A TALE WITH AN ANGEL (2004)
Road Complaints (2006)
"THE HEAVENLY SWINGS" (2008)
Mostrando entradas con la etiqueta -Rusia. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta -Rusia. Mostrar todas las entradas
Dmitry Palagin
Filmografía en ANIMATOR.RU .
A TALE WITH AN ANGEL (2004)
Road Complaints (2006)
"THE HEAVENLY SWINGS" (2008)
A TALE WITH AN ANGEL (2004)
Road Complaints (2006)
"THE HEAVENLY SWINGS" (2008)
Sergey Gordeev
Nació en 1970 en Moscú. Ha trabajado para el estudio Varga (Budapest) como director, director de animación y artista layout en la serie Mr. Bean; y para el estudio Folimage (Valence, Francia) como director de animación del largometraje La Prophetie des Grenouilles. Es el director de animación de la serie Kipper, y el director de películas como Pilot Brothers Are Fond of Hunting, A Fox Orphan, Sheidulla The Lazy Man y A Big Cock (del proyecto Mount of Gems) entre otras.(via)
“Poor Yorick” (El pobre Yorick) (2007)
"A Fox Orphan" (2004)
"LAZY SHEIDULLA" Film from series «MOUNTAIN OF GEMS» (2004)
ANIMATOR.RU
Portafolio de Gordeev.
“Poor Yorick” (El pobre Yorick) (2007)
"A Fox Orphan" (2004)
"LAZY SHEIDULLA" Film from series «MOUNTAIN OF GEMS» (2004)
ANIMATOR.RU
Portafolio de Gordeev.
Ivan Ivanov-Vano
Nacido el 08 de Febrero de 1900 - Moscú, Rusia y fallecido en Moscú, el 20 de Mayo de 1987.
El Caballito Jorobado (Konek-Gorbunok, 1976) quizás sea la obra maestra de su director Ivan Ivanov-Vano, injustamente desconocido en occidente Ivanov-Vano es uno de los mas grandes directores de animación de todos los tiempos, considerado el Walt Disney de la animación Rusa por realizar, como este, adaptaciones de cuentos populares. Lo sorprendente del desconocimiento de Ivanov-Vano es que en su obra hay un evidente interés por llegar al gran público, es decir, es una obra perfectamente accesible para públicos de cualquier edad y condición.
Sirvan estos dos ejemplos para tratar de entender cual es la importancia real de Ivanov-Vano dentro de la animación mundial:
Hayao Miyazaki, en unas declaraciones confiesa que no le gustan las películas de Disney. Cita como sus influencias esenciales al francés Paul Grimault y al soviético Ivan Ivanov Vano, así como al largometraje japonés Hakujaden (1958).
Isao Takahata, preguntado sobre las películas que le han marcado cita a dos hitos de la animación Rusa “El caballito Jorobado” de Iván-Ivanov y “La Reina de las Nieves” de Lev Atamanov. (via)
"Seasons" (1969) Directed by Ivan Ivanov-Vano and Yuri Norstein.
La Batalla de Kerzhenets Por David Flórez
En la historia de los países del este de Europa, hablemos de Polonia, de Hungría, de Serbia, de Bulgaria o de Rusia, existe un mito fundacional común, o mejor dicho dos mitos fundacionales que se mezclan entre sí, sin los cuales es imposible entender la forma en que Europa Oriental se ve a sí misma... y ve a Europa Occidental.
Por un lado, está la consciencia de pertenecer a Europa, de ser el baluarte de Europa, el rompeolas contra el cual se han estrellado oleada tras oleada de bárbaros, aun cuando algunos de estos pueblos orientales fueran, en origen, parte de estos bárbaros, gente de fuera de la frontera, una frontera que sólo se trasladó más al este tras el asentamiento y civilización de estos pueblos. Pueblos bárbaros, pueblos enemigos, por tanto, cuyo nombre ha cambiado de nombre a lo largo del tiempo (germanos, hunos, eslavos, ávaros, jázaros, húngaros, búlgaros, cumanos, pechenegos) y que, en la última versión, la construida en los siglos XIV y XV, se ha encarnado en turcos y tártaros. Unas invasiones que han conseguido finalmente doblegar a estos países fronterizos de Europa, los Balcanes en el caso turco, Rusia en el caso tártaro, pero en cuya conquista han perdido las fuerzas, permitiendo el sacrificio de estos países fronterizos que Europa Occidental continuase su evolución sin interrupciones externas.
Por otra parte, se halla asimismo la consciencia de que ese sacrificio nunca ha sido reconocido. Mucho peor, que Europa Occidental nunca ha pensado en Europa Oriental como un igual, sino como un inferior, como pueblos y naciones indistinguibles de los bárbaros que aguardaban al otro lado de la frontera, gentes extrañas y sin civilizar que sólo merecían la conquista, la desaparición en el seno de la verdadera Europa... o el exterminio a manos de sus ejércitos, como habría de ocurrir en tiempos del tercer Reich y la guerra brutal desencadenada por Hitler.
Todo junto, o todo revuelto, si se prefiere, contribuye a que los países del este compartan una cierta cultura del pesimismo. En la historia, en el mito, en la tradición de esos países, no importan las batallas que se libren, no importan las guerras que se combatan. Al final la derrota es segura, sea a manos de los enemigos, los bárbaros, o de los amigos, el mundo civilizado. Lo único que queda, aún cuando sea un consuelo vacuo y huero, es el heroísmo, la certeza de haber luchado hasta el final, de no haberse rendido, aún sabiendo que el resultado, la derrota, estaba ya decidido de antemano.
El corto de Yuri Norstein (en colaboración con Ivan Ivanov-Vano) que se analiza aquí no es otra cosa que la narración de una de esas batallas olvidadas, una más en la que los ejércitos de, tal y como se llamaba antaño, la Santa Rusia marcharon hacia el este contra los enemigos provenientes de las estepas, los mongoles, que habían conquistado el mundo entero, diferentes en raza, lengua y religión, sólo para ser aplastados y destruidos.
Como corresponde a una leyenda, a un mito que hunde sus raíces en los más profundo de la historia y la cultura rusa, un tratamiento demasiado cartesiano y realista, o su opuesto, un tratamiento mas cool o flashy, tipo historieta o El señor de los Anillos, habría constituido una suerte de traición. Norstein y su equipo, por el contrario, optan por resaltar el ambiente de cuento, de mito, de algo viejo y querido, aprendido de niño, que se lleva consigo toda la vida pero que, al mismo tiempo, ya no pertenece al mundo en que se habita.
Para ello, los personajes, los edificios, los paisajes, han sido extraídos de iconos y frescos del medioevo ruso, incluyendo en los diseños las grietas que el tiempo produce en la pintura y las paredes, el difuminado del contorno de las figuras o la paleta antinatural y envejecida de los pintores de aquella época. Esta identificación de la pantalla con un espacio pictórico llega al extremo de adoptar la bidimensionalidad del icono y el fresco ruso, desprovisto de perspectiva realista, de manera que las figuras parecen deslizarse sobre la pantalla en vez de moverse libremente por ella, sin que los animadores se preocupen por disimular este aparente defecto.
