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-La Parti Production
Panique au village: Extrait 1
Panique au Village
Bajo el encanto de la infancia
Un brillante trabajo que lleva una serie de televisión a la gran pantalla. Una ópera prima de animación belga llena de originalidad y presentada fuera de competición en el Festival de Cannes (via)
Pasar de un corto a un largometraje siempre es una tarea muy ambiciosa. Hay que idear una historia más larga, adaptar el estilo narrativo, desarrollar personajes con una personalidad bien definida y, sobre todo, cambiar de velocidad. El ritmo infernal de los diez minutos que dura un corto no se puede mantener durante una hora, a no ser que nuestra intención sea volver locos a los espectadores. Hay que marcar otro compás.
"Le Grand Sommeil"
Stéphane Aubier y Vincent Patar, flanqueados por sus guionistas Vincent Tavier y Guillaume Malandrin, estuvieron tres años trabajando en el guión de Panique au Village. Durante esos años, escribieron y retocaron la historia, los gags y los diálogos al mismo tiempo que dosificaban cuidadosamente su poción en el espacio de tiempo dado. La película saca provecho de esta meticulosa preparación. El guión propone una gran variedad de tempos, que van del adagio al allegretto, y con los que los directores juegan hábilmente para crear la fluidez que supone el éxito del largometraje.
Hay una verdadera historia que va más allá de una simple sucesión de peripecias cómicas. Vaquero e Indio, unos pilluelos perturbadores y traviesos, toman cuerpo. Caballo, su refunfuñón hermano mayor, un personaje secundario, adquiere vida propia, personal e incluso sentimental. Una de las principales aportaciones de la película es la llegada a este universo de los niños de Madame Longrée (a quien pone voz Jeanne Balibar), una encantadora yegua de voz sensual, acicalada con fulares de una elegancia refinada y que es profesora de piano (el colmo para un ungulado). Caballo y Madame Longrée viven una historia de amor tan pasional como romántica. Los personajes secundarios se convierten en verdaderos actores, siendo más sujetos que objetos de la historia. Por ejemplo, mientras Steven está en la cárcel, Janine desarrolla una faceta de su personaje, mostrando emociones y haciendo cosas que hubieran sido imposibles en la serie de televisión.
El gran acierto de los autores es haber logrado, durante todo este ejercicio, mantener el tono general desarrollado en la serie, que al estilo de la magdalena de Proust, nos devuelve a la inocencia de la infancia. A través de esas figuritas, vemos al niño que juega. Imaginamos los referentes (padres, profesores, conocidos) en los que se inspira, más o menos conscientemente, para crear a sus personajes. Nos deleitamos con esa relación particular que tiene con la realidad y que presenta por una parte, una lógica simple, pero aplastante y por otra, una ausencia a veces total de coherencia. Nos sentimos atraídos por esa relación con el mundo, ni simplista ni vacío de sentido, del pillo con pantalones cortos que toma consciencia del universo que le rodea y lo reproduce, más o menos, como lo percibe: Indio encarga ladrillos por Internet, Steven lleva a sus animales a pastar en el tractor mientras Policía dirige el tráfico, Caballo va a buscar en coche a los animales cuando acaban sus clases de piano en el conservatorio, el establo donde dejan dormir a nuestros tres héroes después de que pierdan su casa es como un dormitorio común de un campamento de verano... Son estos elementos, mucho más que las aventuras que corren, lo que nos hace rendirnos al encanto de la película y a los que nos enganchamos y no podemos soltar hasta el final.
Sin tomarse muy en serio a sí mismos, estos dos amigos, Stéphane Aubier y Vincent Patar, son poseedores de un saber hacer lo bastante asentado para desarrollar un concepto más rico y más desarrollado. Además, podemos comprobar que se han divertido mucho y nos hacen ser cómplices de esa diversión. (via)
Panique au village: Extrait 4
sinopsis de Panique au Village
Vaquero e Indio son unos profesionales de las catástrofes. Cuando planean algo, el caos les persigue. Esta vez, quieren desearle un feliz cumpleaños a Caballo. ¿Qué regalarle? ¡Una barbacoa que puede construir uno mismo! Buena idea, pero por una confusión, Vaquero e Indio le mandan mil ladrillos... ¡Ya no es un cumpleaños, es un tsunami! La casa de Caballo desaparece bajo los ladrillos, aplastada. ¡Hay que reconstruirla! Se acabó el cumpleaños... ¡sobre todo porque unos ladrones se apoderan de los muros cuando terminan de levantarlos! Definitivamente, Caballo nunca podrá disfrutar de ese día especial para ir a ver a la yegua de la que está enamorado, la señora Longrée, que da clases de piano en el conservatorio de al lado. En lugar de eso, tendrá que enfrentarse a imposibles criaturas submarinas, un oso furioso, tres científicos locos y una matriarca psicópata. Un viaje al centro de la tierra, que les llevará por estepas nevadas y un mundo submarino. ¡El miedo se apoderará de su ciudad! (via)
Panique au village: La bande-annonce
www.paniqueauvillage.com
WEB
www.atowncalledpanic.tv
ENTREVISTA con Stéphane Aubier y Vincent Patar, directores de Panique au Village.(via)
“Todos los personajes han evolucionado con respecto a la serie”
Nos encontramos con Stéphane Aubier y Vincent Patar en un paisaje dantesco, una antigua fábrica donde se amontonan aquí y allá material de decorados, objetos diversos y cajas de cartón donde duermen cientos de figuritas. Los directores cuentan a Cinergie el impresionante trabajo necesario para la creación de esta película de animación de 75 minutos que les ha llevado a la alfombra roja de Cannes. Asimismo, nos hablan del inmenso placer que les ha proporcionado llevar a la gran pantalla el dulce delirio surrealista del mundo de Panique au village
Le making-of (accéléré)
Cinergie: En un principio, Panique au village era una serie de episodios cortos. ¿Cómo nació la idea de hacer un largometraje?
Stéphane Aubier: Estábamos muy contentos con la serie. Decidimos dar el salto a la gran pantalla después de hablar con Vincent Tavier, el productor, y con nuestro coguionista Guillaume Malandrin.
Vincent Patar: No teníamos muchas ganas de poner en marcha una segunda serie, sino más bien de cambiar nuestra forma de escribir, de contar las historias. Al principio no estábamos seguros de que una serie de animación tan salvaje como Panique au village pudiera funcionar en un largometraje. Pero desde el comienzo quisimos evitar hacer una película a base de sketches.
