘A-Z’.

Se pueden ver diversos fragmentos de ArthurCox en Youtube y en su WEB.

Sarah Cox studied Animation at the Royal College of Art graduating in 1992. She has since worked as a director of short films and commercials. This includes most notably REEL TO REEL in 1997 (Winner, Best film under 10 mins British Animation Awards) and PLAIN PLEASURES commissioned by Channel 4 and completed in 2001, winner of a Silver Dove at Leipzig.

PLAIN PLEASURES 2001

Her latest film is a 6 minute commission from S4C: HEAVY POCKETS which was nominated for the Short Film BAFTA 2005 and has been screened in festivals worldwide including RUSHES, Onedotzero, Message to Man, MIAF, LIAF, Tricky Women, Clermont Ferrand and Morbegno.

HEAVY POCKETS 2004

She joined Picasso PIctures in 1994 and her directing credits include campaigns for Boots No7 and Avaya Communications as well as individual commercials for Sanatogen, Benadryl and Virgin Megastores. A year was spent as Head of 2D Animation at Savannah College of Art and Design, Georgia (1999 - 2000). Further teaching followed at the National Film and TV School UK (2001 - 2003) Exeter University, Bristol University and Newport. She is external examiner for London Met Animation MA and the National School of Film and Television Animation Direction course. Sarah left Picasso Pictures to set up Arthur Cox with Sally Arthur in 2002. Using a combination of live action and animation they have directed sequences for Channel 4 TV special WILDE STORIES as well as commercials for Coca Cola, Dasani mineral water, Nestea, Kelloggs Wheats and All-Bran. She directed Don't let it all Unravel a short knitted film about global warming for S.O.S./Live Earth 07 which was produced through Aardman.

John and Karen produced by Sarah Cox and directed by Matthew Walker has won several awards including Best Animation for Adults at Annecy 2007. She is currently producing the animation for a BBC Children's Newsround Special. Sarah is currently directing a short film Take Time - a short film about Bristol using archive footage, as well as developing ArthurCox's series Where's my Dinner? - a 52x7 adventure show with co-director Sally Arthur.(via)

Dear Nelson (2001)
3 Ways to Go (1997)

"A TIME AND A TIME" (2008) Sarah Cox

Sally Arthur

Since 2002 Sally has co-directed commercials, graphic sequences, idents and short films at Arthur Cox – a company she started with Sarah Cox – starting with Wilde Stories in 2002 and including ads for Oscillo, Dasani, Nestea, All bran and more – first in Clerkenwell Workshops and now in Bristol.

"Dear dairy" 2000

Arthur Cox are currently developing a series for children called Where’s my Dinner? and recently produced 3 short films.

"Perfect" 2004

Sally directed Perfect (fragmento 1) (fragmento 2) in 2004 – produced by Blackwatch for MESH / Channel 4 – about a suburban 70’ couple and their deteriorating possessions. It has been screened in many festivals including ANIMAC, Tricky Women, LIAF, MIAF, Anima Mundi, Animated Encounters, RESFEST. (via)

"A-Z" 2007 Sally Arthur
Fragmento de A-Z
Fragmento de A-Z en la bobina de los nominados al BAF 2008.

"A to Z" 2007

Michel Gondry

2008-12-04T15:54:00.003+01:00

Michel Gondry (Versalles, Francia, 8 de mayo de 1963) es un director de cine, anuncios, y vídeos musicales, destacado por su innovador estilo visual y su manipulación de la puesta en escena.

Su carrera como realizador comenzó con la dirección de vídeos musicales para la banda de rock francesa Oui Oui, de la cual era también batería. El estilo de sus vídeos llamó la atención de la cantante Björk, quien le pidió dirigir el vídeo para su canción Human Behavior. Esta colaboración se extendería bastante tiempo, con Gondry dirigiendo un total de seis vídeos musicales para Björk. Otros artistas con quien Gondry ha colaborado en más de una ocasión incluyen a The White Stripes, Radiohead, The Chemical Brothers y Kylie Minogue. Gondry también ha creado numerosos comerciales de televisión, siendo uno de sus más famosos el realizado para Levi's, con el que ganó el Lion D'or en el Festival de Cine de Cannes de 1994. Fue pionero en la utilización de la técnica conocida como «bullet time», utilizada posteriormente en las cintas de la saga The Matrix, notablemente en el vídeo Like A Rolling Stone en la versión que la banda británica Rolling Stones hicieron del tema de Bob Dylan y en un comercial de 1998 para la marca de vodka Smirnoff.

Gondry suele ser citado, junto con los directores Spike Jonze y David Fincher, como representante de la influencia de los directores de vídeo musicales en la cinematografía mundial. "Eternal sunshine of the spotless mind (que es también su segunda colaboración con el guionista Charlie Kaufman) fue estrenada en el año 2004 y recibió numerosas críticas entusiastas. Eternal sunshine of the spotless mind utiliza muchas de las técnicas de montado de escenarios, uso de perspectiva y escasos efectos por computadora, sumado a largas tomas y un tratamiento pictórico de la imagen, herramientas con las que Gondry ha experimentado en sus vídeos musicales.

Su hermano Olivier Gondry también es un director de anuncios de televisión y vídeos musicales.(via)

OUI OUI "Les Cailloux"

The White Stripes - Fell In Love With A Girl

Steriogram - Walkie Talkie Man

Michael Gondry + HP. Ad

L'Histoire de l'univers

WEB de Gondry
IMDB

--ANIMACIÓN HÚNGARA

2008-12-01T17:56:00.004+01:00

La edad de oro de la animación húngara por jozko

En los años 70-80 se realizaron en Hungría numerosas series y películas de dibujos animados o marionetas que han quedado en el recuerdo de los húngaros y de los habitantes de los antiguos países comunistas (o de otros que lo siguen siendo, por ejemplo Cuba). La caída del comunismo se llevó por delante parte de los estudios y la tradición. En la actualidad, quitando algún intento aislado (como Maestro o El barrio 8), no hay nada parecido.

La producción dependía de los estudios Pannónia (Pannónia filmstúdió), creados en 1957. Ya en los años 60, gracias a la labor de Gyula Macskássy, Tibor Csermák, Attila Dargay, István Imre o György Varnai, surgieron algunas obras importantes que tuvieron reconocimiento internacional. En 1963 se inició la serie de marionetas Uva Pasa (Mazsola, escrita por la famosa escritora infantil Ágnes Bálint). En 1964 comenzó la serie Gusztav, de József Nepp, Attila Dargay y Marcell Jankovics, que fue vista en más de 70 países. La serie tuvo tal éxito que se estuvieron haciendo nuevos capítulos hasta finales de los años 70, alcanzándose los 120 capítulos.

Uva Pasa - Mazsola és Tádé 1970-71

"Gusztáv párt választ - Gustavus wants to marry" de József Nepp, Attila Dargay y Marcell Jankovics 1964

En 1968 crean otra de las grandes series, La familia Mézga (Mézga család), de József Nepp y Béla Ternovszki, famosa incluso hoy en día. Cuenta la historia de una familia normal húngara, que se ve inmersa en fantásticas aventuras - por ejemplo viajes en el tiempo- por culpa del más pequeño, Aladár. La última parte de la serie se hizo en 1978, luego en el 2005 se intentó reanudar la producción de nuevos capítulos, pero por falta de dinero sólo se pudo hacer uno. Le siguieron otras series también de gran éxito como Cuentos Populares Húngaros (Magyar Népmesék, desde 1977) de Jankovics, Frakk, el terror de los gatos (Frakk, a macskák réme) de Macskássy, basada en una novela de Ágnes Bálint, o Por favor, el siguiente (también conocida con el nombre de Dr. Bubó) de József Nepp.

"Mézga család - Üzenet a jövőből" (1968) de József Nepp y Béla Ternovszki

"Frakk a macskák réme - A művelt eb" de Macskássy

"dr. Bubo Bubo" de József Nepp

Mención aparte merecen dos producciones: la serie de marionetas Süsü, el dragón (Süsü, a sárkány, 1977, de Attila Szabó, basada en una novela de uno de los clásicos de la literatura infantil, István Csukás). Es la historia de un dragón bueno y simpático.

"Süsü a sárkány - Kóbor Királyfi Dala" de Attila Szabó

Y El conejo de orejas a cuadros (A kockás fülű nyúl), de Zsolt Richly, serie producida entre 1975 y 78. El protagonista es un simpático conejo que puede volar con sus grandes orejas a cuadros. La serie ha tenido gran éxito en muchos países.

"El conejo de orejas a cuadros" (A kockás fülű nyúl) de Zsolt Richly

La primera película larga de dibujos animados fue János el Valiente (János Vitéz, 1973) de Jankovics, sobre el famoso poema de Sándor Petöfi. La película tuvo gran éxito y se estrenó incluso en 20 países.

"Janos Vitez" parte 1 (el resto en youtube) de Jankovics

Le siguió una película de Attila Dargay, Matyi Lúdas (1973), que fue vista por el 20% de la población de Hungría (!).

En los años 70, la empresa se amplía, abren estudios en ciudades de provincias y continúan produciendo series y películas de éxito. Se incorporan nuevos directores.

En los años 80 la producción de series continua en auge, llegándose a las cinco anuales, destacando por ejemplo Las aventuras de la ardilla Misi (Misi Mókus kalandjai, de Ottó Foky), Araña de Agua-Araña fantástica (Vízipók-Csodapók, de Szabolcs Szabó y József Haui) y especialmente Los cuentos de Pom-pom (Pom-pom meséi, de Attila Dargay, basados en una novela de István Csukás).

"Matyi Lúdas" (1973) de Attila Dargay

"Misi mókus kalandjai" de Ottó Foky

"Vízipók - Miért ugrál a vízibolha?" de Szabolcs Szabó y József Haui

"Pom-Pom meséi - Szegény Gombóc Artur" de Attila Dargay

También destaca un cortometraje de dibujos animados, La mosca (1981, A légy) de Ferenc Rófusz, que consiguió un Oscar ese mismo año.

A Légy - La mosca [Ferenc Rofusz 1981]

No descuidan tampoco la producción de películas largas. La más destacada es sin duda Vuk, un zorrito muy astuto (Vuk, 1981) de Attila Dargay, basada en una novela clásica juvenil de István Fekete. Es la segunda película húngara más vista en toda la historia. Cuenta la historia de Vuk, un zorrito que se queda huérfano despues de que unos cazadores maten a su familia. La película fue habitual en la sesión matinal de los cines españoles durante un tiempo. Junto a ella destacan: Atrapagatos (1986, Macskafogó, de Béla Ternovszki), Vili el gorrión (Vili, a veréb, 1989, de József Gémes), El capitán del bosque (1987, Az erdő kapitánya, de Dargay) o El dragón y la sandalia (1989, A sárkány és a papucs, de Tibor Hernádi).