En un caso que podríamos llamar extremo, durante una escena que tiene lugar en el interior de una catedral, con la puerta del templo en el centro de la pantalla y las líneas de fuga del edificio convergiendo en ella, se obliga a los personajes a deslizarse por las paredes sin que en ningún momento lleguen a cruzar el espacio arquitectónico. Un ejemplo de la irrealidad, la del mito y la leyenda, en la que voluntariamente los creadores han situado su historia.
Este aspecto de antiguo, de viejo, de mito soñado y recordado, se extiende al modo en que se narra y al modo en que se describen los personajes. La estructura narrativa en sí es muy simple, casi inexistente, aplicable e intercambiable a otras historias distintas, de tradiciones diferentes, como suele ocurrir en los mitos. Introducción - llamada de los héroes - despedida de los amantes - aparición del enemigo - batalla - derrota - milagro - apoteosis. Algo narrado ya muchas veces, casi con el mismo tempo y peripecias, pero que el estilo elegido exige que sea así, para que sea reconocido y aceptado por el espectador como perteneciente a su herencia, su educación y su patrimonio. Una decisión completamente distinta de la praxis flashy de hoy en día, donde sólo interesa mostrar que se es absolutamente nuevo y novedoso, sin influencias, tradiciones o pasado.
Si simple y aparentemente ingenua es la línea narrativa, no lo es menos la presentación de los personajes. Al dibujo, bello y noble, individualizado, rico en colores, de los héroes rusos, de sus mujeres, de sus gráciles y elegantes monturas, representando lo mejor y más noble de un país que está consignado prematuramente a la muerte y la destrucción, se opone la negrura de las hordas de tártaros, trazados cada uno con el mismo diseño, como una masa infinita, inagotable, donde es imposible distinguir rasgos humanos y cuyas monturas son una extraña mezcla de lobo y caballo, tan peligrosas y despiadadas como los propios jinetes, una masa de la cual no se puede esperar compasión ni piedad, una masa de ideas y costumbres extrañas e incompresibles, que nunca podrán ser asumidas, que sólo busca la destrucción y aniquilación de lo que es distinto a ella.
Con esta descripción, el resultado de la batalla está decidido de antemano. Sólo queda al espectador ver como, a pesar de toda resistencia, a pesar de las hazañas de los héroes, las líneas de defensa son rotas, simplemente por el incontable número de los enemigos, porque por cada uno que abatan diez más saldrán al encuentro. Así, una tras otra, cada unidad es separada de las otras y disuelta en la marea enemiga que, como en un maremoto, arrastra y abate todo lo que se le opone. Así, uno tras otro, los héroes van cayendo, momento que, de forma simple pero no menos dramática y efectiva, se señala por que su dibujo es borrado por manchas de pintura que aparecen repentinamente en la pantalla.
Hasta que lo único que queda en el campo de batalla son los muertos propios, sin que nada pueda impedir que los invasores, la masa infinita e inextinguible cuyo número no ha sido reducido por la batalla, se derramen por los campos, ocupen las ciudades, profanen los lugares sagrados, dispongan a su capricho de lo que no es suyo.
Es entonces cuando sucede el milagro al que nos referíamos en la estructura narrativa, cuando ya no queda nada que pueda detener a los bárbaros, son las sombras de los caídos las que forman una última muralla, ante la cual el enemigo vacila, retrocede y se desvanece... para dejar paso al gozo y la alegría, la apoteosis, de unas gentes y unas tierras finalmente en paz.
Milagro y apoteosis, no lo olvidemos, que nunca tuvieron lugar en la larga y cruenta historia de Europa Oriental.
Nota: Resulta curioso comprobar como en apenas unos minutos, este corto consigue lo que Jackson y su El señor de los Anillos no lograron en ¿9 horas? (via)
"Secha pri Kerzhentse - The Battle of Kerzhenets" (1971) Directed by Ivan Ivanov-Vano and Yuri Norstein.
Based on the 1907 opera of Rimsky-Korsakov. The film is set to music by Rimsky-Korsakov and uses Russian frescoes and paintings from the 14th-16th centuries (which are animated using 2-dimensional stop motion animation).
The Adventures of Buratino (Priklyucheniya Buratino, 1959)
A. k. a. "The New Adventures of Pinocchio", es una adaptación de la famosa novela de Tolstoy (Aleksei, no el otro) "La llave de oro" (1936) que era una especie de plagio de la novela de Collodi. Hasta muy recientemente el personaje de Tolstoy, Buratino (Burattino, que significa marioneta o muñeco) era más famoso en los países del Este que el mismísimo Pinocho, siendo adaptado al cine en diversas ocasiones desde la década de los 30. La última versión data de 1975 y se vió en España.
Esta versión de Ivan Ivanov-vano y sus discípulos Dimitri Babichenko y Mikhail Botov es el único largometraje de animación realizado hasta la fecha. La animación es bastante buena, con el cuidado marca de fábrica de la Soyuzmultfilm en aquella época.(via)
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 1/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 2/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 3/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 4/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 5/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 6/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 7/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 8/8
(Wikipedia, listado de sus películas.)
El Caballito Jorobado (Konek-Gorbunok, 1976) quizás sea la obra maestra de su director Ivan Ivanov-Vano, injustamente desconocido en occidente Ivanov-Vano es uno de los mas grandes directores de animación de todos los tiempos, considerado el Walt Disney de la animación Rusa por realizar, como este, adaptaciones de cuentos populares. Lo sorprendente del desconocimiento de Ivanov-Vano es que en su obra hay un evidente interés por llegar al gran público, es decir, es una obra perfectamente accesible para públicos de cualquier edad y condición.
Sirvan estos dos ejemplos para tratar de entender cual es la importancia real de Ivanov-Vano dentro de la animación mundial:
Hayao Miyazaki, en unas declaraciones confiesa que no le gustan las películas de Disney. Cita como sus influencias esenciales al francés Paul Grimault y al soviético Ivan Ivanov Vano, así como al largometraje japonés Hakujaden (1958).
Isao Takahata, preguntado sobre las películas que le han marcado cita a dos hitos de la animación Rusa “El caballito Jorobado” de Iván-Ivanov y “La Reina de las Nieves” de Lev Atamanov. (via)
"Seasons" (1969) Directed by Ivan Ivanov-Vano and Yuri Norstein.
La Batalla de Kerzhenets Por David Flórez
En la historia de los países del este de Europa, hablemos de Polonia, de Hungría, de Serbia, de Bulgaria o de Rusia, existe un mito fundacional común, o mejor dicho dos mitos fundacionales que se mezclan entre sí, sin los cuales es imposible entender la forma en que Europa Oriental se ve a sí misma... y ve a Europa Occidental.