S.A.: Cuando creamos la historia en el guión gráfico, fotografiamos todas las imágenes y añadimos las voces para hacer una maqueta nos quedamos más tranquilos. Teníamos la historia, aunque nunca dejaba de evolucionar.
¿Cómo elegisteis las voces de los personajes?
S.A.: Desde el episodio piloto de la serie, queríamos una voz aguda para Vaquero, porque la hago yo. Para Caballo, por el contrario, necesitábamos una voz grave y tosca como la que Vincent puede hacer. Para Indio, tuvimos nuestras dudas. Nos decidimos por una voz muy nerviosa y pensamos en el cantante de PPZ 30, Bruce Ellison. Con los otros personajes nos decidimos sobre la marcha. Benoît Poelvoorde ya había trabajado con nosotros. Le podríamos haber dado cualquier personaje. Finalmente hizo del pequeño granjero, y estuvo espectacular. Con Bouli Lanners pasó más o menos lo mismo. Les ha dado una vida extraordinaria a todos los personajes secundarios. Nuestros descubrimientos han sido David Ricci, de Lieja, que pone su voz al asno, tiene una voz muy grave que le va muy bien, y Jeanne Balibar que da un toque de sensualidad.
Panique au village: Extrait 5
En el plano técnico, requería muchísimo trabajo. Todo se ha hecho a mano. ¿De cuántas personas se componía vuestro equipo?
V.P.: Éramos más o menos veinte personas y la fabricación nos llevó 14 meses. Poco tiempo para una película de animación. La técnica de Panique au village es simple. Caballo, en la serie, tiene tres posturas y corre todo el tiempo. Aquí no le podíamos hacer correr durante una hora y media, por lo que desarrollamos ocho posturas diferentes para darle un trote más lento. La animación es simple. Trabajamos con juguetes de plástico y el objetivo es darle vida a esas figuritas rígidas.
¿Cuántas figuritas habéis utilizado?
V.P.: Para la película hemos fabricado en total 1.500 figuritas. Caballo es el personaje que ha necesitado más, porque tenía muchas posturas distintas... quizás 130 o 140 figuritas. Vaquero e Indio requirieron casi una centena cada uno. Por el contrario, Policía sólo tiene cuatro o cinco posturas diferentes porque es rígido y no se mueve... es un policía.
En vuestro mundo masculino, hay un nuevo personaje que aporta un toque romántico. Madame Longrée, la amiga de Cheval, humaniza a este personaje.
S.A.: Nos parecía evidente que necesitábamos algo así, para precisamente alejarnos de la serie.
V.P.: Ha hecho evolucionar el personaje de Caballo. Deja de ser un personaje secundario con respecto a Vaquero e Indio, tiene una verdadera vida propia. Y todos los personajes han evolucionado con respecto a la serie.
¿Un Panique au village 2 a la vista?
S.A. et V.P.: De momento vamos a ver qué tal con el primero.
Entrevista de Dimitra Bouras et Marceau Verhaeghe
-Beast Animation
Beast Animation is an executive general and technical services company specialized in stopmotion animation. This specific type of animation covers every form of image per image-shooted audiovisual productions, carried out by three-dimensional and tangible objects, puppets, actors, drawings, etc. … .
Commercial Superlotto 4 Dirección:Beast Animation
Commercial Superlotto 3 Dirección:Beast Animation
Commercial Superlotto 2 Dirección:Beast Animation
Commercial Superlotto 1 Dirección:Beast Animation
Master Bator
Beast Animation working hard on 1 minute penisodes (via)
Busy days at Beast Animation in Brussels: while supervising the dubbing of A Town Called Panic in Flemish, the Beast crew is producing a pilot for a mini series called Master Bator. In each episode a penis puppet comes to the rescue of princess vulva, held hostage by... a dildo.
In the beginning there was... a crazy idea. 'Before we had our own studio, Ben (Tesseur, ed.) and I wanted to do something on the side, just to have really good fun and to animate something without any restraints, not taking into account political correctness, animation 'do's and don'ts' etcetera...' says Steven De Beul. 'So we came up with short stories involving penis and dildo characters. Seven years ago I even made a public appeal on Studio Brussel (a national radio station for a younger audience, ed.) to collect used dildos, to see what kind of reaction it would trigger. But other ideas and projects came along, leaving Master Bator lingering in the back of our heads'.
In the meantime, Steven, Ben and producer Pilar Torres Villodre have worked hard to put Beast Animation on the map, not only as a well-equipped animation studio but also as a production company. Last year they put a lot of effort into A Town Called Panic, a feature film based on the successful tv series by Vincent Patar and Stéphane Aubier. The last two weeks of March Steven and Ben kept an eye on the dubbing process at Sonicville, where director Jan Eelen and his actor's crew were adding their comical talents to the Flemish version of the film.
'During the animation of A Town Called Panic we felt we should do something with Master Bator, to turn it into a valuable project, so we decided to make a pilot.' Letting the project linger all these years might turn out to be a master stroke, since the two can now combine their extensive experience with their enthusiasm from yesteryear. 'This pilot is a testcase, for more than the series alone', explains Steven. 'Right now, we have the time and the means to put some things to the test, also to question the way we are working. We use the pilot to experiment with new software, with a new camera, with new staff, and also to try out working in a low budget way. So other projects could benefit from taking this new approach and from making this pilot.'
'The format for Master Bator is simple: the penis character, Master Bator, is doing the housekeeping when he gets a call for help through his tv set. The princess (who looks like a woman's genitals) is kept hostage by Bator's nemesis, the dildo, and ends up being rescued by her hero. Obviously he always wins because he is able to shoot, unlike his opponent.' Every episode is a parody of famous movie scenes, music fragments or moments in history. In the pilot episode for instance Master Bator refers to Star Wars (with a dash of Ghostbusters).
'Everyone who caught a glimpse of it so far is enthusiast about it, of course that is encouraging', says Steven. Last year Pilar has explored the market for this kind of project at Cartoon Digital in Murcia (Spain). 'Digital platforms are looking for attractive content. Master Bator is not aimed at TV or the big screen, but at 'new' media players such as cell phones. In Belgium this market is very limited, but in Southern Europe, and even more in Japan, watching videos on your mobile phone is extremely popular. Short clips that put a smile on your face seem to be what people want to see on their way to work. So we are aiming at this growing international market. That is why we chose not to use dialogue, to keep it as universal as possible and to avoid translation issues etcetera.' Beast Animation will look for finance only in the private market and has not applied for public funding.