"Vuk, un zorrito muy astuto" (Vuk, 1981) de Attila Dargay

"Atrapagatos" (1986, Macskafogó) de Béla Ternovszki

Fuentes usadas para escribir el artículo:

- Estudios Pannónia: http://www.mediaguide.hu/pannoniafilm/- Diferentes artículos de la Wikipedia húngara

Escrito por Jozko

Thomas Hicks

2008-12-01T17:14:00.002+01:00

"I graduated from Kingston University in July 2004 with a degree in Illustration. During my degree I specialised in Animation, working with drawn animation processes and live action. After I graduated, I was a Runner at Framestore-CFC in Soho, London for a few months and have more recently been working as a Junior Digital Lab Operator at Framestore-CFC doing restoration work on film projects such as ‘Fateless’, ‘Sahara’ and ‘The Constant Gardener’. In February I won a commission to make a music video for Warp Records as part of a competition run in Creative Review Magazine. It was for one of their new artists called ‘Gravenhurst’ for a track called ‘I turn my face to the forest floor’. I have just finished a new video and artwork for Warp Records for Gravenhurst once again and just finished the artwork for their new album – 'Fires in Distant Buildings' – out on October 24th 2005. I am currently working as a freelance – doing illustration and animation work. I have been 'festival hopping' with my film for the last few months which I have really enjoyed."(via)

Gravenhurst - "I turn my face to the forest floor" más info

GravenHurst - "The Velvet Cell" (el video para descargar)

Thomas Hicks Animation Montage 2007

DNTEL - "Rock My Bo" Directed By Jenny Coburn, Thomas Hicks and Will Perrens. 2007

Animation - Thomas Hicks, Music - Aaron Lampert.

John Robertson

2008-11-30T20:48:00.003+01:00

Flea Circus was founded in 1994, specializing in 2D/3D design and animation for commercials.

New Zealand-born animator/artist John Robertson is a one-flea circus, working from his base in London. His commercial for Gordon's Gin won a Bronze Lion at Cannes in 2005.

Rexona: Paper Doll

Toyota Prius - Commercial

Fragmentos de sus obras en curiouspictures.com

Osbert Parker

2008-11-30T19:10:00.011+01:00

Three time British Academy Award Nominated director Osbert Parker, is perhaps best-known for his signature style of using cut-out animation mixed with live action to create one-of-a-kind imaginary landscapes within commercials and short films.

For the past three years Parker has been experimenting and crafting two short films that are receiving great acclaim on the film festival circuit. “Film Noir” was nominated for best short animated film by the British Academy of Film and Television Arts in 2006 and also was nominated for the Palme d'Or at the Cannes Film Festival. It was included at the Telluride Film Festival as well.

"Film Noir" screened in competition at Slamdance this year whilst his newest short film, “Yours Truly,” (aka "Head over Heels") is screened in competition at Sundance 2008. "Yours Truly" won best animated film at last years Aspen Short Film Festival, the gold plaque at the Chicago Film Festival, best animated short at both Melbourne and St. Louis before being nominated for his third BAFTA in 2008.

Parker is a freelance director who has worked at Quentin Tarantino’s production company A Band Apart as their first commercial director in 1995 and as Steve Barron’s second unit director on Hallmark’s TV feature length ARABIAN NIGHTS. In 2005 he was selected by writer/director Richard Curtis as one of the directors to create a special animated MAKE POVERTY HISTORY film.

Parker’s commercial credits include such clients as Coca-Cola, Nike, Budweiser, The World Wildlife Fund and MTV.

He is currently creating the third short in his “Noir” trilogy and developing a mixed media feature
while he completes 3 new NPower commercials due for release later this year in April 2008. (via)

Osbert Parker interview Level 4 Animation Bir Martin Tierney

Osbert Parker: television commercials (via)

One of the most creative exponents of cut-out animation, Osbert Parker uses a blend of this and live action video in his films and, as in the four examples today, television commercials. A graduate of Middlesex Polytechnic Osbert is perhaps best known for his award winning shorts Film Noir (2005) and Yours Truly (2006), the latter being one I intend to feature shortly in the next few days. His commercial work shows all his often dazzling array of live action harnessed to different animation technologies. Physiology (for Kinkos) has an array of landscapes, notably the litter strewn skies above huge towering filing cabinets and a guy with a rubber neck, not to mention marching men with raincoats, hats and umbrellas striding out on a paper document; then we embark on a voyage into an eye and a desert before we hit paydirt and enter the office of Kinko's who solve all mankind's filing problems. It does what every commercial should do - grab attention and then the sales. Blackboard (MTV) has us being exhorted to change what we do and say, by two blackboards and a whiteboard in a mix of computerised and stop-motion work. Shoelace Soccer (NIKE) and School House (Coca Cola) similarly succeed in a crowded market place in securing attention for the product. Just for fun I've had my classes working out how many techniques Osbert has used. Goodness knows what they will make of his longer films. In a studio with a fine array of talent, his employer Curious Pictures has a director producing cutting edge, distinctive work.

Review of Osbert Parker's shorts Film Noir & Yours Truly.

FRagmentos de sus obras en curiouspictures.com

WEB de Parker

Tatsuo Sato

2008-11-30T16:20:00.003+01:00

Cat soup (nekojiru-sou) part 1

Cat soup (nekojiru-sou) part 2

Cat soup (nekojiru-sou) part 3

"Nekojiru-So" is based on the original story Nekojiru; I made free use, however, of images that came to mind, so that the animation turned into a kind of collage. This infantile approach is no doubt largely responsible for the strangeness of what seems to be a coherent story line, but isn't. Digitalization has made it possible for small numbers of people to employ original processes to produce commercial animation. The TV animation industry abounds with "cut-corner" techniques; you only need to change that approach just slightly to come up with films like "Nekojiru-So". No matter what processes are used, the spirit of animation-making pictures move and bringing things to life-remains the same.

"Nekojiru-So" appears to be a surreal, dreamlike story of two cute little kittens, but actually the story is fragmented. Concealed in its darkly hallucinatory images and startling scenes is a scathing satire on modern medicine, weather management, strange foods, global warming, and more. Scenes like the one in which ocean waves and whales dry up and harden are a means of artistic expression that is the unique property of animation. "Nekojiru-So" takes the viewer on a weird, mindbending voyage that is entirely new to animated films. (via)

Born on July 7, 1964 in Kanagawa Prefecture, Japan. After graduating from Waseda University School of Law, Sato worked as an animator at Asia-do, an animation company. Later he worked as a director on Chibi Maruko Chan ("Little Maruko"), Nintama Rantaro ("Rantaro, Ninja in the Making"), and Akazukin ChaCha ("Red Riding Hood ChaCha").

Chibimaruko plays yoyo (fragmento)

Ninja Boy rantaro capitulo 1 parte 1

Akazukin Chacha: Young Dorothy

In 1995 He commanded widespread attention when he directed his first original TV animation for NHK, Tobe! Isami ("Fly! Isami").

Tobe! Isami capitulo 1

Nadesico ep 1 part 1

In 1996, Sato directed Kido Senkan Nadeshiko ("Mobile Warship Nadeshiko"), which became a hit and catapulted him to fame in the world of animation. He did direction, storyboards, and screenplay for the tremendously popular full-length animated film Nadeshiko the Movie: Prince of Darkness, which was released in 1998. The film and Sato won the 38th Japan SF Convention Seiun (Japanese Hugo) Award, the 21st Animage Anime Gran Prix Grand Prize and prizes in four other divisions, and the 1st SF Online Award in the Movie Division. Sato writes a serial column, Watashi-Ryu Gyokai E-Konte ("Doing Commercial Storyboards My Way") in the monthly publication Hoso Bunka ("Broadcast Culture"). He is also at work on the TV animation series Gakuen Senki Muryo ("Muryo and the Campus Wars"), which began airing on the NHK BS-2 channel in May 2001. (via)

Entrevista a Tatsuo Sato (via)

Welcome back for another great interview! This one was with Tatsuo Sato, a Jack of all Trades in the anime industry, but overall he is considered an animation director. He has been involved in many quality productions including Akazukin Cha Cha, Kodomo no Omocha, Kare Kano, Di Gi Karat, Jubei chan, Ninja Scroll the TV series, and his latest work, Uchuu no Stellvia. He has acted in many different roles including directing, script writing, and editing. For the Nadesico TV series and the Movie-Prince of Darkness he was director, script writer, and storyboardist! So, what does such an accomplished anime veteran think? Keep reading to find out in this exclusive interview!

DVJ- First, welcome! I want to thank you for meeting with me today. Sato san, You were known as a Jack of all Trades in the anime industry. Is there any particular aspect you feel you specialize in?

Sato- My specialty would be comedy animation

DVJ- What about the various jobs in the animation industry?

Sato- I started out as a director, but my favorite thing to do is storyboarding.

DVJ- When was it you decided you wanted your life to be anime?

Sato- When I was about to graduate college I wanted to pursue my career in the film industry, but because of my major being Political Science I didn't have any connection to the film industry and I thought the anime industry would be the easiest way to get into the business.

DVJ- Did you have a passion for anime prior to your college education?

Sato- I wouldn't say anime in particular, but I have always been interested in the film genre including manga.

DVJ-How did you get the job of assistant director for Kankarasanshin?

Sato- I started out working as an animator, but because I wasn't fast at making the animation I thought maybe there was a way to earn money quicker. Unfortunately the studio did not have any positions open, but I found out that there is a position called assistant director who gets paid a fixed salary. So, I told the people at the studio that I wanted to be one, so that was how I got the job.

DVJ- You've done so much work as director, storyboardist, and editor for the Nadesico TV show and Movie. How much time did you have to finish the show?

Sato- The actual production took a year for the full TV series and another year for the movie, but because Nadesico started as a completely different project they weren't going to call the project the Nadesico project, so because of the changes it took an extra 6 months for development. So, that was prior to the TV series production. So from development to completion the TV series took a year and a half and the movie took a year.

DVJ-What was your favorite aspect of it?

Sato- The most interesting point or what I really liked about making the project was at the time I already had several projects prior to Nadesico where I worked as director, but for this project I was doing much more. I had a lot of input on the package designs and the concepts of the LD covers and DVD covers in addition to some creative to creating catch or marketing phrases for promotion of the project.

DVJ- Earlier you said Nadesico was actually going to be something completely different. Originally what was it supposed to be?

Sato- So initially I don't recall what planet it took place on, but instead of taking place on Earth this other project took place on one planet and the were completely different. They were not anything similar to the Nadesico characters. it was mainly the female military characters that the former project was all about. I just can't remember the name....To tell you the truth there was actual another project before this one and that was called "Time Jumper." This is actually a story about a high school girl who unites with a time machine.

DVJ- When transitioning from manga to anime how do you make the decisions as to what is changed and what remains the same?

Sato- Because I have never directed an anime based off a manga (and the director is the one who makes those decisions) I wouldn't know, but I have actually done storyboarding of an anime that was based on a manga, and when I do that I listen to the director's comments and I also listen to the original creator's comments and I find differences between each and judge which is better and which is worse. Then I go ahead on my own and decide which I want to incorporate.