Por un lado, está la consciencia de pertenecer a Europa, de ser el baluarte de Europa, el rompeolas contra el cual se han estrellado oleada tras oleada de bárbaros, aun cuando algunos de estos pueblos orientales fueran, en origen, parte de estos bárbaros, gente de fuera de la frontera, una frontera que sólo se trasladó más al este tras el asentamiento y civilización de estos pueblos. Pueblos bárbaros, pueblos enemigos, por tanto, cuyo nombre ha cambiado de nombre a lo largo del tiempo (germanos, hunos, eslavos, ávaros, jázaros, húngaros, búlgaros, cumanos, pechenegos) y que, en la última versión, la construida en los siglos XIV y XV, se ha encarnado en turcos y tártaros. Unas invasiones que han conseguido finalmente doblegar a estos países fronterizos de Europa, los Balcanes en el caso turco, Rusia en el caso tártaro, pero en cuya conquista han perdido las fuerzas, permitiendo el sacrificio de estos países fronterizos que Europa Occidental continuase su evolución sin interrupciones externas.
Por otra parte, se halla asimismo la consciencia de que ese sacrificio nunca ha sido reconocido. Mucho peor, que Europa Occidental nunca ha pensado en Europa Oriental como un igual, sino como un inferior, como pueblos y naciones indistinguibles de los bárbaros que aguardaban al otro lado de la frontera, gentes extrañas y sin civilizar que sólo merecían la conquista, la desaparición en el seno de la verdadera Europa... o el exterminio a manos de sus ejércitos, como habría de ocurrir en tiempos del tercer Reich y la guerra brutal desencadenada por Hitler.
Todo junto, o todo revuelto, si se prefiere, contribuye a que los países del este compartan una cierta cultura del pesimismo. En la historia, en el mito, en la tradición de esos países, no importan las batallas que se libren, no importan las guerras que se combatan. Al final la derrota es segura, sea a manos de los enemigos, los bárbaros, o de los amigos, el mundo civilizado. Lo único que queda, aún cuando sea un consuelo vacuo y huero, es el heroísmo, la certeza de haber luchado hasta el final, de no haberse rendido, aún sabiendo que el resultado, la derrota, estaba ya decidido de antemano.
El corto de Yuri Norstein (en colaboración con Ivan Ivanov-Vano) que se analiza aquí no es otra cosa que la narración de una de esas batallas olvidadas, una más en la que los ejércitos de, tal y como se llamaba antaño, la Santa Rusia marcharon hacia el este contra los enemigos provenientes de las estepas, los mongoles, que habían conquistado el mundo entero, diferentes en raza, lengua y religión, sólo para ser aplastados y destruidos.
Como corresponde a una leyenda, a un mito que hunde sus raíces en los más profundo de la historia y la cultura rusa, un tratamiento demasiado cartesiano y realista, o su opuesto, un tratamiento mas cool o flashy, tipo historieta o El señor de los Anillos, habría constituido una suerte de traición. Norstein y su equipo, por el contrario, optan por resaltar el ambiente de cuento, de mito, de algo viejo y querido, aprendido de niño, que se lleva consigo toda la vida pero que, al mismo tiempo, ya no pertenece al mundo en que se habita.
Para ello, los personajes, los edificios, los paisajes, han sido extraídos de iconos y frescos del medioevo ruso, incluyendo en los diseños las grietas que el tiempo produce en la pintura y las paredes, el difuminado del contorno de las figuras o la paleta antinatural y envejecida de los pintores de aquella época. Esta identificación de la pantalla con un espacio pictórico llega al extremo de adoptar la bidimensionalidad del icono y el fresco ruso, desprovisto de perspectiva realista, de manera que las figuras parecen deslizarse sobre la pantalla en vez de moverse libremente por ella, sin que los animadores se preocupen por disimular este aparente defecto.
En un caso que podríamos llamar extremo, durante una escena que tiene lugar en el interior de una catedral, con la puerta del templo en el centro de la pantalla y las líneas de fuga del edificio convergiendo en ella, se obliga a los personajes a deslizarse por las paredes sin que en ningún momento lleguen a cruzar el espacio arquitectónico. Un ejemplo de la irrealidad, la del mito y la leyenda, en la que voluntariamente los creadores han situado su historia.
Este aspecto de antiguo, de viejo, de mito soñado y recordado, se extiende al modo en que se narra y al modo en que se describen los personajes. La estructura narrativa en sí es muy simple, casi inexistente, aplicable e intercambiable a otras historias distintas, de tradiciones diferentes, como suele ocurrir en los mitos. Introducción - llamada de los héroes - despedida de los amantes - aparición del enemigo - batalla - derrota - milagro - apoteosis. Algo narrado ya muchas veces, casi con el mismo tempo y peripecias, pero que el estilo elegido exige que sea así, para que sea reconocido y aceptado por el espectador como perteneciente a su herencia, su educación y su patrimonio. Una decisión completamente distinta de la praxis flashy de hoy en día, donde sólo interesa mostrar que se es absolutamente nuevo y novedoso, sin influencias, tradiciones o pasado.
Si simple y aparentemente ingenua es la línea narrativa, no lo es menos la presentación de los personajes. Al dibujo, bello y noble, individualizado, rico en colores, de los héroes rusos, de sus mujeres, de sus gráciles y elegantes monturas, representando lo mejor y más noble de un país que está consignado prematuramente a la muerte y la destrucción, se opone la negrura de las hordas de tártaros, trazados cada uno con el mismo diseño, como una masa infinita, inagotable, donde es imposible distinguir rasgos humanos y cuyas monturas son una extraña mezcla de lobo y caballo, tan peligrosas y despiadadas como los propios jinetes, una masa de la cual no se puede esperar compasión ni piedad, una masa de ideas y costumbres extrañas e incompresibles, que nunca podrán ser asumidas, que sólo busca la destrucción y aniquilación de lo que es distinto a ella.
Con esta descripción, el resultado de la batalla está decidido de antemano. Sólo queda al espectador ver como, a pesar de toda resistencia, a pesar de las hazañas de los héroes, las líneas de defensa son rotas, simplemente por el incontable número de los enemigos, porque por cada uno que abatan diez más saldrán al encuentro. Así, una tras otra, cada unidad es separada de las otras y disuelta en la marea enemiga que, como en un maremoto, arrastra y abate todo lo que se le opone. Así, uno tras otro, los héroes van cayendo, momento que, de forma simple pero no menos dramática y efectiva, se señala por que su dibujo es borrado por manchas de pintura que aparecen repentinamente en la pantalla.
Hasta que lo único que queda en el campo de batalla son los muertos propios, sin que nada pueda impedir que los invasores, la masa infinita e inextinguible cuyo número no ha sido reducido por la batalla, se derramen por los campos, ocupen las ciudades, profanen los lugares sagrados, dispongan a su capricho de lo que no es suyo.