On every single level, Beast is trying to reduce costs for this one minute series. 'The setting for the fight sequence is different every time, but we limit the work on it for each episode. In between shots we don't adapt the lighting because we plan every shot ahead and determine the lighting keeping in mind that we won't change it during shooting. This way we only limit ourselves slightly in the way we tell the story, but we don't give in to the quality of the images shot. Apart from sets and lighting, the animation itself is very cost effective because of the very simple form of the characters: there are no arms, let alone hands and fingers, to animate. The princess gets another wig depending on the situation.' To the animators at Beast, the quite realistic looking body parts/characters have become mere puppets. 'It took quite some research to get them right', says Steven. 'They needed a certain transparency. Pedri Animation of Holland took care of that.'
The concept of Master Bator and the viral distribution of this type of mini series are aimed at both teenagers and young adults. The edgy humour and the atypical yet very recognisable characters should appeal to this broad audience, according to the makers: 'Younger people might not recognize every reference made and still find it funny in itself, while a slightly older audience will be able to enjoy an extra level of amusement referring to great moments in entertainment history. Anyway, we are organising a test screening with teenagers in the near future and we are very curious how they will respond'.
WEB de BEAST ANIMATION
CANAL YOUTUBE
BLOG de BEAST ANIMATION
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Master Bator
Beast Animation working hard on 1 minute penisodes (via)
Busy days at Beast Animation in Brussels: while supervising the dubbing of A Town Called Panic in Flemish, the Beast crew is producing a pilot for a mini series called Master Bator. In each episode a penis puppet comes to the rescue of princess vulva, held hostage by... a dildo.
In the beginning there was... a crazy idea. 'Before we had our own studio, Ben (Tesseur, ed.) and I wanted to do something on the side, just to have really good fun and to animate something without any restraints, not taking into account political correctness, animation 'do's and don'ts' etcetera...' says Steven De Beul. 'So we came up with short stories involving penis and dildo characters. Seven years ago I even made a public appeal on Studio Brussel (a national radio station for a younger audience, ed.) to collect used dildos, to see what kind of reaction it would trigger. But other ideas and projects came along, leaving Master Bator lingering in the back of our heads'.
In the meantime, Steven, Ben and producer Pilar Torres Villodre have worked hard to put Beast Animation on the map, not only as a well-equipped animation studio but also as a production company. Last year they put a lot of effort into A Town Called Panic, a feature film based on the successful tv series by Vincent Patar and Stéphane Aubier. The last two weeks of March Steven and Ben kept an eye on the dubbing process at Sonicville, where director Jan Eelen and his actor's crew were adding their comical talents to the Flemish version of the film.
'During the animation of A Town Called Panic we felt we should do something with Master Bator, to turn it into a valuable project, so we decided to make a pilot.' Letting the project linger all these years might turn out to be a master stroke, since the two can now combine their extensive experience with their enthusiasm from yesteryear. 'This pilot is a testcase, for more than the series alone', explains Steven. 'Right now, we have the time and the means to put some things to the test, also to question the way we are working. We use the pilot to experiment with new software, with a new camera, with new staff, and also to try out working in a low budget way. So other projects could benefit from taking this new approach and from making this pilot.'
'The format for Master Bator is simple: the penis character, Master Bator, is doing the housekeeping when he gets a call for help through his tv set. The princess (who looks like a woman's genitals) is kept hostage by Bator's nemesis, the dildo, and ends up being rescued by her hero. Obviously he always wins because he is able to shoot, unlike his opponent.' Every episode is a parody of famous movie scenes, music fragments or moments in history. In the pilot episode for instance Master Bator refers to Star Wars (with a dash of Ghostbusters).
'Everyone who caught a glimpse of it so far is enthusiast about it, of course that is encouraging', says Steven. Last year Pilar has explored the market for this kind of project at Cartoon Digital in Murcia (Spain). 'Digital platforms are looking for attractive content. Master Bator is not aimed at TV or the big screen, but at 'new' media players such as cell phones. In Belgium this market is very limited, but in Southern Europe, and even more in Japan, watching videos on your mobile phone is extremely popular. Short clips that put a smile on your face seem to be what people want to see on their way to work. So we are aiming at this growing international market. That is why we chose not to use dialogue, to keep it as universal as possible and to avoid translation issues etcetera.' Beast Animation will look for finance only in the private market and has not applied for public funding.
On every single level, Beast is trying to reduce costs for this one minute series. 'The setting for the fight sequence is different every time, but we limit the work on it for each episode. In between shots we don't adapt the lighting because we plan every shot ahead and determine the lighting keeping in mind that we won't change it during shooting. This way we only limit ourselves slightly in the way we tell the story, but we don't give in to the quality of the images shot. Apart from sets and lighting, the animation itself is very cost effective because of the very simple form of the characters: there are no arms, let alone hands and fingers, to animate. The princess gets another wig depending on the situation.' To the animators at Beast, the quite realistic looking body parts/characters have become mere puppets. 'It took quite some research to get them right', says Steven. 'They needed a certain transparency. Pedri Animation of Holland took care of that.'
The concept of Master Bator and the viral distribution of this type of mini series are aimed at both teenagers and young adults. The edgy humour and the atypical yet very recognisable characters should appeal to this broad audience, according to the makers: 'Younger people might not recognize every reference made and still find it funny in itself, while a slightly older audience will be able to enjoy an extra level of amusement referring to great moments in entertainment history. Anyway, we are organising a test screening with teenagers in the near future and we are very curious how they will respond'.
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Eric Ledune
Nació en 1963 en Etterbeeck, Bélgica. Es fotógrafo, creador de audiovisuales y de películas de animación; es también profesor en el ámbito de Bellas Artes y Cine de animación. Artista irónico e innovador, si afirmó con películas como “Haïku”, “Bayan Bana Bak Bayan” y “Déjà Vu”.