DVJ- Are the manga creators involved in this process? Do they also get to decide what stays and what is changed?

Sato- Well, in terms of storyboarding I don't get to work closely with the creator, but in cases where I meet the original creator at like a party and get to know that person well then I would know what that person is thinking. So, rather than listening to the director I would incorporate a lot of what the original creators have in mind.

DVJ- Going back to Nadesico, why was the tone of the Nadesico movie so much darker than the TV series and in conjunction with that, why was the movie left open-ended? Are you planning on doing anything else with Nadesico?

Sato- To your first question about why the Nadesico Movie was so much darker, the reason why the movie was much darker than the TV series was because we really wanted to make the quality of the movie a very high one, and if you try to make the quality high then it automatically becomes more serious. Thats why it seems darker than the TV series. The other question about why the movie ended with an open end was because we had the intention of making a sequel, but by leaving it open ended it gives the audience a chance to imagine whats going to happen in the future. So, the ending will be left up to what the audience thought. Also, by making it dark and open ended I thought I could give the movie a brighter future in contrast to the actual story line of the movie

DVJ- So what future productions can we look forward to from you?

Sato- I am actually making Stellvia 2 right now. So that would be the nearest new project. Stellvia 2 will be more passionate in comparison to Stellvia 1. In Stellvia one we had all these groups of characters that were considered more elite. In Stellvia 2, we will meet with all these new characters that are more in the norm. (via)

WEB de Tatsuo Sato

Johannes Nyholm

2008-11-30T15:14:00.003+01:00

Johannes Nyholm was born in Lund in 1974. Artist in the fields of film, video and animation. MA in film, art and new media from the universities of Lund, Copenhagen and Gothenburg, and a diploma degree in classical animation from Eksjö. Has made a few short films, some animated, and a bunch of music videos. Runs the production company Joclo.

Puppetboy - a Lady Visitor

Little Dragon - "Twice". Directed by Johannes Nyholm. Puppet Masters: Yukimi Nagano, Håkan Wirenstrand, Fredrik Källgren Wallin, Erik bodin, Elias Araya, Aime Hellrand, Henrik Malmgren, Andreas Korsár and Kurt Lightner.

Kristofer Åstrom - "the Wild". Directed by Johannes Nyholm and Andreas Nilsson.

Alf - "Gröna Linjen" Directed by Johannes Nyholm, Andreas Nilsson.

Jenny Wilson - "Let my shoes lead me forward". Directors: Johannes Nyholm, Per-Isak Snälls, Andreas Nilsson.

The Tallest Man on Earth - "It will Follow the Rain". Director: Johannes Nyholm. Mask & Assist: Erik Zaring, Dockhus Animation. Photo: Claudio Fransson. Label: Gravitation.

Dharma - "boom boom". Director: Johannes Nyholm and Samuel Nyholm

WEB de Johannes Nyholm
Sus videos en Youtube

Kaï Lydecken

2008-11-29T18:25:00.003+01:00

My name is Kaï Lydecken, and can usually be met as "Ti-Ki" when online.
I was born in Finland sometime back in 1983. I moved to France 15 years ago.
I studied 3d animation at Lisaa in Paris. I'm now graduated and searching a job.
I mainly use Maya, Combustion and Photoshop.
I like to listen to rock music in the likes of Dream theater, Therion and Pink floyd.
I play video games a lot (I started when I was 5 years old with a SEGA SC3000), my favourite game of all time is Fallout but actually I play GTA San Andreas.
I also play street hockey with my friends when I'm not working or playing video-games (and when the weather is nice).

"Poules Quies" (2004)

Web de Kaï Lydecken http://www.tikimatic.net

Rivka Press

2008-11-29T18:05:00.002+01:00

"Gary and Mildred" (2007)

Having despaired in his attempts at regaining his mother's attention. Gary chances upon his precious lost dog. Could motherly love be replaced by a dog's love?
Rivka Press a graduate of the Bezalel Academy of Arts and Design, Jerusalem.

Chris Lavis y Maciek Szczerbowski

2008-11-04T17:25:00.006+01:00

Chris Lavis y Maciek Szczerbowski terminaron su primera película profesional, Madame Tutli-Putli, producida por el National Film Board of Canada. Además de la dirección, Chris y Maciek tienen otras facetas como la de animadores, escultores, artistas de collage, guionistas y directores artísticos, En 1997 fundaron Clyde Henry Productions, una productora con sede en Montreal especializada en multimedia, animación stop-motion y efectos visuales. Sus premiadas ilustraciones, vídeos musicales y diseños para televisión han recibido una muy buena acogida por parte del público, y lograron convertir The Untold Tales of Yuri Gagarin, una tira cómica publicada por la revista Vice en un cómic de culto. (via)

Recurriendo al tradicional stop motion, pero cuidando al máximo hasta el mínimo detalle, Lavis y Szczerbowski casan felizmente el fantástico existencial y el suspense terrorífico a partir de una imagen icónica frágil y enigmática (Madame Tutli-Putli) y una estampa supuestamente cotidiana pero alegórica (un viaje en tren a través de yermos paisajes en el que los pasajeros parecen cargar con su pasado bajo la apariencia de sus equipajes -de las numerosas maletas que acompañan a nuestra protagonista a las escasas pertenencias de un niño-).

Una travesía silenciosa entre extraños que ofrece miradas cansadas y apesadumbradas, gestos obscenos y desafortunados o una tensa quietud que revela los miedos instintivos y primarios que atormentan a esta mujer y que estallarán como pesadilla inquietante y claustrofóbica en una segunda mitad oscura y abiertamente enclavada en el relato fantaterrorífico donde manda la interpretación libre, pero argumentándose desde resortes psicológicos y existencialistas.

Técnicamente irreprochable y ejecutado minuciosamente, “Madame Putli-Tutli” ejerce su magnetismo y su embrujo combinando con genialidad y madurez la indiscutible belleza de su factura, la poética de su imaginería, y la excitación que produce su embriagador desarrollo, que sin caer en el hermetismo, procura al espectador una intriga de esotérica resolución. (via)

Madame Tutli-Putli Part 1

Madame Tutli-Putli Part 2

Un trabajo innovador por el hecho de la utilización de ojos humanos para la expresión facial de la protagonista. Es decir, está rodado el trabajo en stop-motion, pero a los muñecos no se les han puesto ojos. Los que aparecen son los de una actriz contratada para hacer varias tomas de su mirada con el que trabajar luego el personaje de Madame Tutli-Putli. Y el efecto, como comprobaréis a continuación, es espectacular. (via) Jason Walker nos muestra en su página todo el proceso de inserción de ojos humanos tras la filmación de los muñecos:

Adding human eyes to stop-motion puppets

Back in 2003 when Madame Tutli-Putli was first being discussed as a concept for an animated short film, one of the most important creative issues was how to bring human emotion and expressiveness to stop-motion puppets. Jason and the Clyde Henry's (Chris and Maciek) discussed many different approaches. In the end, the solution arose when Jason tested the tracking and re-timing of live action human eyes onto a stop-motion scene. This test led to the creation of a remarkable production process whereby live action human eyes were added to almost 20 minutes of stop-motion animation in a manner that was perfectly seamless and completely unobtrusive.

Jason developed a system of separating and analyzing the previously shot stop-motion puppet moves, choreographing, rehearsing and shooting a human actor's corresponding "eye performance" to match each puppet move, at the same time recreating as closely as possible all light and shadow passes original to the stop-motion. Once the human eyes were shot, each eye was individually positioned, scaled, re-timed and digitally composited onto the puppet scenes. As different actors were cast for almost all the characters, the requirement was not only to integrate the human eyes onto each puppet, but on a frame by frame basis, match the subtle movement of the puppets, the camera, and the train – all the while retaining the flow of the acting. "This required every trick in the book and more!" exclaims Mr. Walker. The creation of the film and this extraordinarily painstaking process took 4 years from concept to completion. (via)

Madame Tutli Putli (eyes created by Jason Walker)

Madame Tutli Putli (eyes created by Jason Walker)

Madame Tutli Putli (Making off)

Madame Tutli Putli (Animating Madame Tutli-Putli)

Madame Tutli Putli (Producer Marcy Page)

WEB del corto

WEB de los autores

WEB de Jason Walker

Joan Ashworth

2008-11-02T17:14:00.002+01:00

Joan Ashworth studied puppet animation at the National Film School in the mid-80s, graduating with her 18-minute film, The Web, using puppets made of soft leather and adapted from Mervyn Peake´s Titus Groan, the first book of his Gormenghast trilogy. She then went on to co-found the studio 3 Peach Animation, which became a highly successful producer of stop-frame animated commercials and title sequences. Finally becoming frustrated at working with such short formats, and wishing to return to more personal creative work, she moved to become the Head of the Royal College of Art´s highly respected Animation Department, which has won many international festival awards both for individual student films and for ´Best Animation School´. This has enabled her to continue her personal filmmaking, which has seen her move from traditional puppet animation to working with 3D computer technology. (via)

"The Web" Part 1 of 2 (1987)

"The Web" Part 2 of 2 (1987)

How Mermaids Breed (2002)

WEB de Joan Ashworth

Selina Cobley

2008-11-02T14:52:00.002+01:00

"Crow Moon" (2006)

Crow Moon was directed in 2006 by Selina Cobley, a graduate of Edinburgh College of Art. It is based on a North American myth in which a flock of crows are so terrified by the onset of dusk and its predators that they call on the services of Raven Chief to conjure up a moon to save them. (I believe the fable is a native American one about the time when the cawing of crows signaled the end of winter.) Crow Moon really is a remarkable film; I would call it beautiful, with silky whites and shadowy blacks - the black ravens with highlights tinged in white. When the moon appears it is a bowl of light, at once a refuge and aesthetically perfect. Selina has orchestrated the inhabitants of her world into patterns, with the threats abstract and the birds themselves beautiful in flight and yet possessing of a curiously endearing quality particularly when perched or moving on the ground. The original music by Leila Dunn is generally percussive, at once both ethnic and modern; and synchronised to the music exactly. Selina has her own website, whilst her movie can be viewed in full here. She provides detail of the techniques she used to create the unusual shimmering quality of light in the movie, including using oil and paint and some "scrunched up bits of tin foil" as well as studio lighting. Sponsorship for the film was obtained via the UK Film Council, BBC Scotland and The Arts Trust of Scotland. Should you have enjoyed Selina's movie you can treat yourself to a further nicely animated tale, the 60 second Beachcomber, alongside her longer work that she herself has placed on YouTube. I have seen Beachcomer before though I am unable to recall in what context. Her work is an absolute delight and after surveying some Czech wonders over the past few days it is pleasing to see new talent emerge nearer home - which, by the way, leads me to some of Ian Mackinnon’s work I have just been viewing, kindly sent to me on DVD. More about that at the weekend. There’s some talent about in the UK at the moment. (via)

"Takuskanskan" (2002)

This endearing animated short about the life-cycle of a cloud and those who come into contact with it is engaging and enjoyable.