Es entonces cuando sucede el milagro al que nos referíamos en la estructura narrativa, cuando ya no queda nada que pueda detener a los bárbaros, son las sombras de los caídos las que forman una última muralla, ante la cual el enemigo vacila, retrocede y se desvanece... para dejar paso al gozo y la alegría, la apoteosis, de unas gentes y unas tierras finalmente en paz.
Milagro y apoteosis, no lo olvidemos, que nunca tuvieron lugar en la larga y cruenta historia de Europa Oriental.
Nota: Resulta curioso comprobar como en apenas unos minutos, este corto consigue lo que Jackson y su El señor de los Anillos no lograron en ¿9 horas? (via)
"Secha pri Kerzhentse - The Battle of Kerzhenets" (1971) Directed by Ivan Ivanov-Vano and Yuri Norstein.
Based on the 1907 opera of Rimsky-Korsakov. The film is set to music by Rimsky-Korsakov and uses Russian frescoes and paintings from the 14th-16th centuries (which are animated using 2-dimensional stop motion animation).
The Adventures of Buratino (Priklyucheniya Buratino, 1959)
A. k. a. "The New Adventures of Pinocchio", es una adaptación de la famosa novela de Tolstoy (Aleksei, no el otro) "La llave de oro" (1936) que era una especie de plagio de la novela de Collodi. Hasta muy recientemente el personaje de Tolstoy, Buratino (Burattino, que significa marioneta o muñeco) era más famoso en los países del Este que el mismísimo Pinocho, siendo adaptado al cine en diversas ocasiones desde la década de los 30. La última versión data de 1975 y se vió en España.
Esta versión de Ivan Ivanov-vano y sus discípulos Dimitri Babichenko y Mikhail Botov es el único largometraje de animación realizado hasta la fecha. La animación es bastante buena, con el cuidado marca de fábrica de la Soyuzmultfilm en aquella época.(via)
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 1/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 2/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 3/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 4/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 5/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 6/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 7/8
"Konyok-gorbunok -The Humpbacked Horse" (1976) 8/8
(Wikipedia, listado de sus películas.)
Valentin Karavaev
"Муму" Part 1/2 (1987)
"Муму" Part 2/2 (1987)
"A Wise Gudgeon" (1979)
Información de la obra de Karavaev en Animator.ru
Valentin Olshvang
Was born on August 19, 1961 in Yekaterinburg. In 1980 he graduated the theatre – decoration faculty at the Sverdlovsk art-college and he worked in the Theatre for Young Spectators in Yekaterinburg as the scene painter. In 1986 he graduated the Animation section at the Art faculty of the All-Union State Institute of the Cinematography (the V. Kurchevskii’s workshop) and in 1997 - the independent-animators section at the High Courses of the Screenwriters and Directors (U. Norshtein’s workshop). From 1985 he creates as the art director of the cartoon films at the Sverdlovsk’s studio of the artistic animation. Valentin is the author of the book “How do you like it?” (1994, London) and the participant of the multiple art exhibitions. He creates the cartoons since 1997, works as director, screenwriter, artist, scene painter, animator. Many of his compositions were awarded variety of prizes and awards.
The last film “About crayfish” (2003) won the Grand-Prix at the International Film Festival “KROK” in 2003, the Grand-Prix at the Film Festival of the Children Animation “The Golden Fish”, the Special Award at the International Film Festival “Cinanima” in Espinho and the Special Award at the All-Russia Festival of the Animated Films in Suzdal. (via)
"Про раков" Part 1/2
"Про раков" Part 2/2
The last film “About crayfish” (2003) won the Grand-Prix at the International Film Festival “KROK” in 2003, the Grand-Prix at the Film Festival of the Children Animation “The Golden Fish”, the Special Award at the International Film Festival “Cinanima” in Espinho and the Special Award at the All-Russia Festival of the Animated Films in Suzdal. (via)
"Про раков" Part 1/2
"Про раков" Part 2/2
Yelena Gavrilko
Il cortometraggio (GIRLFRIENDS), “dedicato agli amici che diamo per scontati”, parla della storia diuna amicizia contronatura tra un pesce ed un pescatore, un rapporto surreale esimbolico di grande forza emotiva e poetica. Si tratta dell'opera prima di YelenaGavrilko, ennesima esponente di un panorama che in Unione Sovietica ha espressomolte autorità al femminile.In quest'adattamento di un racconto americano tradizionale, la direttrice russa animada sola i suoi personaggi e questo consente uno stile uniforme ed abbastanzapersonale al film. Storia preziosa e delicata di un'amicizia poco convenzionale (temaprivilegiato in tutte le pellicole di Yelena Gavrilko, tutti tratti del resto da racconti"popolari") tra un pescatore ed un pesce, questo film si caratterizza per un esteticaapertamente iconica e sporca e tuttavia molto ricercata e riuscita: utilizzo di tempera edi feltro per la messa in colori dei disegni, una grafica uniforme tra le decorazioni ed idiversi personaggi (dalle caratteristiche molto "quadrate", quasi "cubiche")... Ma ciòche stupisce è il virtuosismo dell'animazione, soprattutto nei movimenti dellamacchina che risultano ampi e costanti creando una grande fluidità nello spazio.
Dal punto di vista narrativo la storia è apparentemente ciclica (l'inizio del filmsembra corrispondere alla sua conclusione), tuttavia alcuni particolari (la conchigliaportacenere rotta ad esempio) smentiscono questa impressione.
Le musiche del film sono tratte da Paul Winter. (via)
Союзмультфильм - Girlfriend (Soyuzmultfilm), (1989)
Dal punto di vista narrativo la storia è apparentemente ciclica (l'inizio del filmsembra corrispondere alla sua conclusione), tuttavia alcuni particolari (la conchigliaportacenere rotta ad esempio) smentiscono questa impressione.
Le musiche del film sono tratte da Paul Winter. (via)
Союзмультфильм - Girlfriend (Soyuzmultfilm), (1989)
Vadim Kurchevsky
Trabalhando nos Estúdios Soyutmultfilm, Kurchevsky produziu animações com técnicas usadas em filmes direcionados para crianças mas com uma temática mais séria, voltada para o público adulto (My green Crocodile, 1966)
Liberated Don Quixote, PART 1/2
Liberated Don Quixote, PART 2/2
My green Crocodile, 1966)
This is a clip from abounding in metaphors stop motion film telling a story of... unusual love and the courage of commitment. One of the first films directed by the late Vadim Kurchevsky. An experienced artist, he began work at Soyuzmultfilm in 1957as an art director in the studio's stop motion department. By the mid-'60s Soyuzmultfilm was already known internationally for stop motion films produced for children. Kurchevsky began to use these same techniques to address adult viewers and to make films about modern-day problems. (via)
Liberated Don Quixote, PART 1/2
Liberated Don Quixote, PART 2/2
My green Crocodile, 1966)
This is a clip from abounding in metaphors stop motion film telling a story of... unusual love and the courage of commitment. One of the first films directed by the late Vadim Kurchevsky. An experienced artist, he began work at Soyuzmultfilm in 1957as an art director in the studio's stop motion department. By the mid-'60s Soyuzmultfilm was already known internationally for stop motion films produced for children. Kurchevsky began to use these same techniques to address adult viewers and to make films about modern-day problems. (via)
Nikolai Serebryakov
"Ball of Wool" made in 1968 by Nikolai Serebryakov is an animated short film produced at the Soyuzmultifilm studio.