Su último corto de animación “Do it yourself”, es un irónico manual de tortura para el uso de pequeños y grandes. Poniendo pescado en escena, la película enseña, de manera “entretenida y educativa,” cuándo y cómo se aplican las peores torturas, desde la simple intimidación a la violencia física y psicológica. Para realizarlo, su director se inspiró en un verdadero manual de tortura preparado por la CIA en los años Setenta para las dictaduras en América Latina. (via)
Do-It-Yourself (2007 Extrait 1)
Do-It-Yourself (2007 Extrait 2)
Déjà Vu (2004)
Souvenirs (2006)
Bayan Bana Bak Bayan (2001)
Procession, etc (1994)
6 Haïku I (1998)
6 Haïku II (1998)
WEB de Eric Ledune
Su último corto de animación “Do it yourself”, es un irónico manual de tortura para el uso de pequeños y grandes. Poniendo pescado en escena, la película enseña, de manera “entretenida y educativa,” cuándo y cómo se aplican las peores torturas, desde la simple intimidación a la violencia física y psicológica. Para realizarlo, su director se inspiró en un verdadero manual de tortura preparado por la CIA en los años Setenta para las dictaduras en América Latina. (via)
Do-It-Yourself (2007 Extrait 1)
Do-It-Yourself (2007 Extrait 2)
Déjà Vu (2004)
Souvenirs (2006)
Bayan Bana Bak Bayan (2001)
Procession, etc (1994)
6 Haïku I (1998)
6 Haïku II (1998)
WEB de Eric Ledune
Benoit Labaye
Are you into animation? If yes, then you are up for a treat. I don’t know where to start or how to explain it but this piece animation is just simply brilliant; not to mention the intensity that went behind the animation work, the use music, and how each movement expresses its own way to tell the story. All I have to say is just watch it in order to believe what this is about because it’s that that amazing. Mathieu Labaye has done an excellent job in creating a tribute to his father if only I wish I could have such animation skills and knowledge like him. I have included the original English translation in this post, so read over it before viewing the animation although please be very patient, it may have a slow start at the beginning. Merci! (via)
"Orgesticulanismus" 2008
Great tribute to his father Benoit Labaye, suffered from a multiple sclerosis at 29 years old. Benoit Labaye had been confined to a wheelchair since age 40 and died at 55 years old the 04.22.2006, as a result of a pneumonia.
"I think it's by the movement you appropriate your own life. By the freedom to come and go, to have gestures of love, tenderness, anger, whatever. When you are deprived of movements, as I am and as a lot of other people are, I think if you want to survive, you must reinvent the movement differently. And so what happens inside my head isn't purely brain, purely intellectual. It's a way of recreating an inner space which is also my freedom."
"When you live a severe handicap, when you live absolutely still, dependent, you live, in fact, something that can't be shared, that can't be easily expressed, which you can't easily talk about. Because when two people talk, to be able to understand each other, they need to have a minimum of common experience between them, to speak of something they both know from some form of experience."
"Sure, the stillness, the handicap, brings you to the conclusion and to the gradual acceptance that there's a certain number of things that you can't do. But conversely I think it opens a whole bunch of new possibilities, notably with inner freedom, inner space, but also with the way you can come in contact, in relation with others.
I think there is in the handicap, in the disease, a lot of potentiality. The human being is inexhaustible at the level of desire, of energy, of inner strength. Ans it's something you discover with maybe more urge, more intensity, when you're deprived of movement." (via)
"Orgesticulanismus" 2008
Great tribute to his father Benoit Labaye, suffered from a multiple sclerosis at 29 years old. Benoit Labaye had been confined to a wheelchair since age 40 and died at 55 years old the 04.22.2006, as a result of a pneumonia.
"I think it's by the movement you appropriate your own life. By the freedom to come and go, to have gestures of love, tenderness, anger, whatever. When you are deprived of movements, as I am and as a lot of other people are, I think if you want to survive, you must reinvent the movement differently. And so what happens inside my head isn't purely brain, purely intellectual. It's a way of recreating an inner space which is also my freedom."
"When you live a severe handicap, when you live absolutely still, dependent, you live, in fact, something that can't be shared, that can't be easily expressed, which you can't easily talk about. Because when two people talk, to be able to understand each other, they need to have a minimum of common experience between them, to speak of something they both know from some form of experience."
"Sure, the stillness, the handicap, brings you to the conclusion and to the gradual acceptance that there's a certain number of things that you can't do. But conversely I think it opens a whole bunch of new possibilities, notably with inner freedom, inner space, but also with the way you can come in contact, in relation with others.
I think there is in the handicap, in the disease, a lot of potentiality. The human being is inexhaustible at the level of desire, of energy, of inner strength. Ans it's something you discover with maybe more urge, more intensity, when you're deprived of movement." (via)
Delphine Hermans
"L'enveloppe jaune" 2008
Delphine Hermans 's short-movie. Production : Camera-etc, Belgium (Liège) : http://www.camera-etc.be (Prix du Jury du Concours de Projets du Festival d'Annecy 2006 )
Anna vit seule avec son chien dans une petite maison de cité et s'ennuie. Elle espère rompre sa solitude avec Paul, une poupée gonflable. Pour sauver Paul des griffes de son chien jaloux, Anna est obligée de sortir de chez elle. Elle se rend compte que la poupée gonflable ne résoudra pas son besoin de contacts et parle enfin à quelqu'un: son facteur.
CREDITS :
-------------
SCRIPT AND DIRECTION : Delphine Hermans
ORIGINAL MUSIC : Garrett List
PRODUCER : Jean-Luc Slock
PRODUCTION : Camera-etc
In partnership with Marc et Serge Umé (Digital Graphics)
Jean-Luc Slock
Jean-Luc Slock is Belgian although he was born in 1956 in Köln, Germany. He founded and since 1979 has led the workshop "Camera Enfants Admis", nowadays "Camera-etc", based inLiège. This 10 people animation studio has been granted aid by the Cinema Department of the French speaking community in Belgium for over 25 years.
Jean-Luc Slock is producing animation films with beginners and young authors. The films develop mainly topical subjects like citizenship, environment, health, cultural heritage.
The "Camera-etc" productions allow the participants to express themselves in a creative process and to learn about media language. A fair number of the films are screened in international festivals, worldwide broadcasted, and even awarded.
Member of the ASIFA, "Camera-etc" takes part in international cooperation activities: exchanges, partnerships (Bosnia, Italy, Portugal, Russia, Canada, Brasil, Vietnam, Africa.), and coproductions with international television companies. Camera-etc has also created an sister association in Ouagadougou, Burkina Faso, called "Camera & Consorts".