In Dakotan North American Indian mythology Takuskanskan was a wind spirit or trickster. He comes across as quite a nice guy here and the impressionistic-looking pastel animation gives Cobley's short a real feeling of movement which makes it easy to imagine yourself being carried along on the wind with the action. She also strikes a neat balance retaining a primal feel despite the film's pretty animation.

Aided by a lilting and uplifting guitar soundtrack by Dirk Markham and Ross Taylor this short and sweet innovative animation leaves you wishing there was more of it. (via)

WEB de Selina

Tibor Bánóczki

2008-11-02T14:39:00.003+01:00

Tibor Banoczki left the Hungarian Academy of Applied Arts in 2001. Holtágban was his graduation movie .

Holtágban (2001)

I'm surprised it is not better known because it is marvellous. In the movie an ex-train driver reflects on his career and how he seems to have been derailed to some grim backwater where he works the signals for two trains only each day. He is both angry at his situation and nostalgic for the great days on the railway. In fact the great days may not have been so very good after all as there do seem to have been a lot of suicides. The narrator suffered thirteen of them. The subtitles enable you to keep up with the story though the voice of Gyorgy Cserhalmi is most expressive, demonstrating the whole gamut of emotions from a wistful nostalgia to burning anger at his situation. The drawings of countryside, home and railway are rendered with the brush of a master. The impressionistic, watercolour paintings that form the animation are simply sumptuous. In another director's hands this might have been lush and romantic; in Tibor's movie often there is a brutal realism. There is a mystery here: why was the narrator's carriage the only one to survive a major crash and what is his appalling secret? Tibor's latest 2007 movie has a trailer available - Milk Teeth. It won the the Jury's Special Award at the Annecy International Animation Festival for 2007. Tibor has graduated from the UK's National Film and Television School. (via)

Yibi Hu

2008-10-31T12:48:00.007+01:00

Yibi Hu is a visual artist, animator and filmmaker. He works on his own concepts and has created an exceptional portfolio of short films including, A Friend I Know, KEG, A Day at Dunjanez, Josie's Lalaland and Palingensia. Among these films many have won prestigious awards. His film KEG won a 2005 Adobe Design Achievement Award and Palingensia has won this year's top prize at the iStock Future Now! Contest.In 2006 Yibi was invited to compete in Reelideastudio at the Cannes Film festival where he won Best in Show. His other works have been shown in numerous film festivals, such as Onedotzero, Bitfilm festival, Bristol International Short Film Festival, Sundance Festival and many others around the world.

Yibi is also an experienced and awarded broadcast designer and works full time at UK's leading broadcast design company Redbee Media in London. Prior to working at Redbee Media he worked for BSkyB in London and SHMDS in Shanghai. As a broadcast designer Yibi has created many title sequences, content and on air idents on BBC Sport, BSkyB Sport, Shell, BBC Prime, UKTV, RTE, BBC World Wide and BAFTA among many others. (via)

Josie's Lalaland

IT'S ART: Could you tell me a little more about the history of Josie's Lalaland?

Yibi Hu: I first heard about a 14-year-old girl who was a blood cancer patient from one of my friends over in Asia. After 4 years of life in a hospital she stopped treatment and I was deeply moved by the girl's courage.I began to research children who are in the same situation as her and one day I read the story of Josie Grove in the newspaper. Josie was 16-years old and had been a leukemia patient for many years. She had two bone marrow transplants and a course of anti-cancer drugs, all of which were unsuccessful in beating Josie's cancer. When Josie was told that her condition was terminal she decided not to undertake any further treatment and went home to reunite with her family and enjoy a normal teenage life for her last 3 months. Not only because of similarity of two stories, but also the courage of these two different young individuals, I was inspired to create something that would capture such a spirit.

IA: Why have you chosen to relate this story using to video and C.G.?

YH: First, being a visual designer I naturally chose a visually rich route as my priority and CGI was an off the shelf solution.

IA: I really think you've achieved a very emotional short film. When watching it for the first time I experienced a lot of feelings, not only because of the story but also because of your artistic choices. Can you speak of these choices?
YH: I did consider the possibilities of filming or character animation. After thorough research of many leukemia cases I learned that what I was exploring was universal. For instance, the two cases that inspired me are remarkably similar yet occurred worlds apart.

This is why I decided not to make any specific figures or characters but to keep it as abstract as possible. I eventually made up my mind to create a fantasy world mixed with both dark and brightness, a world intersecting between reality and afterlife. Also I chose this because most children in the same situation would expect more outdoor action. Another influence was some of the jewelry designs done by Josie Grove. She was quite an artist and one piece she did was a silver dragonfly necklace. When I showed her family some of my early art work Josie’s mum saw my work as dragonfly rebirths from water, which gave me some ideas using more dragonfly like insects.

IA: There's something magical, ethereal in this short. It's a very sad story but on the other hand I felt that you tried to give to your short a happy touch. Are you agreement with this?

YH: I have to say I never see this story as a sad one. I was moved by Josie’s courage much more than anything else. There are certainly many different emotions mixed here but what I wanted to express more than anything is eternal happiness and love. It is true that the extreme condition of both kids destined their fate but encouraged by the love from their family and friends they lit candles for themselves in the darkest moments. Their take on their own case was indeed selfless, brave and pure.

IA: What have you learned from the experience of creating this short?

YH: I am happy with the treatment and solution. Somehow I am surprised that an abstract piece could also trigger emotional reactions just like a slow build up in a film. Maybe this could be explored more thoroughly in a proper feature film.Technically, as I have spent a great amount of time generating a HD 3D world in Aftereffect, I believe even more firmly that there is no clear boundary between software and hardware.

IA: Can you tell us a little more about the creative process? How have you elaborated the different scenes, chosen the creatures and colors we can see in your short?

YH: I did the whole thing following an imaged documentary route. I pretended that I was a cameraman wandering around in Josie’s world, taking random shots. I did many different scenes, each one describing its’ own emotion. I didn’t process further into editing until I had enough shots.

The color theme was decided from the beginning. I wanted a heavy atmosphere yet I also wanted it to be filled with delightful twinkling lights. The red clouds are something related to the nature of the disease itself and when I progressed further the red colors actually worked well against black. Most importantly I needed something to deliver gold seeds to the scene and red then became a perfect choice as it matches both gold and black. The creatures are mostly originated from outdoor insects. I designed them also based on experience.

I remember when I was living at Kingston I used to get annoyed by groups of flies along the river. After I moved into town centre I started to miss country life as well as the flies. Therefore, for me I associated the insects to life outside the city and when I had to design a symbolic “outdoors” or “suburbia” the flies made good choice.

IA: What was the most important thing for you while working on this film?

YH: Errr… don’t know how to answer this yet…but I do want people feel happy for Josie.

IA: What has been the reaction of the public to your short?

YH: I haven’t yet shown to a mass audience as I just finished it this August. I did show it to some of my friends and many of them got a bit tearful after watching it, which is a wicked reaction in my point of view.

IA: What are the tools you used? How long did you work on this project?

YH: Photoshop and Aftereffect are two dominate tools I used on this project. There are also some elements and camera reference I worked out in 3D.
It spent roughly 3 months purely on animation and post but a year on the whole film including all the developing work and sound. Because I have a daily I had to use my free time to work on it.

IA: Are you working on a new project? Can you let us know more about it?

YH: I am planning something focused on the fur trade industry but nothing I can talk too much about at the moment. I also hope to get some music video projects in the future. (via)

WEB de Yibi Hu

Jonas Odell

2008-10-30T15:18:00.003+01:00

Jonas Odell es socio de filmtecknarna —una productora fundada en suecia por odell, lars ohlson y stig bergqvist en 1981 centrada en un principio en la animación— la cual realiza en la actualidad anuncios, vídeo clips y cortometrajes. el estilo de odell es una mezcla entre imagen real y animación con una gran dominio del after effects. (via)

Revolver (1993)

Jonas Odell
Revolver Bang ! Bang ! (via)

Never like the first time -trailer- (2006)

En 1981, à Stockholm, trois étudiants aimant le dessin et l’animation mettent sur pied un studio qu’ils nomment Filmtecknarna. Au début, Jonas Odell, Lars Ohlson et Stig Bergqvist consacrent leurs activités à la production et à la réalisation de courts métrages d’auteur. Mais quelques années plus tard se présente un nouveau débouché pour ces réalisateurs. En effet, l’apparition de la télévision privée en Suède entraîne un besoin d’images que le studio s’empresse de satisfaire. Les fondateurs se lancent donc dans la réalisation d’animations télévisées, de publicités et de vidéoclips tout en revenant périodiquement au court métrage d’auteur.

Imprimant à leurs productions une incomparable unité stylistique, ils permettront à Filmtecknarna d’atteindre une renommée internationale. Quand les clients se nomment, par exemple, Ikea, BMW, U2 et Franz Ferdinand, on peut effectivement parler de notoriété.

Un autre moment clef dans l’existence de Filmtecknarna survient en 1993 quand les festivals du monde entier sont pris d’assaut par un ovni, Revolver, que coréalise le trio fondateur avec Martti Ekstrand. Exerçant encore aujourd’hui une réelle fascination sur le spectateur, cet étrange film en noir et blanc, construit à l’aide de mouvements en boucle et évoquant l’esthétique de Muybridge et des frères Fleischer, expose une histoire du monde dont il ne resterait que quelques fragments énigmatiques.

Odell poursuivra une carrière fructueuse comme réalisateur de clips sans abandonner le cinéma d’auteur, approfondissant une approche dans laquelle le désir de saisir le réel s’appuie sur un sens du design qui, paradoxalement, n’a rien de réaliste. Dans Family & Friends, il plonge au fond de sa mémoire pour dresser le portrait de personnages colorés rencontrés jadis et dont le souvenir le hante encore. Pour le célèbre Never Like the First Time!, Ours d’or du Festival de Berlin en 2006, il donne un contrepoint graphique à de véritables interviews menées avec des personnes qui racontent un moment marquant de leur existence : leur première expérience sexuelle.

goldfrapp - strict machine (2003)

Le programme, composé par le cinéaste lui-même, comprend Revolver, My Best Friend Plank, Family & Friends, Never Like the First Time! et une sélection de vidéoclips réalisés pour Franz Ferdinand, U2, Goldfrapp, The Hours, Audio Bullys, Erasure, Feeder et Mad Action. La Cinémathèque a acquis une copie neuve 35 mm de Revolver en 2006 grâce à l’intervention de cinq généreux donateurs. De plus, le cinéaste nous réserve une surprise de taille, soit la projection de son dernier film, Lies, qui vient tout juste d’être présenté en première mondiale à la Mostra de Venise. (via)

Eric Ledune

2008-10-30T14:58:00.004+01:00

Nació en 1963 en Etterbeeck, Bélgica. Es fotógrafo, creador de audiovisuales y de películas de animación; es también profesor en el ámbito de Bellas Artes y Cine de animación. Artista irónico e innovador, si afirmó con películas como “Haïku”, “Bayan Bana Bak Bayan” y “Déjà Vu”.
Su último corto de animación “Do it yourself”, es un irónico manual de tortura para el uso de pequeños y grandes. Poniendo pescado en escena, la película enseña, de manera “entretenida y educativa,” cuándo y cómo se aplican las peores torturas, desde la simple intimidación a la violencia física y psicológica. Para realizarlo, su director se inspiró en un verdadero manual de tortura preparado por la CIA en los años Setenta para las dictaduras en América Latina. (via)

Do-It-Yourself (2007 Extrait 1)

Do-It-Yourself (2007 Extrait 2)

Déjà Vu (2004)

Souvenirs (2006)

Bayan Bana Bak Bayan (2001)

Procession, etc (1994)

6 Haïku I (1998)

6 Haïku II (1998)

WEB de Eric Ledune

Andrew Chesworth

2008-10-30T14:38:00.004+01:00

MAKE created this wildly ambitious and entertaining opening sequence for the Minneapolis AICP (Association of Independent Commercial Producers).