Nikolai Nikolyevich Serebryakov, artist and animated film-maker: born Leningrad 14 December 1928; married (one son); died Moscow 9 August 2005.
The Russian film-maker Nikolai Serebryakov was an imaginative and experimental maker of animated films, and one of those who contributed to a groundbreaking collaboration between Russia and the Welsh fourth channel, S4C, for the 1992 series Shakespeare - The Animated Tales.
Evacuated from Leningad during the wartime blockade, Serebryakov graduated in 1952 from the Vera Mukhina Institute of Applied Art in the city, then worked in theatre design and puppet animation before joining the Moscow animation studio Soyuzmultfilm ("Union Animation") in 1960. Set up in 1935 as a rival to Disney, Soyuzmultfilm had tended in the Stalin era to produce well-made, pretty and amusing cartoons for children, using traditional painted cel animation.
However, during the "thaw" of the 1960s, a group of young animators, among them Andrei Khrzhanovsky, Vadim Kurchevsky and Serebryakov, started to explore the wider aesthetic possibilities of the medium, especially in stop-motion (or puppet) animations addressed to a more sophisticated audience. In Serebryakov's 10-minute film Ball of Wool (1968), an old woman meets a sheep in the forest and knits herself warm clothes, a house and furniture out of its coat, before coming up against her own limitations when she tries to remake herself as a beautiful girl. With its striking use of colour and its witty exploration of the medium, Ball of Wool is one of the masterpieces of Russian animated cinema.
Serebryakov started his career as a director by collaborating on three films with Kurchevsky: I Want to be Brave (1963), Little Lazybones (1964) and Neither God nor Devil (1965). This apprenticeship preceded a productive 10-year period which brought international recognition with a prize at the 1967 short film festival in Tours for I'm Waiting for the Bird's Nest.
By this time, he was working chiefly with his wife Alina Speshneva, a designer at the Obraztsov puppet theatre in Moscow. They jointly won a prize at the short film festival in Grenoble in 1976 and the Grand Prix at the animation festival in Tampere in the following year. They also contributed to the design of Elem Klimov's feature film Sport, Sport, Sport (1970), a collage of documentary and archive, live action and fantasy, with a soundtrack by Alfred Schnittke.
After Speshneva's death in an accident in 1984, Serebryakov continued to work and teach at Soyuzmultfilm, winning a Nika (the Russian Oscar) for his film Actor in 1989. As one of Soyuzmultfilm's leading directors, he was commissioned to make two of the films for the Animated Shakespeare, Macbeth for the first series and Othello for the second, both using cel, rather than puppet animation
"Ball of Wool" (1968)
Nikolai Nikolyevich Serebryakov, artist and animated film-maker: born Leningrad 14 December 1928; married (one son); died Moscow 9 August 2005.
The Russian film-maker Nikolai Serebryakov was an imaginative and experimental maker of animated films, and one of those who contributed to a groundbreaking collaboration between Russia and the Welsh fourth channel, S4C, for the 1992 series Shakespeare - The Animated Tales.
Evacuated from Leningad during the wartime blockade, Serebryakov graduated in 1952 from the Vera Mukhina Institute of Applied Art in the city, then worked in theatre design and puppet animation before joining the Moscow animation studio Soyuzmultfilm ("Union Animation") in 1960. Set up in 1935 as a rival to Disney, Soyuzmultfilm had tended in the Stalin era to produce well-made, pretty and amusing cartoons for children, using traditional painted cel animation.
However, during the "thaw" of the 1960s, a group of young animators, among them Andrei Khrzhanovsky, Vadim Kurchevsky and Serebryakov, started to explore the wider aesthetic possibilities of the medium, especially in stop-motion (or puppet) animations addressed to a more sophisticated audience. In Serebryakov's 10-minute film Ball of Wool (1968), an old woman meets a sheep in the forest and knits herself warm clothes, a house and furniture out of its coat, before coming up against her own limitations when she tries to remake herself as a beautiful girl. With its striking use of colour and its witty exploration of the medium, Ball of Wool is one of the masterpieces of Russian animated cinema.
Serebryakov started his career as a director by collaborating on three films with Kurchevsky: I Want to be Brave (1963), Little Lazybones (1964) and Neither God nor Devil (1965). This apprenticeship preceded a productive 10-year period which brought international recognition with a prize at the 1967 short film festival in Tours for I'm Waiting for the Bird's Nest.
By this time, he was working chiefly with his wife Alina Speshneva, a designer at the Obraztsov puppet theatre in Moscow. They jointly won a prize at the short film festival in Grenoble in 1976 and the Grand Prix at the animation festival in Tampere in the following year. They also contributed to the design of Elem Klimov's feature film Sport, Sport, Sport (1970), a collage of documentary and archive, live action and fantasy, with a soundtrack by Alfred Schnittke.
After Speshneva's death in an accident in 1984, Serebryakov continued to work and teach at Soyuzmultfilm, winning a Nika (the Russian Oscar) for his film Actor in 1989. As one of Soyuzmultfilm's leading directors, he was commissioned to make two of the films for the Animated Shakespeare, Macbeth for the first series and Othello for the second, both using cel, rather than puppet animation
"Ball of Wool" (1968)
Ideya Garanina
Anatoly Petrov
Polygon (Firing Range) (1977)
Posted Mar 12, 2007
This ink drawn animated piece from 1968 is an engaging one-joke about a man trying to teach a hippopotamus how to sing.
Singing Teacher (1968)
animator.ru
IMDB
Mikhail Lysovoi / Михаил Лисовой
Russian animation from Школа-студия "ШАР", 1997. Based on Nikolai Gogol's short story "The Nose". (less)
Russian Animation "Нос майора"-Nikolai Gogol- (1997)
Russian Animation "Нос майора"-Nikolai Gogol- (1997)
Ladislaw Starewicz
Starewicz llegó al cine a través de su pasión por la entomología. A raíz de su actividad como director del Museo de Historia Natural de Kaunas empezó a producir documentales científicos sobre insectos. La dificultad de grabar a los animalitos en determinadas circunstancias y la revelación que le supusieron los primeros films de Emile Cohl fueron los factores determinantes que le hicieron decidirse por la animación.