"Un monde pour Tom " 2005
"Max, entre ciel et terre" 2004
http://www.camera-etc.be/
Jean-Luc Slock is producing animation films with beginners and young authors. The films develop mainly topical subjects like citizenship, environment, health, cultural heritage.
The "Camera-etc" productions allow the participants to express themselves in a creative process and to learn about media language. A fair number of the films are screened in international festivals, worldwide broadcasted, and even awarded.
Member of the ASIFA, "Camera-etc" takes part in international cooperation activities: exchanges, partnerships (Bosnia, Italy, Portugal, Russia, Canada, Brasil, Vietnam, Africa.), and coproductions with international television companies. Camera-etc has also created an sister association in Ouagadougou, Burkina Faso, called "Camera & Consorts".
"Un monde pour Tom " 2005
"Max, entre ciel et terre" 2004
http://www.camera-etc.be/
Valérie Pirson
Nacida en Bélgica y graduada en la Escuela Nacional Superior de Artes. Se ha desempeñado como Directora, Guionista, Directora de fotografía e imagen, Ingeniera de sonido y Montadora. Su trabajo se caracteriza por el uso de recursos visuales muy "artesanales" que le imprimen a su lenguaje mucha plasticidad y calidez. (via)
"Pistache" (2004)
One of the rising stars of the new generation of stop motion animation directors is Valerie Pirson, born in 1981. She was "discovered" by Michel Gondry - one of the innovators of the visual language of music videos of the late 1990s and early 2000s. Gondry is probably most famous for his highly imaginative promos for Björk, in which he often combined live action and stop motion animation. When Gondry saw Valerie's graduation animation film Pistache, he liked it so much, he asked her to work on the The Science of Sleep - his second feature. The film is laden with original animation sequences that are a joy to watch. Valerie created the animations for “Stephane TV”, the imaginary TV show of the protagonist. “Michel Gondry gave me carte blanche. He just outlined the story,” notes Valerie, who was still in school, about to complete her degree course in Visual and Graphic Arts at the National School of Decorative Arts in Paris, Ensad, when she embarked on Gondry's project.
Sounds like a best-case scenario for any young animator. Gondry also introduced Valerie to Partizan, the French agency that produces music videos and commercials. (via)
MON COEUR (2003)
Pretty Cool People Interviews:
ENTREVISTA a Valérie Pirson
por Alexis Hunot
Alexis Hunot : Quel parcours as-tu effectué avant d’entrer à l’ENSAD ?
Valérie Pirson : Après un bac scientifique j’ai fait une année de prépa pendant laquelle j’ai pu créer ce qui était ma vraie passion. C’était génial, j’avais envie d’apprendre.
D’ailleurs on sent l’influence de la science dans ton film, notamment dans le tableau de chimie…
En effet je me suis amusée avec ça, il faut dire que mes parents sont docteurs en chimie, c’est donc un petit clin d’œil familial !
Et… pourquoi l’ENSAD ?
En fait j’ai fait beaucoup de concours pour rentrer dans les grandes écoles, et c’est plutôt eux qui m’ont choisie finalement !
Quelles sont les particularités de l’enseignement à l’ENSAD ?
L’avantage à l’ENSAD, c’est qu’on y fait des tas de choses. Les deux premières années on touche à tout : photo, vidéo, maquettes, scénographie… En plus ma deuxième année - qui s’appelait « traverse » - était un peu spéciale. Toute l’équipe de profs voulait que l’espace et l’image continuent à communiquer. Cette année a été passionnantes dans le sens où on passait d’un enseignement à l’autre, ce qui était très enrichissant. Ensuite il a fallu se spécialiser. Et là de nombreuses sections se sont présentées à moi. J’étais dans l’incapacité de choisir, j’ai donc choisi la section qui me permettait de continuer de faire le plus de choses possible en même temps, et c’est l’animation qui est ressortie. Ce qui m’intéressait c’était que l’animation était un art très complet : il faut écrire une histoire, il y a aussi un côté plastique, une infinité de techniques (volume, dessins…). Je n’avais jamais fait d’animation avant, mais en parlant avec des élèves je me suis rendue compte que ça pouvait me correspondre. J’ai commencé avec l’angoisse de me planter, mais je me suis rapidement amusée et j’ai fini par y trouver mon compte.
…donc ce n’est pas le fait de voir de l’animation qui t’a donné envie d’en faire…
En effet j’ai vu très peu de films d’animation avant, ce n’est pas ça qui m’a donné l’envie. J’étais plutôt impressionnée par le champ créatif qu’amenait ce cinéma.
Pour Pistache, la technique est venue avant l’histoire… ?
Eh bien non, puisqu’au début j’ai commencé à écrire des tas de petites saynètes métaphysiques, et l’esthétique que j’avais en tête ne devait pas du tout ressembler à ça : il devait être en volume avec uniquement des objets, pas de personnages.
…on aurait pu pourtant imaginer que ce qui t’avait plu était avant tout le mélange des techniques et des matières…
Justement pendant l’année « traverse » et aux Arts-Déco en général, ils nous font beaucoup réfléchir en fonction de notre projet, et après on a chacun notre façon de travailler. Quand je commence un projet comme Pistache je passe énormément de temps à réfléchir. Il y a une période généralement assez dure, et pour ce film particulièrement puisque c’était le projet final où je me retrouvais seule face à mon travail. On avait une année entière pour le réaliser. Le thème que j’ai choisi, « le sujet des sentiments », je l’avais déjà travaillé et je m’en sentais assez proche. L’idée même de travailler sur l’humain, de capturer des émotions avec des images me plait énormément. Pouvoir mettre des images sur l’impalpable, sur des choses enfouies en nous… Le sujet m’est réellement venu avant la technique. Et une fois que j’avais bien cerné mon sujet, la technique m’est venue assez naturellement.
D’ailleurs l’une des grandes réussites de ton film c’est sa portée émotionnelle…
Je suis ravie que le film touche les gens. C’est un sujet difficile. Ce que je voulais mettre en avant, c’était que tout personne quelle qu’elle soit n’est pas constante dans le temps. Elle se trouve dans des états variables, ce qui induit de multiples questionnements. Plus que des sentiments, c’était des états psychologiques que je voulais mettre en scène. Il me fallait les cerner de manières différentes, mais je ne voulais pas que ça tombe dans la facilité par le biais des expressions faciales. J’ai cherché à les exprimer par trois biais : d’abord celui du quotidien qui est la partie visible de l’iceberg, c’est-à-dire tout ce qu’on fait, sa façon d’être dans la vie de tous les jours, ce qui est contrôlé mais qui trahit quand même des émotions interieures. Après il y a l’aspect métaphorique, c’est ce que j’ai comme image dans la tête quand je ressens quelque chose. Et puis le troisième univers c’est celui avec le personnage de De Vinci, qui lui, représente le rapport qu’on a face à nos propres émotions et cette volonté d’agir et de les contrôler, de poser des théories pour nous rassurer, c’est également ces boîtes dans lesquelles on essaye de mettre ce qu’on ressent.