The project debuted on September 6, 2007, and was created in its entirety in about two months. What’s particularly amazing about this project is that MAKE was able to sustain a narrative for the entire five minutes. Actually, it’s more like several mini-narratives wrapped up in one larger narrative. The team obviously spent as much time concepting and writing as they did on the execution. I also really enjoy the way that sponsors are displayed. Because they consistently appear as tickets, we come to expect them throughout the piece, a strategy that I think works well. They aren’t too obtrusive, but they’re still highly visible. We got a little inside info on the project from Andrew Chesworth and our very own Babe. (via)

AICP Intro 2007 Minneapolis (2007)

This project debuted on September 6, 2007, and was created in its entirety in about two months. It was derived from original characters and a story I had created in 2006, and was originally conceived as my follow-up short film to "Mortimer & Bracket". (via)

Mortimer & Bracket (2007)

This was my senior thesis project at MCAD. I spent over 16 months working on it, in addition to my other projects, classes, and my internship at Make, LLC (which became my full time job right after school.) I finished the project just a few months ago, before my graduation in May of 2007. A lot of sweat, blood and love went into "Mortimer & Bracket", and I hope you enjoy their story! (via)

WEB de Andrew

Josh Staub

2008-10-30T14:07:00.003+01:00

Josh Staub has been quietly assembling The Mantis Parable for a few months now, and I've been privileged to have received almost daily updates on his progress. The renderings are always beautiful and well detailed, but what do you expect from Cyan's Art Director?

But one of the things that excites me most about his project is that Josh is very story-oriented. He builds story into the props and environment, into the characters, into everything. The Mantis Parable is built around a very strong theme, and he's put as much detail and hard work into his story structure as he has into the visuals. I know that when he's done, this film will be worth watching.

Josh has a really nice Mantis Parable website, complete with a journal and a respectable and growing Making Of section -- I know he has plenty of design and production material to show. He loves talking about this project, so visit his site, sign his guestbook, send him a question via email.

La parabola de la mantis (2005)

"The Mantis Parable is a wonderful exercise for me because it's new and different than what I've been doing as a Game Creator/ Designer/ Artist for 10 years now, and yet similar enough that I can apply the techniques I've cultivated at work to creating a short film. At least that's the idea.

I obsess over movies and books because emotionally I'm a sucker for a good story, and while I love my day job at Cyan Worlds (and am truly passionate about our newest project Uru: Ages Beyond Myst) there is a certain frustration with trying to tell a story in that medium. In a game (even at Cyan where thankfully story and visual quality is king), the creator is ultimately at the mercy of the player, hoping they take the appropriate steps to reveal the story in a sensible manner. Any "mis-steps" by the player, and he/she may miss out on the "optimum experience" the creator intended. With this lack of control, story is instead visually conveyed via every piece of architecture, every ancient carving translated, every insignia on a lamp post. There is no singular storyteller because the WORLD is the storyteller. While incredibly challenging and satisfying, occasionally I find myself akin to a frustrated writer shackled inches away from a piece of paper and a pen. I suppose those frustrations are at least in part a driving force behind my attempt to create something for a linear medium.

Stylistically, my career has been centered around creating things that look very realistic in nature. This is due to the sense of "immersion" we attempt to provide the player through the environments they freely explore. This "immersive" sensation is achieved when the worlds we create are realistic and therefore familiar enough to make sense, but foreign and beautiful enough to intrigue and entice. This attention to detail is what I know and trust, and ultimately believe can be used to enrich the delivery of a linearly-told story.

The visuals in The Mantis Parable are a step towards simplification for me due to my humble computer system, my lack of spare time, and my desire to actually finish the project. In addition, it is carried out through insects who don't speak, and who provide few physical tools with which to communicate and reveal emotion. I've taken certain liberties with these "actors" (in case you're wondering, real insects don't have eyelids) because again, my goal is not to create something photo-realistic, but something where the details simply enhance the depth of the story I'm trying to tell.

The Mantis Parable website is another example of this simplistic approach. It contains a production journal I update every couple of days with my progress (or lack thereof), and a "making-of" section updated every week or so. Its design is purposefully clean and simple which allows me to update it easily (and therefore often) and to showcase the work above all else. I hope you enjoy it.

Thanks again to Steve Ogden for putting this site together. It's a privilege to have The Mantis Parable featured alongside such visionary and ambitious works." (via)

WEB de Josh Staub

Cyriak Harris

2008-10-30T13:16:00.004+01:00

Cyriak Harris is a British freelance animator better known by his first name Cyriak, and his B3ta username Mutated Monty.

A regular contributor to the British website B3ta since 2004[1], Cyriak displays a surreal and often disturbing animation style with a distinct British theme. Many of his animations are based on Z-List celebrities, television shows and his hometown of Brighton.

His work has been noticed by the BBC which resulted in a short interview[2], and the airing of his animation DeadEnders (based on the long-running soap opera EastEnders) on the BBC3 comedy series Comedy Shuffle[3]. He also received a special mention in the results of a photoshop competition run by the technology series Click[4].

me on the news

Cyriak's YouTube account features a compilation of his animations, which have been popular throughout the blogosphere and noted by Wired's Eliot Van Buskirk [5], and he was featured on the front page with his animation Moo.

As a freelance animator he has been commissioned by Coke for a Coke Zero advert[3], and by the video sharing website sumo.tv, among others. (via)

WEB de Cyriak

cyriak's animation mix

MOO!

Beastenders

Queenie

Beggin' - Frankie Valli video re-mix

Scratchzilla

messing with my head

-Opera Imaginaire

2008-10-28T23:41:00.004+01:00

L'Opéra imaginaire est un film musical d'animation de Guionne Leroy et Pascal Roulin de 1993.

01) VESTI LA GIUBBA, Animator Ken Lidster,
directed by Ken Lidster, music from PAGLIACCI by Ruggiero Leoncavallo
Durante el espectáculo, Pagliaccio (con la voz de Franco Corelli) descubre que su esposa Colombina le ha traicionado.

02) LA DONNA È MOBILE,animator Monique Renault,
directed by Monique Renault, music from RIGOLETTO by Giuseppe Verdi
El Duque de Mantua (Nicolai Gedda) canta su particular idea del carácter femenino mientras las imágenes recrean figuras de cuadros: la Olimpia, el baño turco...

03) CARMEN, animator Philippe Gluckman,
directed by Christophe Vallaux and Pascal Roulin, music from CARMEN by Georges Bizet
Carmen lee las cartas mientras desfilan ante ella soldados, bandidos, toreros...

04) VOI CHE SAPETE, animator Susan Brunskill
directed by Pascal Roulin, music from THE MARRIAGE OF FIGARO by Wolfgang Amadeus Mozart
En esta comedia de enredo, la Condesa de Almaviva y Susanna, para vengarse del conde, deciden disfrazar al paje Cherubino de mujer.

05) MADAME BUTTERFLY, animator Susan Brunskill
directed by Jonathan Hills, music from MADAME BUTTERFLY by Giacomo Puccini
En esta animación de Jonathan Hills, Cio-Cio San imagina cómo será la llegada tan anhelada de Pinkerton para quien ella no es más que una mariposa de colección.

06) PEARLFISHERS, animator Mick Crane
directed by Jimmy T. Murakami, music from LES PÊCHEURS DE PERLES by Georges Bizet
En este triangulo de amor y muerte los dos buscadores de perlas (las voces de Nicolai Gedda & Ernest Blanc) se reencuentran con la muchacha que vieron un día...

07) DU ALSO BIST MEIN BRAÜTIGAN?, animator Raimund Krumme
directed by Raimund Krumme, music from THE MAGIC FLUTE by Wolfgang Amadeus Mozart
Pamina (Lucia Popp), creyendo que Tamino ha muerto, quiere suicidarse pero los tres jóvenes genios (representadas por un cilindro, un cubo y un cono) la detienen.

08) CINDERELA, animator Stephen Palmer
directed by Stephen Palmer, music from LA CENERENTOLA by Gioacchino Rossini
En esta versión que se aleja un tanto del cuento nadie es quien parece en este juego de máscaras.

09) LE VEAU D'OR, animator Hilary Audus
directed by Hilary Audus, music from FAUST by Charles Gounod
Mephistofeles (canta Nicolai Ghiaurov) cuenta cómo ha burlado a Fausto que ha destruido a Margarita.

10) NOI SIAMO ZINGARELLE, animator Guionne Leroy
directed by Guionne Leroy, music from LA TRAVIATA by Giuseppe Verdi
En la fiesta de Violeta, unos curiosos invitados participan del precioso postre.

11) SOUS LE DÔME ÉPAIS, animator Estelle Chedebois
directed by Pascal Roulin, music from LAKME by Léo Delibes
En este fragmento (con las voces de Mady Mesplé y Danielle Millet) Pascal Roulin recrea el primer encuentro de Gerald y Lakmé.

12) E LUCEVAN LE STELLE, animator José Abel
directed by José Abel, music from TOSCA by Giacomo Puccini
Cavaradossi (Carlo Bergonzi) se pierde en sus recuerdos esperando al amanecer cuando será fusilado.

Toda la información de esta obra en IMDB

Veljko Popović

2008-10-28T23:09:00.003+01:00

She Who Measures (2008)

Are we truly free? Are our desires truly our own or merely imposed products of the society we live in? The question this film is asking is this: are we slaves to the culture and society we were born in or is there a way to escape after all?

Veljko Popović was born in 1979 in Split, Croatia. He graduated in 2003 from the Academy of Fine Arts in Zagreb, Department of Painting. In 1998 he started working professionally with computer graphics, and since 2003 has been working with Lemonade Productions on development of computer games. He is a co-founder of Lemonade3d, studio for 2D and 3D graphics and animation. He is an Assistant Professor at the Arts Academy in Split, Croatia.

WHAT IS KENGES?