Usando carcasas de escarabajos muertos y construyendo con cera las articulaciones y mandíbulas de los mismos, realizó en 1910 el que es considerado el primer puppet-animation film: Lucanos Cervus o La lucha del Ciervo Volante -la traducción española del título nos encanta-. La animación stop-motion y los animatronics -animación electrónica de marionetas- son prácticamente invención suya -con permiso del citado Cohl en el caso de la stop-motion-.(via)
Ladislaw Starewicz (1882-1965) está considerado como uno de los máximos introductores del cine de animación en Rusia y uno de los más destacados pioneros en el uso de la stop-motion, técnica de animación de marionetas fotograma a fotograma. Entomólogo de profesión, Starewicz se interesó muy pronto por la ilustración, las artes visuales y dramáticas, y debutó en el cine como director de documentales etnográficos. En 1909 fue descubierto por Alexander Khanzhonkov y ya en 1910 estrenó Valka zukov rogachi (The Battle of the Stag Beetles), su primera película con secuencias animadas. En el marco del cine presoviético, siguiendo la línea del film d'art francés, Starewicz parodia los melodramas de la época con un hilarante estilo satírico y grotesco utilizando insectos como protagonistas. Sus historias entroncan con la tradición fabulística de Esopo o La Fontaine, sin olvidar la adaptación de los clásicos rusos como Smelev, Pushkin o Gogol.
Destacan entre sus primeros films: Prekrasnia Lukanida (The Beautiful Lukanida, 1910), una parodia de Elena de Troya; Miest kinooperatora (The Cameraman's Revenge, 1911), en la línea de los films de Buster Keaton, y Strekozai i mouraviei (The Ant and The Grashopper, 1911), adaptaci¢n de una fábula de Krilov. En 1919 se exilia voluntariamente cerca de París, donde funda su propio taller y mantiene una carrera en solitario al margen de la creciente industria norteamericana emergente. Allí elabora L'horloge magique (The Magic Clock, 1928), Le roman de Renard (The Tale of the Fox, 1929, 1937/41) - su onico largometraje - y crea la serie de aventuras del perro Fítiche.
Su obra, de un alto contenido político, cayó sin embargo en el olvido y no ha sido hasta décadas más tarde cuando autores centroeuropeos como Alexandre Lukic Ptushko, George Pal o Karel Zeman toman el relevo de su influencia, que llega a nuestros días de la mano de autores como Tim Burton y Henry Selick (Nightmare before Christmas, 1993; James and the Giant Peach, 1995), de la propia Disney, o John Lasseter (Toy Story, 1995-1999; A Bug's Life, 1998). (via)
"The Insect's Christmas" (1913)
"The Cameraman's Revenge" (1912)
"The Mascot" part 1 (1933)
"The Mascot" part 2 (1933)
"The Mascot" part 3 (1933)
"Fleur De Fougere" PART 1/3
"Fleur De Fougere" PART 2/3
"Fleur De Fougere" PART 3/3
"Ladislaw Starewiczand The Mascot" by Adrian Danks. Artículo acerca de autor.
Usando carcasas de escarabajos muertos y construyendo con cera las articulaciones y mandíbulas de los mismos, realizó en 1910 el que es considerado el primer puppet-animation film: Lucanos Cervus o La lucha del Ciervo Volante -la traducción española del título nos encanta-. La animación stop-motion y los animatronics -animación electrónica de marionetas- son prácticamente invención suya -con permiso del citado Cohl en el caso de la stop-motion-.(via)
Ladislaw Starewicz (1882-1965) está considerado como uno de los máximos introductores del cine de animación en Rusia y uno de los más destacados pioneros en el uso de la stop-motion, técnica de animación de marionetas fotograma a fotograma. Entomólogo de profesión, Starewicz se interesó muy pronto por la ilustración, las artes visuales y dramáticas, y debutó en el cine como director de documentales etnográficos. En 1909 fue descubierto por Alexander Khanzhonkov y ya en 1910 estrenó Valka zukov rogachi (The Battle of the Stag Beetles), su primera película con secuencias animadas. En el marco del cine presoviético, siguiendo la línea del film d'art francés, Starewicz parodia los melodramas de la época con un hilarante estilo satírico y grotesco utilizando insectos como protagonistas. Sus historias entroncan con la tradición fabulística de Esopo o La Fontaine, sin olvidar la adaptación de los clásicos rusos como Smelev, Pushkin o Gogol.
Destacan entre sus primeros films: Prekrasnia Lukanida (The Beautiful Lukanida, 1910), una parodia de Elena de Troya; Miest kinooperatora (The Cameraman's Revenge, 1911), en la línea de los films de Buster Keaton, y Strekozai i mouraviei (The Ant and The Grashopper, 1911), adaptaci¢n de una fábula de Krilov. En 1919 se exilia voluntariamente cerca de París, donde funda su propio taller y mantiene una carrera en solitario al margen de la creciente industria norteamericana emergente. Allí elabora L'horloge magique (The Magic Clock, 1928), Le roman de Renard (The Tale of the Fox, 1929, 1937/41) - su onico largometraje - y crea la serie de aventuras del perro Fítiche.
Su obra, de un alto contenido político, cayó sin embargo en el olvido y no ha sido hasta décadas más tarde cuando autores centroeuropeos como Alexandre Lukic Ptushko, George Pal o Karel Zeman toman el relevo de su influencia, que llega a nuestros días de la mano de autores como Tim Burton y Henry Selick (Nightmare before Christmas, 1993; James and the Giant Peach, 1995), de la propia Disney, o John Lasseter (Toy Story, 1995-1999; A Bug's Life, 1998). (via)
"The Insect's Christmas" (1913)
"The Cameraman's Revenge" (1912)
"The Mascot" part 1 (1933)
"The Mascot" part 2 (1933)
"The Mascot" part 3 (1933)
"Fleur De Fougere" PART 1/3
"Fleur De Fougere" PART 2/3
"Fleur De Fougere" PART 3/3
"Ladislaw Starewiczand The Mascot" by Adrian Danks. Artículo acerca de autor.
Alexandre Alexeieff & Claire Parker
Alexandre Alexeieff est français d’origine russe. Il est né à Kazan, en 1901. En 1907 il entre à l’école des Cadets de saint-Pétersbourg. En 1920 Alexandre Alexeieff quitte la Russie pour venir s’installer en France en 1921. Il est mort à Paris en 1982.
Il travaille d’abord comme dessinateur, décorateur et costumier, notamment pour Gaston Baty, Louis Jouvet, Georges Pitoëff et également pour les ballets russes.
A la fin des années 20 Alexandre Alexeieff travaillera surtout comme graveur, utilisant différents procédés (xylographie, lithographie, eaux mortes, aquatinte) pour illustrer notamment des œuvres littéraires (La pharmacienne de Gireaudoux, le journal d’un fou de Gogol etc.) Sa carrière au cinéma commence en 1930 avec l’invention d’un appareil appelé « l’écran épinglé ». Il s’agit d’un panneau d’1m30 sur 1m percé d’environ 500 000 trous dans lesquels peuvent être introduites des épingles mobiles. Un éclairage latéral permet d’obtenir selon la position des épingles toutes les nuances de gris et par suite de formes. Le film est constitué image par image comme un film d’animation. Avec sa principale collaboratrice, Claire Parker, qui deviendra ultérieurement sa femme, il crée, par ce procédé de « l’écran épinglé » plusieurs films dont Une nuit sur le mont Chauve (1933) illustration d’une musique de Moussorgski, En passant réalisé au Canada en 1943, puis à nouveau en France Le Nez d’après Gogol (1963) et le prologue du film d’Orson Welles, Le Procès.