Le film se découpe donc en trois modèles esthétiques, comment les as-tu articulés ?
Le premier modèle que j’ai trouvé est celui du quotidien, c’est ce qui se passe dans la maison. J’aime capter tous ces petits gestes de tous les jours. J’avais envie qu’en voyant les situations du personnage le spectateurs se dise « Ah ouais ça ça m’arrive tout le temps ! ». Et comme j’aime beaucoup observer les gens, je m’attache à ces petits détails. Pour toutes ces scènes là j’avais envie d’un côté très confiné, j’étais partie dans l’idée du flou, un peu comme un souvenir, j’avais une image en tête de cet intérieur. J’ai fait quelques essais et je suis très vite arrivée au retro-éclairage. Les décors sont entièrement éclairés par dessous, c’est pour cette raison que j’ai choisi des matières transparentes. Pendant un an, dès que je tombais sur une matière qui m’intéressait je l’exposais à la lumière pour voir le résultat. Au final, ce sont des vieux papiers, des photos, des tas de choses que j’ai utilisées pour le décor, et pour mon personnage j’ai essayé différentes matières. Au début je ne voulais pas de papier découpé parce que j’avais peur que l’animation fasse trop « pantin », mais finalement le style s’est tout de même imposé !! Le personnage est donc en papier découpé. Il est retro-éclairé en contre-jour noir, le visage est une petite aquarelle et les cheveux sont en scotch, avec une petite lumière qui vient pointer dessus !
Ensuite, pour la partie cartésienne, je voulais quelque chose qui tranche. Comme j’avais beaucoup d’univers, entre le quotidien, le cartésien et les métaphores, il ne fallait pas qu’on les confonde. C’est pour cette raison que j’ai choisi le personnage de De Vinci qui est la représentation universelle de l’homme.
Etant donné que j’aime beaucoup les petits objets, les matières vivantes, les choses « crades », pour le personnage de De Vinci j’ai essayé de contrôler un peu et de faire le plus froid possible – enfin au début puisqu’au fur et à mesure il se salit…- Pour ce personnage je me suis inspirée des schémas scientifiques, de l’équilibre physique et des formules chimiques qui à certains moments pourraient bien nous arranger afin que les sentiments soient applicables comme des formules.
La troisième partie représente les métaphores. Je m’étais amusée à faire un répertoire de tous les sentiments, et trouver un objet qui corresponde à chacun d’eux, qui puisse les représenter. J’avais juste à me concentrer sur ces émotions et une image me venait. Par exemple à certains moments dans mon film, ce que le personnage ressent à l’intérieur agit dans l’univers du quotidien. Ainsi, les pinces croco représentent les invités, et c’est précisément ce qu’elle ressent en son fort intérieur à ce moment là.
...ce qui permet à l'image de coller avec justesse au propos…
En fait quand j’ai écrit mon film, j’ai essayé d’être au plus près de mon sujet, et j’ai repensé à beaucoup de conversations que j’ai eues avec des gens. Je crois qu’on a tous des bribes de conversations, des moments de communication qui restent gravés très longtemps, des phrases qu’on retient, qui nous marquent, et qui participent à notre évolution. Pour me permettre de mieux avancer dans ce film je me suis amusée à aller retrouver ces personnes, à re-provoquer ces discussions et à les approfondir. Finalement j’ai demandé à beaucoup de gens, des amis, de la famille, de différents âges, comment ils ressentaient ce rapport avec leurs propres émotions. Car c’est une chose dont on parle rarement.
Après ce beau coup d’essai, peux-tu nous dire ce que tu envisages pour l’avenir ?
Je ne suis pas prête à travailler dans l’animation pour travailler dans l’animation absolument. J’aime faire des tas de choses, et si je devais continuer, ça serait des petits films d’auteur comme on dit, ou alors avec peu de collaborateurs, de toute façon il faudrait que cela reste intime. Je pense que je resterai fidèle à la technique du banc-titre, car ça ressemble à un théâtre à petite échelle dans lequel tu racontes une histoire. C’est ce qui m’intéresse avant tout.
"Pistache" (2004)
One of the rising stars of the new generation of stop motion animation directors is Valerie Pirson, born in 1981. She was "discovered" by Michel Gondry - one of the innovators of the visual language of music videos of the late 1990s and early 2000s. Gondry is probably most famous for his highly imaginative promos for Björk, in which he often combined live action and stop motion animation. When Gondry saw Valerie's graduation animation film Pistache, he liked it so much, he asked her to work on the The Science of Sleep - his second feature. The film is laden with original animation sequences that are a joy to watch. Valerie created the animations for “Stephane TV”, the imaginary TV show of the protagonist. “Michel Gondry gave me carte blanche. He just outlined the story,” notes Valerie, who was still in school, about to complete her degree course in Visual and Graphic Arts at the National School of Decorative Arts in Paris, Ensad, when she embarked on Gondry's project.
Sounds like a best-case scenario for any young animator. Gondry also introduced Valerie to Partizan, the French agency that produces music videos and commercials. (via)
MON COEUR (2003)
Pretty Cool People Interviews:
ENTREVISTA a Valérie Pirson
por Alexis Hunot
Alexis Hunot : Quel parcours as-tu effectué avant d’entrer à l’ENSAD ?
Valérie Pirson : Après un bac scientifique j’ai fait une année de prépa pendant laquelle j’ai pu créer ce qui était ma vraie passion. C’était génial, j’avais envie d’apprendre.
D’ailleurs on sent l’influence de la science dans ton film, notamment dans le tableau de chimie…
En effet je me suis amusée avec ça, il faut dire que mes parents sont docteurs en chimie, c’est donc un petit clin d’œil familial !
Et… pourquoi l’ENSAD ?
En fait j’ai fait beaucoup de concours pour rentrer dans les grandes écoles, et c’est plutôt eux qui m’ont choisie finalement !