Kenges is animation studio that specialises in 2D/3D computer animation and special digital effects. Besides working on commercial projects for various clients (TV commercials, video clips, theatre and TV projects), thanks to a not-so-common agreement of the complete producers/authors crew, KENGES produces short experimental and animated films, since its very beginnings (1997). And that makes us rather special compared to other Croatian production studios.

The equipment we're working on is adequate and sufficient for what we're doing - we're stubborn enough believing that the creativity of artist, director and/or animator is always above technical exhibition. That's why there's no need to list inventory of our hardware and software. We like to think that our crew and various professional associates - directors, animators, designers and musicians are our most precious equipment.

Films that we have produced, international awards and projects we're currently working on, are our best reference.

Od course, our front (as well as back) doors are open to enyone who offers or is need of ingenious scenarios, storyboards, and visual solutions for films, commercials and video clips.

http://www.kenges.hr/

Kristofer Ström

2008-10-21T22:32:00.002+02:00

WEB del ilustrador y animador sueco Ström.

Minilogue/hitchhikers choice - short version

Familjen - Hög Luft

Minilogue - Animals from ljudbilden on Vimeo.

Minilogue - Animals

Pen On Paper

KOBRA 01 - who's the villain?

KOBRA 02 - Hair

KOBRA 03 - Decay

KOBRA 04

KOBRA 06

Zonnatura - circle of life from ljudbilden on Vimeo.

Zonnatura - circle of life
Director & Characterdesign: Kristofer Ström
Animation: Martin Ottosson, Stefan Narancic

http://ljudbilden.com/wordpress/

http://ljudbilden.com/

Eduard Sidoruk

2008-10-21T20:41:00.002+02:00

Eduard Sidoruk, a 28 year old animator from Belarus, created this Flash-animated satire about political war games. The short is titled E2-E4, an allusion to a chess match.

"E2-E4" (2007) dirigida por Eduard Sidoruk y Maria Shalrnina.

aniboom.com

Shigeru Tamura

2008-10-09T22:54:00.003+02:00

Born in Tokyo in 1949. Graduate of Kuwasawa Design School. He has written numerous picture books including "Dana", "SpaceSkate" and "SOS Robot Land". His book of paintings, "Metal Physical Nights" won the Shogakukan Painting Award. His work "The Fish of the Milky Way" won a Special Award at the Montreal Electronic Cinema Festival. His CD-ROM "Phantasmagoria" won the Postal Minister and other Awards at the AMD Awards Grand Prix. He is attracting attention in Japan and around the world for his work as a Video Artist and Digital Content Creator. (via)

Glassy Ocean 1/3 (1998)

Glassy Ocean 2/3 (1998)

Glassy Ocean 3/3 (1998)

Ursa Minor Blue 1/3

Ursa Minor Blue 2/3

Ursa Minor Blue 3/3

PHANTASMAGORIA（1/15）

PHANTASMAGORIA（2/15）

PHANTASMAGORIA（3/15）

PHANTASMAGORIA（4/15）

PHANTASMAGORIA（5/15）

PHANTASMAGORIA（6/15）

PHANTASMAGORIA（7/15）

PHANTASMAGORIA（8/15）

PHANTASMAGORIA（9/15）

PHANTASMAGORIA（10/15）

PHANTASMAGORIA（11/15）

PHANTASMAGORIA（12/15）

PHANTASMAGORIA（13/15）

PHANTASMAGORIA（14/15）

PHANTASMAGORIA（15/15）

Kunio Kato

2008-10-09T22:23:00.002+02:00

Graduated Tama University of Arts: graphic design course.
Won domestic prizes for animation with the works he created in university period.
2001, after graduate entered ROBOT.
Creating various type of animation for TV program, web animation and commercial film.(via)

The Diary of Tortov Roddle - 01.The City Of Light (2004)

The Diary of Tortov Roddle - 02.Midnight Cafe(2004)

The Diary of Tortov Roddle - 03.The Litle Town´s Movie Gathering(2004)

The Diary of Tortov Roddle - 04.Moonlight Travelers(2004)

The Diary of Tortov Roddle - 05.The Melancholy Rain(2004)

The Diary of Tortov Roddle - 06.The Flower And The Lady(2004)

The Diary of Tortov Roddle - 07.A Red Fruit (2004)

Fantasy Story (2003)

The Apple Incident (2001)

WEB de Kunio Kato

Benoit Labaye

2008-10-09T10:57:00.004+02:00

Are you into animation? If yes, then you are up for a treat. I don’t know where to start or how to explain it but this piece animation is just simply brilliant; not to mention the intensity that went behind the animation work, the use music, and how each movement expresses its own way to tell the story. All I have to say is just watch it in order to believe what this is about because it’s that that amazing. Mathieu Labaye has done an excellent job in creating a tribute to his father if only I wish I could have such animation skills and knowledge like him. I have included the original English translation in this post, so read over it before viewing the animation although please be very patient, it may have a slow start at the beginning. Merci! (via)

Orgesticulanismus
Cargado por Camera-etc

"Orgesticulanismus" 2008

Great tribute to his father Benoit Labaye, suffered from a multiple sclerosis at 29 years old. Benoit Labaye had been confined to a wheelchair since age 40 and died at 55 years old the 04.22.2006, as a result of a pneumonia.

"I think it's by the movement you appropriate your own life. By the freedom to come and go, to have gestures of love, tenderness, anger, whatever. When you are deprived of movements, as I am and as a lot of other people are, I think if you want to survive, you must reinvent the movement differently. And so what happens inside my head isn't purely brain, purely intellectual. It's a way of recreating an inner space which is also my freedom."

"When you live a severe handicap, when you live absolutely still, dependent, you live, in fact, something that can't be shared, that can't be easily expressed, which you can't easily talk about. Because when two people talk, to be able to understand each other, they need to have a minimum of common experience between them, to speak of something they both know from some form of experience."

"Sure, the stillness, the handicap, brings you to the conclusion and to the gradual acceptance that there's a certain number of things that you can't do. But conversely I think it opens a whole bunch of new possibilities, notably with inner freedom, inner space, but also with the way you can come in contact, in relation with others.
I think there is in the handicap, in the disease, a lot of potentiality. The human being is inexhaustible at the level of desire, of energy, of inner strength. Ans it's something you discover with maybe more urge, more intensity, when you're deprived of movement." (via)

Delphine Hermans

2008-10-09T10:28:00.001+02:00

"L'enveloppe jaune" 2008

Delphine Hermans 's short-movie. Production : Camera-etc, Belgium (Liège) : http://www.camera-etc.be (Prix du Jury du Concours de Projets du Festival d'Annecy 2006 )

Anna vit seule avec son chien dans une petite maison de cité et s'ennuie. Elle espère rompre sa solitude avec Paul, une poupée gonflable. Pour sauver Paul des griffes de son chien jaloux, Anna est obligée de sortir de chez elle. Elle se rend compte que la poupée gonflable ne résoudra pas son besoin de contacts et parle enfin à quelqu'un: son facteur.

CREDITS :
-------------
SCRIPT AND DIRECTION : Delphine Hermans
ORIGINAL MUSIC : Garrett List
PRODUCER : Jean-Luc Slock
PRODUCTION : Camera-etc
In partnership with Marc et Serge Umé (Digital Graphics)

Jean-Luc Slock

2008-10-09T10:04:00.003+02:00

Jean-Luc Slock is Belgian although he was born in 1956 in Köln, Germany. He founded and since 1979 has led the workshop "Camera Enfants Admis", nowadays "Camera-etc", based inLiège. This 10 people animation studio has been granted aid by the Cinema Department of the French speaking community in Belgium for over 25 years.

Jean-Luc Slock is producing animation films with beginners and young authors. The films develop mainly topical subjects like citizenship, environment, health, cultural heritage.

The "Camera-etc" productions allow the participants to express themselves in a creative process and to learn about media language. A fair number of the films are screened in international festivals, worldwide broadcasted, and even awarded.

Member of the ASIFA, "Camera-etc" takes part in international cooperation activities: exchanges, partnerships (Bosnia, Italy, Portugal, Russia, Canada, Brasil, Vietnam, Africa.), and coproductions with international television companies. Camera-etc has also created an sister association in Ouagadougou, Burkina Faso, called "Camera & Consorts".

"Un monde pour Tom " 2005

"Max, entre ciel et terre" 2004

http://www.camera-etc.be/

Valérie Pirson

2008-09-02T09:04:00.007+02:00

Nacida en Bélgica y graduada en la Escuela Nacional Superior de Artes. Se ha desempeñado como Directora, Guionista, Directora de fotografía e imagen, Ingeniera de sonido y Montadora. Su trabajo se caracteriza por el uso de recursos visuales muy "artesanales" que le imprimen a su lenguaje mucha plasticidad y calidez. (via)

"Pistache" (2004)

One of the rising stars of the new generation of stop motion animation directors is Valerie Pirson, born in 1981. She was "discovered" by Michel Gondry - one of the innovators of the visual language of music videos of the late 1990s and early 2000s. Gondry is probably most famous for his highly imaginative promos for Björk, in which he often combined live action and stop motion animation. When Gondry saw Valerie's graduation animation film Pistache, he liked it so much, he asked her to work on the The Science of Sleep - his second feature. The film is laden with original animation sequences that are a joy to watch. Valerie created the animations for “Stephane TV”, the imaginary TV show of the protagonist. “Michel Gondry gave me carte blanche. He just outlined the story,” notes Valerie, who was still in school, about to complete her degree course in Visual and Graphic Arts at the National School of Decorative Arts in Paris, Ensad, when she embarked on Gondry's project.

Sounds like a best-case scenario for any young animator. Gondry also introduced Valerie to Partizan, the French agency that produces music videos and commercials. (via)

MON COEUR (2003)

Pretty Cool People Interviews:

ENTREVISTA a Valérie Pirson
por Alexis Hunot

Alexis Hunot : Quel parcours as-tu effectué avant d’entrer à l’ENSAD ?

Valérie Pirson : Après un bac scientifique j’ai fait une année de prépa pendant laquelle j’ai pu créer ce qui était ma vraie passion. C’était génial, j’avais envie d’apprendre.

D’ailleurs on sent l’influence de la science dans ton film, notamment dans le tableau de chimie…

En effet je me suis amusée avec ça, il faut dire que mes parents sont docteurs en chimie, c’est donc un petit clin d’œil familial !

Et… pourquoi l’ENSAD ?

En fait j’ai fait beaucoup de concours pour rentrer dans les grandes écoles, et c’est plutôt eux qui m’ont choisie finalement !

Quelles sont les particularités de l’enseignement à l’ENSAD ?