Alexandre Alexeieff a aussi réalisé de nombreux films publicitaires en particulier à partir de 1952. Ces films, considérés comme de véritables œuvres d’art, ont été créées en utilisant un procédé inventé par lui, la « totalisation » (dite encore méthode du pendule composé) qui permet de réaliser de subtiles trucages et jeux de lumière.
Sa technique de l’écran épinglé a été adaptée pour la couleur par Jacques Drouin et Bretislav Pojardans dans leur film « L’Heure des anges » (1986)(via)
Información detallada del "pinscreen", original método de trabajo de este peculiar artista.
"Le Nez" part 1/2 (The Nose, Alexandre Alexeieff & Claire Parker, 1963)
"Le Nez" part 2/2 (The Nose, Alexandre Alexeieff & Claire Parker, 1963)
Une nuit sur le Mont Chauve (Alexandre Alexeieff & Claire Parker, 1933)
En Passant (Alexandre Alexeieff - Caire Parker, 1944)
"Sur Trois Themes de MOUSSORGSKY"
Il travaille d’abord comme dessinateur, décorateur et costumier, notamment pour Gaston Baty, Louis Jouvet, Georges Pitoëff et également pour les ballets russes.
A la fin des années 20 Alexandre Alexeieff travaillera surtout comme graveur, utilisant différents procédés (xylographie, lithographie, eaux mortes, aquatinte) pour illustrer notamment des œuvres littéraires (La pharmacienne de Gireaudoux, le journal d’un fou de Gogol etc.) Sa carrière au cinéma commence en 1930 avec l’invention d’un appareil appelé « l’écran épinglé ». Il s’agit d’un panneau d’1m30 sur 1m percé d’environ 500 000 trous dans lesquels peuvent être introduites des épingles mobiles. Un éclairage latéral permet d’obtenir selon la position des épingles toutes les nuances de gris et par suite de formes. Le film est constitué image par image comme un film d’animation. Avec sa principale collaboratrice, Claire Parker, qui deviendra ultérieurement sa femme, il crée, par ce procédé de « l’écran épinglé » plusieurs films dont Une nuit sur le mont Chauve (1933) illustration d’une musique de Moussorgski, En passant réalisé au Canada en 1943, puis à nouveau en France Le Nez d’après Gogol (1963) et le prologue du film d’Orson Welles, Le Procès.
Alexandre Alexeieff a aussi réalisé de nombreux films publicitaires en particulier à partir de 1952. Ces films, considérés comme de véritables œuvres d’art, ont été créées en utilisant un procédé inventé par lui, la « totalisation » (dite encore méthode du pendule composé) qui permet de réaliser de subtiles trucages et jeux de lumière.
Sa technique de l’écran épinglé a été adaptée pour la couleur par Jacques Drouin et Bretislav Pojardans dans leur film « L’Heure des anges » (1986)(via)
Información detallada del "pinscreen", original método de trabajo de este peculiar artista.
"Le Nez" part 1/2 (The Nose, Alexandre Alexeieff & Claire Parker, 1963)
"Le Nez" part 2/2 (The Nose, Alexandre Alexeieff & Claire Parker, 1963)
Une nuit sur le Mont Chauve (Alexandre Alexeieff & Claire Parker, 1933)
En Passant (Alexandre Alexeieff - Caire Parker, 1944)
"Sur Trois Themes de MOUSSORGSKY"
Eduard Nazarov
Né à Moscou en 1941. admis au studios Soyouzmoutfilm en 1959 après l'école des beaux-arts, il y travaille comme assistant chef décorateur avec Fedor Khitrouk puis décorateur avec Vladimir Zouïkov, tout en suivant les cours de la célèbre école Stroganovka à Moscou dont il est diplômé. il a réalisé Le Petit hippopotame (1976), La Princesse canibale(1977) ou La Chasse (1979).(via)
"ONCE UPON A TIME THERE LIVED A DOG" (1982)
"Martinko"(1987)
"About Sidorov Vova" (1985)
animator.ur
animatikc
"ONCE UPON A TIME THERE LIVED A DOG" (1982)
"Martinko"(1987)
"About Sidorov Vova" (1985)
animator.ur
animatikc
Garri Bardine
Comédien de formation, il est invité par Sergueï Obraztsov au Théâtre National de marionnettes de Moscou comme metteur en scène. C'est là que Bardine découvre la magie de l'animation avant d'entrer au Studio Soyouzmoultfitm où il réalise 15 films en 15 ans.
Couronné par ta Palme d'or en 1988, Bardine s'illustre dans la maîtrise de techniques d'animation les plus diverses. En plus des courts métrages présentés ici personne n'a oublié les petites merveilles que sont Le loup gris et le petit chaperon rouge, Le chat botté et La nounou. I1 a aujourd'hui fondé son propre studio (Stayer) à Moscou où depuis 10 ans, entouré de ses plus fidèles collaborateurs, il poursuit envers et contre tout son oeuvre!.(via)
"THE BANQUET" (1986)
"BREAK!" (1985)
"EMBELLISHMENTS / VYKRUTASY" (1987)
"THE CONFLICT" (1983)
"ADAGIO" (2000)
Garri Bardin nació en 1941 en Orenburg. Tras su graduación en la escuela dramática V.I.Nemirovich-Danchenko con M.Gorky MKHAT USSR, trabajó como actor en el teatro Mogol.
En 1974 compuso junto con V.Livanov , la obra de teatro “Don Juan” y fue invitado por Sergei Obraztsov , como productor al Moscow Puppet Theater .En 1975 Garri Bardin comenzó a trabajar como director de cine de animación en los estudios “Soyuzmultfilm”, donde realizó 15 películas a lo largo de 15 años las cuales le proporcionaron diversos premios tanto en su país como en el extranjero.
Sus películas le hicieron ganar tres premios “Nica”, palma de oro en el festival de Cannes y muchos otros prestigiosos premios de todo el mundo.
En 1999 Garri Bardin fuen galardonado con el premio del estado de la Federación Rusa.
Garri Bardin debe su éxito y reconocimiento a la variedad de materiales y técnicas que empleo tales como: cerillas en “Conflict”, cuerdas en “Marriage”, cables en “Freaks”, o papiroflexia en una de sus películas recientes, “Adagio”.Además, el autor hace uso de marionetas tradicionales y de plastilina también.
En 1991 Garri Bardin y el grupo, comenzó su propio estudio "Stayer" donde ha estado trabajando hasta la fecha. (via)
Entrevista en Animeland.