Quelles sont les particularités de l’enseignement à l’ENSAD ?
L’avantage à l’ENSAD, c’est qu’on y fait des tas de choses. Les deux premières années on touche à tout : photo, vidéo, maquettes, scénographie… En plus ma deuxième année - qui s’appelait « traverse » - était un peu spéciale. Toute l’équipe de profs voulait que l’espace et l’image continuent à communiquer. Cette année a été passionnantes dans le sens où on passait d’un enseignement à l’autre, ce qui était très enrichissant. Ensuite il a fallu se spécialiser. Et là de nombreuses sections se sont présentées à moi. J’étais dans l’incapacité de choisir, j’ai donc choisi la section qui me permettait de continuer de faire le plus de choses possible en même temps, et c’est l’animation qui est ressortie. Ce qui m’intéressait c’était que l’animation était un art très complet : il faut écrire une histoire, il y a aussi un côté plastique, une infinité de techniques (volume, dessins…). Je n’avais jamais fait d’animation avant, mais en parlant avec des élèves je me suis rendue compte que ça pouvait me correspondre. J’ai commencé avec l’angoisse de me planter, mais je me suis rapidement amusée et j’ai fini par y trouver mon compte.
…donc ce n’est pas le fait de voir de l’animation qui t’a donné envie d’en faire…
En effet j’ai vu très peu de films d’animation avant, ce n’est pas ça qui m’a donné l’envie. J’étais plutôt impressionnée par le champ créatif qu’amenait ce cinéma.
Pour Pistache, la technique est venue avant l’histoire… ?
Eh bien non, puisqu’au début j’ai commencé à écrire des tas de petites saynètes métaphysiques, et l’esthétique que j’avais en tête ne devait pas du tout ressembler à ça : il devait être en volume avec uniquement des objets, pas de personnages.
…on aurait pu pourtant imaginer que ce qui t’avait plu était avant tout le mélange des techniques et des matières…
Justement pendant l’année « traverse » et aux Arts-Déco en général, ils nous font beaucoup réfléchir en fonction de notre projet, et après on a chacun notre façon de travailler. Quand je commence un projet comme Pistache je passe énormément de temps à réfléchir. Il y a une période généralement assez dure, et pour ce film particulièrement puisque c’était le projet final où je me retrouvais seule face à mon travail. On avait une année entière pour le réaliser. Le thème que j’ai choisi, « le sujet des sentiments », je l’avais déjà travaillé et je m’en sentais assez proche. L’idée même de travailler sur l’humain, de capturer des émotions avec des images me plait énormément. Pouvoir mettre des images sur l’impalpable, sur des choses enfouies en nous… Le sujet m’est réellement venu avant la technique. Et une fois que j’avais bien cerné mon sujet, la technique m’est venue assez naturellement.
D’ailleurs l’une des grandes réussites de ton film c’est sa portée émotionnelle…
Je suis ravie que le film touche les gens. C’est un sujet difficile. Ce que je voulais mettre en avant, c’était que tout personne quelle qu’elle soit n’est pas constante dans le temps. Elle se trouve dans des états variables, ce qui induit de multiples questionnements. Plus que des sentiments, c’était des états psychologiques que je voulais mettre en scène. Il me fallait les cerner de manières différentes, mais je ne voulais pas que ça tombe dans la facilité par le biais des expressions faciales. J’ai cherché à les exprimer par trois biais : d’abord celui du quotidien qui est la partie visible de l’iceberg, c’est-à-dire tout ce qu’on fait, sa façon d’être dans la vie de tous les jours, ce qui est contrôlé mais qui trahit quand même des émotions interieures. Après il y a l’aspect métaphorique, c’est ce que j’ai comme image dans la tête quand je ressens quelque chose. Et puis le troisième univers c’est celui avec le personnage de De Vinci, qui lui, représente le rapport qu’on a face à nos propres émotions et cette volonté d’agir et de les contrôler, de poser des théories pour nous rassurer, c’est également ces boîtes dans lesquelles on essaye de mettre ce qu’on ressent.
Le film se découpe donc en trois modèles esthétiques, comment les as-tu articulés ?
Le premier modèle que j’ai trouvé est celui du quotidien, c’est ce qui se passe dans la maison. J’aime capter tous ces petits gestes de tous les jours. J’avais envie qu’en voyant les situations du personnage le spectateurs se dise « Ah ouais ça ça m’arrive tout le temps ! ». Et comme j’aime beaucoup observer les gens, je m’attache à ces petits détails. Pour toutes ces scènes là j’avais envie d’un côté très confiné, j’étais partie dans l’idée du flou, un peu comme un souvenir, j’avais une image en tête de cet intérieur. J’ai fait quelques essais et je suis très vite arrivée au retro-éclairage. Les décors sont entièrement éclairés par dessous, c’est pour cette raison que j’ai choisi des matières transparentes. Pendant un an, dès que je tombais sur une matière qui m’intéressait je l’exposais à la lumière pour voir le résultat. Au final, ce sont des vieux papiers, des photos, des tas de choses que j’ai utilisées pour le décor, et pour mon personnage j’ai essayé différentes matières. Au début je ne voulais pas de papier découpé parce que j’avais peur que l’animation fasse trop « pantin », mais finalement le style s’est tout de même imposé !! Le personnage est donc en papier découpé. Il est retro-éclairé en contre-jour noir, le visage est une petite aquarelle et les cheveux sont en scotch, avec une petite lumière qui vient pointer dessus !
Ensuite, pour la partie cartésienne, je voulais quelque chose qui tranche. Comme j’avais beaucoup d’univers, entre le quotidien, le cartésien et les métaphores, il ne fallait pas qu’on les confonde. C’est pour cette raison que j’ai choisi le personnage de De Vinci qui est la représentation universelle de l’homme.
Etant donné que j’aime beaucoup les petits objets, les matières vivantes, les choses « crades », pour le personnage de De Vinci j’ai essayé de contrôler un peu et de faire le plus froid possible – enfin au début puisqu’au fur et à mesure il se salit…- Pour ce personnage je me suis inspirée des schémas scientifiques, de l’équilibre physique et des formules chimiques qui à certains moments pourraient bien nous arranger afin que les sentiments soient applicables comme des formules.