L’avantage à l’ENSAD, c’est qu’on y fait des tas de choses. Les deux premières années on touche à tout : photo, vidéo, maquettes, scénographie… En plus ma deuxième année - qui s’appelait « traverse » - était un peu spéciale. Toute l’équipe de profs voulait que l’espace et l’image continuent à communiquer. Cette année a été passionnantes dans le sens où on passait d’un enseignement à l’autre, ce qui était très enrichissant. Ensuite il a fallu se spécialiser. Et là de nombreuses sections se sont présentées à moi. J’étais dans l’incapacité de choisir, j’ai donc choisi la section qui me permettait de continuer de faire le plus de choses possible en même temps, et c’est l’animation qui est ressortie. Ce qui m’intéressait c’était que l’animation était un art très complet : il faut écrire une histoire, il y a aussi un côté plastique, une infinité de techniques (volume, dessins…). Je n’avais jamais fait d’animation avant, mais en parlant avec des élèves je me suis rendue compte que ça pouvait me correspondre. J’ai commencé avec l’angoisse de me planter, mais je me suis rapidement amusée et j’ai fini par y trouver mon compte.

…donc ce n’est pas le fait de voir de l’animation qui t’a donné envie d’en faire…

En effet j’ai vu très peu de films d’animation avant, ce n’est pas ça qui m’a donné l’envie. J’étais plutôt impressionnée par le champ créatif qu’amenait ce cinéma.

Pour Pistache, la technique est venue avant l’histoire… ?

Eh bien non, puisqu’au début j’ai commencé à écrire des tas de petites saynètes métaphysiques, et l’esthétique que j’avais en tête ne devait pas du tout ressembler à ça : il devait être en volume avec uniquement des objets, pas de personnages.

…on aurait pu pourtant imaginer que ce qui t’avait plu était avant tout le mélange des techniques et des matières…

Justement pendant l’année « traverse » et aux Arts-Déco en général, ils nous font beaucoup réfléchir en fonction de notre projet, et après on a chacun notre façon de travailler. Quand je commence un projet comme Pistache je passe énormément de temps à réfléchir. Il y a une période généralement assez dure, et pour ce film particulièrement puisque c’était le projet final où je me retrouvais seule face à mon travail. On avait une année entière pour le réaliser. Le thème que j’ai choisi, « le sujet des sentiments », je l’avais déjà travaillé et je m’en sentais assez proche. L’idée même de travailler sur l’humain, de capturer des émotions avec des images me plait énormément. Pouvoir mettre des images sur l’impalpable, sur des choses enfouies en nous… Le sujet m’est réellement venu avant la technique. Et une fois que j’avais bien cerné mon sujet, la technique m’est venue assez naturellement.

D’ailleurs l’une des grandes réussites de ton film c’est sa portée émotionnelle…

Je suis ravie que le film touche les gens. C’est un sujet difficile. Ce que je voulais mettre en avant, c’était que tout personne quelle qu’elle soit n’est pas constante dans le temps. Elle se trouve dans des états variables, ce qui induit de multiples questionnements. Plus que des sentiments, c’était des états psychologiques que je voulais mettre en scène. Il me fallait les cerner de manières différentes, mais je ne voulais pas que ça tombe dans la facilité par le biais des expressions faciales. J’ai cherché à les exprimer par trois biais : d’abord celui du quotidien qui est la partie visible de l’iceberg, c’est-à-dire tout ce qu’on fait, sa façon d’être dans la vie de tous les jours, ce qui est contrôlé mais qui trahit quand même des émotions interieures. Après il y a l’aspect métaphorique, c’est ce que j’ai comme image dans la tête quand je ressens quelque chose. Et puis le troisième univers c’est celui avec le personnage de De Vinci, qui lui, représente le rapport qu’on a face à nos propres émotions et cette volonté d’agir et de les contrôler, de poser des théories pour nous rassurer, c’est également ces boîtes dans lesquelles on essaye de mettre ce qu’on ressent.

Le film se découpe donc en trois modèles esthétiques, comment les as-tu articulés ?

Le premier modèle que j’ai trouvé est celui du quotidien, c’est ce qui se passe dans la maison. J’aime capter tous ces petits gestes de tous les jours. J’avais envie qu’en voyant les situations du personnage le spectateurs se dise « Ah ouais ça ça m’arrive tout le temps ! ». Et comme j’aime beaucoup observer les gens, je m’attache à ces petits détails. Pour toutes ces scènes là j’avais envie d’un côté très confiné, j’étais partie dans l’idée du flou, un peu comme un souvenir, j’avais une image en tête de cet intérieur. J’ai fait quelques essais et je suis très vite arrivée au retro-éclairage. Les décors sont entièrement éclairés par dessous, c’est pour cette raison que j’ai choisi des matières transparentes. Pendant un an, dès que je tombais sur une matière qui m’intéressait je l’exposais à la lumière pour voir le résultat. Au final, ce sont des vieux papiers, des photos, des tas de choses que j’ai utilisées pour le décor, et pour mon personnage j’ai essayé différentes matières. Au début je ne voulais pas de papier découpé parce que j’avais peur que l’animation fasse trop « pantin », mais finalement le style s’est tout de même imposé !! Le personnage est donc en papier découpé. Il est retro-éclairé en contre-jour noir, le visage est une petite aquarelle et les cheveux sont en scotch, avec une petite lumière qui vient pointer dessus !

Ensuite, pour la partie cartésienne, je voulais quelque chose qui tranche. Comme j’avais beaucoup d’univers, entre le quotidien, le cartésien et les métaphores, il ne fallait pas qu’on les confonde. C’est pour cette raison que j’ai choisi le personnage de De Vinci qui est la représentation universelle de l’homme.
Etant donné que j’aime beaucoup les petits objets, les matières vivantes, les choses « crades », pour le personnage de De Vinci j’ai essayé de contrôler un peu et de faire le plus froid possible – enfin au début puisqu’au fur et à mesure il se salit…- Pour ce personnage je me suis inspirée des schémas scientifiques, de l’équilibre physique et des formules chimiques qui à certains moments pourraient bien nous arranger afin que les sentiments soient applicables comme des formules.

La troisième partie représente les métaphores. Je m’étais amusée à faire un répertoire de tous les sentiments, et trouver un objet qui corresponde à chacun d’eux, qui puisse les représenter. J’avais juste à me concentrer sur ces émotions et une image me venait. Par exemple à certains moments dans mon film, ce que le personnage ressent à l’intérieur agit dans l’univers du quotidien. Ainsi, les pinces croco représentent les invités, et c’est précisément ce qu’elle ressent en son fort intérieur à ce moment là.

...ce qui permet à l'image de coller avec justesse au propos…

En fait quand j’ai écrit mon film, j’ai essayé d’être au plus près de mon sujet, et j’ai repensé à beaucoup de conversations que j’ai eues avec des gens. Je crois qu’on a tous des bribes de conversations, des moments de communication qui restent gravés très longtemps, des phrases qu’on retient, qui nous marquent, et qui participent à notre évolution. Pour me permettre de mieux avancer dans ce film je me suis amusée à aller retrouver ces personnes, à re-provoquer ces discussions et à les approfondir. Finalement j’ai demandé à beaucoup de gens, des amis, de la famille, de différents âges, comment ils ressentaient ce rapport avec leurs propres émotions. Car c’est une chose dont on parle rarement.

Après ce beau coup d’essai, peux-tu nous dire ce que tu envisages pour l’avenir ?

Je ne suis pas prête à travailler dans l’animation pour travailler dans l’animation absolument. J’aime faire des tas de choses, et si je devais continuer, ça serait des petits films d’auteur comme on dit, ou alors avec peu de collaborateurs, de toute façon il faudrait que cela reste intime. Je pense que je resterai fidèle à la technique du banc-titre, car ça ressemble à un théâtre à petite échelle dans lequel tu racontes une histoire. C’est ce qui m’intéresse avant tout.

Joris Bergmans

2008-08-31T19:19:00.002+02:00

So who's Joris Bergmans then?

That'd be me. I was born and raised in the south of the Netherlands where they actually do have hills. Later I crossed the border to study classical and experimental animation at KASK in Ghent, Belgium. During those years I did some internships on some feature projects and co-created some TV commercials. More important, I made my own movies and learned how to develop my personal sense of style and direction, as well as how to pronounce "croque monsieur" instead of "tosti". Currently I'm working at Volstok Telefunken as an animator. (via)

Solomon Grundy

WEB de Joris

Julian Grey

2008-08-31T19:06:00.002+02:00

Julian Grey is a partner, director, and animator for Head Gear Animations. This is his biography in mostly incomplete sentences:

Montréal 1967: At Expo '67 Julian tours the US Pavilion's geodesic dome. He is wowed by the seamless convergence of art & design. And he likes the Lunar Lander. London 1973: Returns from North Africa. Enjoys drawing swords, castles, bloody things. Montréal 1974: Reads Charlie and the Chocolate Factory. Watches drag-racing every Saturday. Draws stranger things. New York City 1980: Enjoys cannabis in Sheep's Meadow Central Park. Everything makes sense. Montréal 1987: Completes three years of pre-Apple era graphic design school. Gets Letraset stuck in eye. Montréal 1989: Studies printmaking & sculpture at Concordia University. Buys video camera. Makes art. Toronto 1994: Draws weird pictures for Shift Magazine. Meets Steve Angel. Toronto 1995: Discovers animation is the way to go. Amalfi, Italy: On holiday, has epiphany, joins up with Steve Angel to start Head Gear.
Budapest is a poem written and read by former US poet laureate Billy Collins (via)

"Budapest"

Forgetfulness - Billy Collins Animated Poetry

Some Days - Billy Collins Animated Poetry

head gear animation

Bert Dombrecht

2008-08-31T18:48:00.002+02:00

"Solomon Grundy"

Bert en youtube

Bert en Myspace

"The Happy Life"

Alina Skiba

2008-08-31T18:01:00.002+02:00

Skiba-Arts

"Bagaż"

"Ażijotaż" - fragment

Daniel Szczechura

2008-08-31T16:26:00.006+02:00

"Hobby" (1968)

Writer and director of animated films, scenery designer; born in 1930 in Wilczogeby.

Szczechura studied for one year at the Academy of Fine Arts in Warsaw (1951-52). In 1958 he graduated from Warsaw University with a degree in Art History. In 1962 he obtained a second degree, this time from the Cinematography Department of the Lodz Film School. He was one of the co-founders of the Studencki Teatr Satyrykow (STS - Student Theatre of Satirists) in Warsaw and designed the scenery for many of the group's theatrical productions. During the 1950s he made more than a dozen films on 16 mm stock. Of these a handful, including SPOJRZENIA / GAZES, made by Szczechura in collaboration with Andrzej Blasinski, brought the filmmaker awards at film competitions. His diploma film was KONFLIKTY / CONFLICTS (1960). In 1961 Szczechura began producing his films at the Studio Malych Form Filmowych SE-MA-FOR / SE-MA-FOR Studio of Small Film Forms in Lodz. In 1970 he became a lecturer at the Academy of Fine Arts in Warsaw, where he heads the animation workshop of the Graphic Design Department. He has also taught abroad, among other places at the Royal Academy of Art in Ghent and at Emily Carr College in Vancouver. A member of the Stowarzyszenie Filmowcow Polskich (Association of Polish Filmmakers), he was in this organization's National Board from 1970 to 1973. He is also vice president of ASIFA (Association Internationale du Film d'Animation - International Animated Film Association).