BARDIN.RU
animator.ur
Couronné par ta Palme d'or en 1988, Bardine s'illustre dans la maîtrise de techniques d'animation les plus diverses. En plus des courts métrages présentés ici personne n'a oublié les petites merveilles que sont Le loup gris et le petit chaperon rouge, Le chat botté et La nounou. I1 a aujourd'hui fondé son propre studio (Stayer) à Moscou où depuis 10 ans, entouré de ses plus fidèles collaborateurs, il poursuit envers et contre tout son oeuvre!.(via)
"THE BANQUET" (1986)
"BREAK!" (1985)
"EMBELLISHMENTS / VYKRUTASY" (1987)
"THE CONFLICT" (1983)
"ADAGIO" (2000)
Garri Bardin nació en 1941 en Orenburg. Tras su graduación en la escuela dramática V.I.Nemirovich-Danchenko con M.Gorky MKHAT USSR, trabajó como actor en el teatro Mogol.
En 1974 compuso junto con V.Livanov , la obra de teatro “Don Juan” y fue invitado por Sergei Obraztsov , como productor al Moscow Puppet Theater .En 1975 Garri Bardin comenzó a trabajar como director de cine de animación en los estudios “Soyuzmultfilm”, donde realizó 15 películas a lo largo de 15 años las cuales le proporcionaron diversos premios tanto en su país como en el extranjero.
Sus películas le hicieron ganar tres premios “Nica”, palma de oro en el festival de Cannes y muchos otros prestigiosos premios de todo el mundo.
En 1999 Garri Bardin fuen galardonado con el premio del estado de la Federación Rusa.
Garri Bardin debe su éxito y reconocimiento a la variedad de materiales y técnicas que empleo tales como: cerillas en “Conflict”, cuerdas en “Marriage”, cables en “Freaks”, o papiroflexia en una de sus películas recientes, “Adagio”.Además, el autor hace uso de marionetas tradicionales y de plastilina también.
En 1991 Garri Bardin y el grupo, comenzó su propio estudio "Stayer" donde ha estado trabajando hasta la fecha. (via)
Entrevista en Animeland.
BARDIN.RU
animator.ur
Stanislav Sokolov
Stanislav Mihaylovich Sokolov (Russian: Станислав Михайлович Соколов, born May 18th, 1947) is a Russian stop-motion animation director. He graduated from VGIK in 1971 and has since then worked with Studios Soyuzmultfilm, DEFA, Christmasfilms and S4C. He was awarded a number of prizes for his films, most notably an Emmy in 1992 for his contribution to The Animated Shakespeare series. Sokolov is teaching at VGIK, where he is Professor for Animation and Computer Graphics.(via)
"THE GREAT UNDERGROUND DANCE" (1987) part1/2
"THE GREAT UNDERGROUND DANCE" (1987) part2/2
"The miracle maker" (2000) de Derek W. Hayes y Stanislav Sokolov
animator.ur
"THE GREAT UNDERGROUND DANCE" (1987) part1/2
"THE GREAT UNDERGROUND DANCE" (1987) part2/2
"The miracle maker" (2000) de Derek W. Hayes y Stanislav Sokolov
animator.ur
Nina Shorina
Nacida en Moscú, Shorina era una actriz popular infantil que estudió primero interpretación y luego “filmmaking” en la Escuela de Cine Estatal (VGIK). Ella comenzó a trabajar en Soyuzmultfilm en 1976 y dirigió varias películas de niños incluyendo “Poodle”. Justo antes de la perestroika la administración de Soyuzmultfilm aprobó “Door”, un guión en apariencia sobre un muchacho que repara una puerta, aparentemente una película para niños. Sin embargo, la película Shorina entregada en 1986 era para una audiencia adulta, la primera de una trilogía que incluye “Dream” y “Alter Ego”, que exploraría la reacción de los soviéticos a los dramáticos cambios políticos que barren la ex-Unión Soviética. Jane Pilling, autora de “Women And Animation“ ha descrito a Nina Shorina como "one of the only woman animators in the former Soviet Union to have created a substantial body of work that ranks her along the established (male) names in Soviet animation."(via)
"THE DOOR" (1986)
"dream" (1988)
"The Poodle" (1984)
"ABOUT BUKA" (1984)
animator.ur
"THE DOOR" (1986)
"dream" (1988)
"The Poodle" (1984)
"ABOUT BUKA" (1984)
animator.ur
Lev Atamanov
After establishing an international reputation for directing some of Soyuzmultfilm's most critically acclaimed children's films, Lev Atamanov also began to work in an innovative new way. BALLERINA ON THE BOAT combines his passions for ballet and the French impressionist art of Raoul Dufy with an extraordinary score written by the great Alfred Schnittke. The film was exquisitely choreographed by two dancers from the Bolshoi Ballet.(via)
Nom original:"Аленький цветочk" ("La Petite Fleur Ecarlate")
Soyuzmultfilm (1952)
La petite fleur écarlate est un conte de fée russe écrit par Sergei Aksakov au 19ème siècle. Il reprend le thème de la Belle et la Bête.
Ce film sera le troisième du réalisateur Lev Atamanov (Russie – 1905), qui fera quelques années plus tard l’antilope d’or mais surtout la reine des neiges, qui sera récompensé par plusieurs grands prix dont le prix du festival de Cannes de 1958 dans la catégorie film d'animation.
Lev Atamanov utilisa pour la petite fleur écarlate le procédé de la rotoscopie, consistant à transformer une scène filmée en un dessin animé, ce qui permet d’avoir de meilleurs mouvements des personnages; beaucoup de films utilisent ce procédé comme Blanche Neige et les 7 nains, Brisby et le secret de Nimh, Aladdin …
Ce film sera restauré en 1987 par Gorki Film Studio. C’est sûrement dû à cette restauration que l’on a eu droit à ce moyen métrage sur nos écrans de télévision.(via)
"BALERINA ON A SHIP BOARD" (1969)
animator.ru
Nom original:"Аленький цветочk" ("La Petite Fleur Ecarlate")
Soyuzmultfilm (1952)
La petite fleur écarlate est un conte de fée russe écrit par Sergei Aksakov au 19ème siècle. Il reprend le thème de la Belle et la Bête.
Ce film sera le troisième du réalisateur Lev Atamanov (Russie – 1905), qui fera quelques années plus tard l’antilope d’or mais surtout la reine des neiges, qui sera récompensé par plusieurs grands prix dont le prix du festival de Cannes de 1958 dans la catégorie film d'animation.
Lev Atamanov utilisa pour la petite fleur écarlate le procédé de la rotoscopie, consistant à transformer une scène filmée en un dessin animé, ce qui permet d’avoir de meilleurs mouvements des personnages; beaucoup de films utilisent ce procédé comme Blanche Neige et les 7 nains, Brisby et le secret de Nimh, Aladdin …
Ce film sera restauré en 1987 par Gorki Film Studio. C’est sûrement dû à cette restauration que l’on a eu droit à ce moyen métrage sur nos écrans de télévision.(via)
"BALERINA ON A SHIP BOARD" (1969)
animator.ru
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