La troisième partie représente les métaphores. Je m’étais amusée à faire un répertoire de tous les sentiments, et trouver un objet qui corresponde à chacun d’eux, qui puisse les représenter. J’avais juste à me concentrer sur ces émotions et une image me venait. Par exemple à certains moments dans mon film, ce que le personnage ressent à l’intérieur agit dans l’univers du quotidien. Ainsi, les pinces croco représentent les invités, et c’est précisément ce qu’elle ressent en son fort intérieur à ce moment là.
...ce qui permet à l'image de coller avec justesse au propos…
En fait quand j’ai écrit mon film, j’ai essayé d’être au plus près de mon sujet, et j’ai repensé à beaucoup de conversations que j’ai eues avec des gens. Je crois qu’on a tous des bribes de conversations, des moments de communication qui restent gravés très longtemps, des phrases qu’on retient, qui nous marquent, et qui participent à notre évolution. Pour me permettre de mieux avancer dans ce film je me suis amusée à aller retrouver ces personnes, à re-provoquer ces discussions et à les approfondir. Finalement j’ai demandé à beaucoup de gens, des amis, de la famille, de différents âges, comment ils ressentaient ce rapport avec leurs propres émotions. Car c’est une chose dont on parle rarement.
Après ce beau coup d’essai, peux-tu nous dire ce que tu envisages pour l’avenir ?
Je ne suis pas prête à travailler dans l’animation pour travailler dans l’animation absolument. J’aime faire des tas de choses, et si je devais continuer, ça serait des petits films d’auteur comme on dit, ou alors avec peu de collaborateurs, de toute façon il faudrait que cela reste intime. Je pense que je resterai fidèle à la technique du banc-titre, car ça ressemble à un théâtre à petite échelle dans lequel tu racontes une histoire. C’est ce qui m’intéresse avant tout.
Joel Simon
Joel Simon nació en Bélgica y es el fundador de Flickerpix Ltd., un estudio de animación stop-motion de Belfast que produce series de televisión, cortometrajes y anuncios. Joel ha dirigido varias películas de animación entre las que se encuentran Second Helpings (1999) y Ciderpunks (1997), y ha producido The Groom Room para la cadena norirlandesa UTV (Premio Gold, Premios PANI, 2002).(via)
"Horn OK Please" (2005)
"Days Like This - The Big Match"
"The Big Match", directed by Joel Simon, depicts a man's recollection of a special day in his childhood.The interviewed man describes events which took place in the eighties in Dublin, Ireland.The film uses animated archive video footage and photographs to bring this personal story to life.Music was written and performed by the Brian Irvine Ensemble.Animation is in Adobe After Effects, Softimage and Toon Boom. (via)
"Horn OK Please" (2005)
"Days Like This - The Big Match"
"The Big Match", directed by Joel Simon, depicts a man's recollection of a special day in his childhood.The interviewed man describes events which took place in the eighties in Dublin, Ireland.The film uses animated archive video footage and photographs to bring this personal story to life.Music was written and performed by the Brian Irvine Ensemble.Animation is in Adobe After Effects, Softimage and Toon Boom. (via)
Nicole Van Goethem
Nicole Van Goethem (née à Anvers en 1941, décédée à Anvers le 3 mars 2000) est une dessinatrice et réalisatrice de dessins animés de renommée internationale.
Son premier court métrage s'intitule "Une tragédie grecque" et sort en 1985. Il reçoit le grand prix du festival d'animation d'Annecy ainsi que l'Oscar du meilleur film d'animation, en 1986, à Hollywood.
En 1987, elle réalise un autre court métrage, "Pleine de Grâce", suivi en 1988 par "Human Rights Article 13".
Elle poursuit également sa carrière de dessinatrice, pour laquelle elle obtient de nombreux prix.
Sa dernière production est un dessin animé avec effets en 3D, "Living apart together", qu'elle était sur le point d'achever, avant de décéder inopinément. (via)
"A Greek Tragedy" (1985)
Son premier court métrage s'intitule "Une tragédie grecque" et sort en 1985. Il reçoit le grand prix du festival d'animation d'Annecy ainsi que l'Oscar du meilleur film d'animation, en 1986, à Hollywood.
En 1987, elle réalise un autre court métrage, "Pleine de Grâce", suivi en 1988 par "Human Rights Article 13".
Elle poursuit également sa carrière de dessinatrice, pour laquelle elle obtient de nombreux prix.
Sa dernière production est un dessin animé avec effets en 3D, "Living apart together", qu'elle était sur le point d'achever, avant de décéder inopinément. (via)
"A Greek Tragedy" (1985)
Raoul Servais
Las obras de Raoul Servais ( Bélgica, 1928 ) son auténticas joyas de la animación. Toda una institución en la animación, no sólo destaca por su actividad creativa, sino porque también ha sido el creador del primer Departamento de Cine de Animación de Europa en la Académie Royale des Beaux-Arts de Gante (Bélgica).
Influido por los desastres de la II Guerra Mundial y la opresión de la ocupación nazi, la magia de sus animaciones muestra su visión ética del mundo. Individuos oprimidos y enfrentados a situaciones complejas, formas orgánicas rodeadas de estructuras geométricas y de la arquitectura típicamente belga.
Su obra ha sido reconocida por la crítica y reiteradamente ha recibido premios tan importantes como la Palma de Oro en el Festival de Cannes, Primer Premio en el Festival de Venecia; el Gran Premio y el Premio Internacional de la Crítica en el Festival de Annecys y el Premio Especial del Jurado en el Festival de Valladolid.(via)
Papillons de nuit (1997) Extracto con otra música.
Atraksion (2001)
Harpya (1979)
Pegasus (1973)
Sirene (1968)
www.raoulservais
wikipedia
Influido por los desastres de la II Guerra Mundial y la opresión de la ocupación nazi, la magia de sus animaciones muestra su visión ética del mundo. Individuos oprimidos y enfrentados a situaciones complejas, formas orgánicas rodeadas de estructuras geométricas y de la arquitectura típicamente belga.
Su obra ha sido reconocida por la crítica y reiteradamente ha recibido premios tan importantes como la Palma de Oro en el Festival de Cannes, Primer Premio en el Festival de Venecia; el Gran Premio y el Premio Internacional de la Crítica en el Festival de Annecys y el Premio Especial del Jurado en el Festival de Valladolid.(via)
Papillons de nuit (1997) Extracto con otra música.
Atraksion (2001)
Harpya (1979)
Pegasus (1973)
Sirene (1968)
www.raoulservais
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