Daniel Szczechura has won numerous awards and distinctions for his animated films. These have included the Zlote Grono (Golden Grapes) medal for lifetime achievement at the 4. WYSTAWA I SYMPOZJUM PLASTYKI "ZLOTE GRONO" / 4TH "GOLDEN GRAPES" VISUAL ARTS EXHIBITION AND SYMPOSIUM in Zielona Gora (1969), the Zenon Wasilewski Award (1975) and the Award of the Minister of Culture and Art 2nd class for lifetime achievement in animated film (1975). In 1990 he also received the ASIFA Special Prize for "invaluable contributions to the art and development of animated film" and a Gemma Award (from the Italian Animated Film Association).

Szczechura's debut films borrowed from the aesthetics of Jan Lenica and Walerian Borowczyk. As he himself admitted:
"I see no reason to hide that I was inspired by the films of Borowczyk and Lenica, which suggested the cut-out technique that allowed me to rid myself of the baggage of additional animators, phase designers, assistants. This technique generally revolutionized animated film, (...) because the subject scope of animations expanded with the introduction of cut-outs" (quoted from M. Gizycki, "Nie tylko Disney: rzecz o filmie animowanym" / "Disney Was Not Alone: On Animated Film," Warsaw, 2000).
While classical animated film proved incapable of venturing beyond "cat chases mouse" situations, cut-out films allowed artists to broach issues that are far more important. In an interview with the editors of "Kwartalnik Filmowy" / "Film Quarterly," Szczechura said:
"Their [i.e. Borowczyk and Lenica's] early animations made a big impression on me precisely because they were serious" ("Kwartalnik Filmowy" / "Film Quarterly," 19-20/1997).
As Szczechura himself wrote in a different text in the same issue of the magazine, Lenica and Borowczyk and the cut-out technique they used 'imparted a wisdom on animated film.'"

"Dobranocka" (1997)

Szczechura created his debut film CONFLICTS (1960) almost accidentally, while completing an internship at the film school where he was studying to be a cinematographer. Although something of an afterthought, the film was in no way accidental in terms of technique. It combined cut-outs with live-action scenes, giving the artist an opportunity to play with the film's substance. One element of this game, embodied in scenes reminiscent of old film melodramas, involved using footage of live actors for the segments occurring 'on screen' while presenting the cinema audience as a cut-out, suggesting that the film being watched by the audience was more real than life. This was accurately read as an allusion to the realities of the 1960s, a time when political censorship of art was widespread in Poland, when authorities decided what would be shown to the public with most of their choices going completely against audience tastes and desires. The film was also in some way a product of Szczechura's experiences with the Student Theatre of Satirists and this group's contacts and relations with censors.

Daniel Szczechura's next films also in some way derived from his experiences with the satirical theatre. They included his professional debut MASZYNA / THE MACHINE, the film LITERA / THE LETTER made one year later, and above all FOTEL / A CHAIR (1963), which was his most renowned film of this period and remains Szczechura's best satirical film. In the first of these the filmmaker poked fun at the mania for giant projects that reigned in the Polish People's Republic, showing the construction of a vast and complicated machine designed for... sharpening pencils. In THE LETTER he directed viewers' attention to the concept of ideology, which, enigmatic as is the letter "N" in his film, attracts throngs of people only to prove a mockery, a joke, a prank. A CHAIR was, however, the strongest of his gibes at the system that reigned in Poland at that time. A treatise about methods of gaining power, the film features characters that are shown from a bird's eye view and resemble pawns on a chessboard more than they resemble people.

A CHAIR, THE MACHINE and THE LETTER all caused Szczechura to be compared to Slawomir Mrozek. Even today, some commentators (Jerzy Uszynski, "Film Quarterly," 19-20/1997) view the filmmaker as a chronicler of Polish reality, someone capable of accurately capturing and ridiculing the absurdities evident in abundance in the Polish People's Republic. As satirist Antoni Chodorowski once said in commenting on his own drawings of Warsaw's Palace of Culture and Science, in this country "everything was ridiculous." However, such a reading of Szczechura's films can be applied only to some of his works. Another of his celebrated achievements was HOBBY, a film he made in the year of the student revolt against totalitarian rule (1968). Though it can also be read as a metaphor of enslavement and liberation, it simultaneously surpasses any such interpretations and could do completely without them. Psychological or psychoanalytic interpretations that define the film as a picture of female predacity and male naiveté prove equally insufficient. The situation is quite similar with the somewhat earlier film WYKRES / A GRAPH, whose hero chases an undefined point, an unachievable goal. A GRAPH can easily be read as a satire - i.e. "this is how all of us, during Socialist Realist times, chased after the unattainable goal that was supposed to be the happiness of humankind under Communism." But the film can also be seen as expressing the hopelessness of human endeavor, i.e. read in a philosophical manner as possessing an existential message.
"Daniel Szczechura's films began as descriptions of reality - satirical, overstated, sneering, but nevertheless descriptions. Soon thereafter the flippant tone was replaced by a perspective far more serious; the desire to document external reality gave way to explorations of issues hidden deep within us," wrote Jerzy Armata in summarizing the artist's creative development on the occasion of a screening of ten of Szczechura's films (HOBBY - DANIEL SZCZECHURA, 2002, in "Kino" monthly, 2/2002).
The director himself had his fill of producing films that were purely satirical in spirit.
"When I made 'A Chair' in 1963, I was inundated with requests for films that would continue to 'beat issues with the whip of satire' (...). Something prevented me from accepting them, and in retrospect I see that this helped me avoid the trap of off-handedness, illustration" ("Rezyser" / "Director" monthly, 1/1998).
Kazimierz Zorawski ("Kino" monthly, 8/1971) created a classification of Szczechura's films in terms of their subject matter. He identified a group of works that explore mechanisms operating within human society (THE MACHINE, A CHAIR, KAROL / CHARLES), a series that illustrate operations of the human mind (A GRAPH and HOBBY) and finally those in which the director sought out new areas of interest (THE LETTER, PODROZ / THE VOYAGE, PIERWSZY, DRUGI, TRZECI... / FIRST, SECOND, THIRD... and DESANT / THE LANDING). It is difficult to agree completely with these choices, because THE LANDING or THE LETTER, and even FIRST, SECOND, THIRD... have more in common with THE MACHINE or A CHAIR than they do with THE VOYAGE. The latter film, in turn, has indubitably more to do with SKOK / THE LEAP, as both films attempt to illustrate the absurdity of life.

"Dobranocka" (1997)

Yet another reading emerges from the two-film series consisting of FATAMORGANA / MIRAGE and FATAMORGANA II / MIRAGE II (produced ten years later and thus not encompassed by K. Zorawski in his analysis), both of which feature stories that are Surrealist in spirit and governed by the logic of dreams. Finally, there is GOREJACE PALCE / BURNING FINGERS, also based on a dream-like concept, though one that is nightmarish rather than joyous. Titled DOBRANOCKA / A GOOD NIGHT STORY, Daniel Szczechura's last film also is strongly evocative of the dream world.

Fatamorgana I (1981)

The filmmaker himself strongly believes that animated film needs constantly to renew its narrations. Thus, in his later films he abandoned creating clear anecdotes with a punch line and a linear narration in favor of producing open-ended stories that were enigmatic. As he said of MIRAGE:
"What did the poet mean by this? I'm incapable of verbalizing it" ("Kino" monthly, 11/12/1990 - in conversation with M. Gizycki).
Daniel Szczechura has stated many times that his films resemble narrative features. He attributes this to his education: as someone who studied cinematography, he is less skilled than colleagues like Witold Giersz as a painter or graphic artist - a fact he readily admits. He exhibits a tendency to compose shots in a filmic manner rather than in a manner characteristic of the visual arts - as a cinematographer, not as a draughtsman. Szczechura believes that animated films are not visual art, because their individual scenes cannot be contemplated to infinity.
"Films are series of images and each of these images as a meaning in its series," he said in an interview with the editors of "Kwartalnik Filmowy" / "Film Quarterly" (19-20/1997).
He sees animated films as being closely related to poetry.
"To me, a good animated film is the analogue of a good song, one by Agnieszka Osiecka, Wojciech Mlynarski or Brel. I would love it if animations were shaped just like that, if they were abbreviated, closed forms that included both content and emotion," Daniel Szczechura once said ("Film" monthly, 8/2002).
Daniel Szczechura is one of Poland's most famous makers of animated films. His name evokes memories of greatest successes of Polish animated film, especially during the 1960s. He is also someone who placed emphasis on constantly investigating new avenues and who proved capable of abandoning developed formulas that brought him success in favor of exploring the unknown. PODROZ / THE VOYAGE, a kind of anti-film in which seemingly nothing happens, serves as an example. The focus in this film is falls on the rhythm of the telegraph posts that pass by, on the monotony of the sounds that customarily accompany travel. A leaf that falls to the ground in a park alley proves a special event. Marcin Gizycki believes that this film marked a turning point in Polish animated film, a turning point as significant as the debuts of Jan Lenica and Walerian Borowczyk. Gizycki writes that THE VOYAGE was a harbinger of "several other exceptional works that described phenomena as simple as that leaf that descended to the ground in the park alley" ("Film Quarterly", 19-20/1997). (via)

"Dobranocka" (1997)

Filmography

Ryszard Czekala

2008-08-31T14:23:00.003+02:00

Ryszard Czekała born in Bydgoszcz in 1941. A director and a screenplay writer of animated and feature films. He finished the departament of Painting and Graphics at the Cracow Academy of Fine Arts in 1966, and department of Film Directing at State Film School in Lodz in 1976. He is a co-founder of Cracow Animated Films Studio. He is one of the most important artist of the Polish animation school.(via)

"APEL" (L'Appel) (1970)

Film noir et blanc, réalisé avec la technique de découpage, se rapportant à l'horreur de l'occupation hitlérienne: lors d'un rassemblement dans un camp de concentration, les prisonniers se révoltent contre leurs bourreaux.
"C'est le premier film d'animation, et jusqu'à présent, l'unique film de ce genre qui traite du sujet de l'occupation, qui garde la poétique du grotesque et qui est, à la fois, profond et absolument sérieux. Déjà dans ses réalisations précédentes, Ryszard Czekala a montré qu'on pouvait parfaitement profiter des possibilités que présente le film d'animation pour parler de choses sérieuses. Mais ici, il a fait un pas plus loin - dans la problématique réservée au film documentaire et au film d'acteurs. Néanmoins, ce n'est pas le choix du thème qui fait que ce film est éminent. Ce qui fait sa valeur, c'est la narration laconique, le graphisme de découpage lapidaire, noir et blanc ou même gris, et la dramaturgie soutenue par les changements de points de vue de la caméra, et - comme d'habitude chez Czekala - la bande sonore s'harmonisant avec l'image." (Andrzej Kossakowski, "L'histoire du film polonais", v. 5, Varsovie 1994)(via)

Ryszard Czekala - Human and Bread (1996)

PTAK(bird)(1968)