Ernest
AT&T: Gingerbread
Coca cola Nascar "Thank you race"
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shynola
Shynola es un reputado colectivo de diseñadores y directores de videoclips que ha revolucionado en los últimos años la escena audiovisual de vanguardia.
Gideon Baws, Chris Harding, Richard Kenworthy y Jason Groves se conocieron en 1996 cuando estudiaban animación y cine en la universidad. Tres años después empezaron a realizar sus primeros trabajos en el mundo de la publicidad, el videoclip y el diseño en movimiento bajo el nombre de Shynola. Sus espectaculares clips para grupos como Radiohead, Blur, Morcheeba o Queens of the Stone Age les ha convertido en uno de los equipos más cotizados en el panorama audiovisual contemporáneo. En los últimos años sus piezas han recibido prestigiosos premios como los CAD, los MVPA o los premios de la MTV, entre otros. El trabajo de Shynola combina estéticas estilizadas que expanden las posibilidades del medio digital con un particular sentido del humor. Desde la sofisticación visual extrema de "An Eye for an Eye" hasta la oda de amor al píxel del famoso "Move your Feet" para Junior Senior, su trayectoria es todo un viaje por las inmensas posibilidades que la tecnología digital de consumo pone al servicio de los creadores más audaces. (via)
Queens of the Stone Age 'Go with the Flow'
Morcheeba - "Otherwise"
UNKLE 'An Eye For An Eye' - with Ruth Lingford
lambchop - "is a woman"
The Rapture - "House Of Jealous Lovers"
Radiohead - "Pyramid Song"
Stephen Malkmus - "jo jo's jacket"
'Hitchhikers Guide to the Galaxy' (Spyglass/Disney) Dir: Garth Jennings
www.shynola.com
Gideon Baws, Chris Harding, Richard Kenworthy y Jason Groves se conocieron en 1996 cuando estudiaban animación y cine en la universidad. Tres años después empezaron a realizar sus primeros trabajos en el mundo de la publicidad, el videoclip y el diseño en movimiento bajo el nombre de Shynola. Sus espectaculares clips para grupos como Radiohead, Blur, Morcheeba o Queens of the Stone Age les ha convertido en uno de los equipos más cotizados en el panorama audiovisual contemporáneo. En los últimos años sus piezas han recibido prestigiosos premios como los CAD, los MVPA o los premios de la MTV, entre otros. El trabajo de Shynola combina estéticas estilizadas que expanden las posibilidades del medio digital con un particular sentido del humor. Desde la sofisticación visual extrema de "An Eye for an Eye" hasta la oda de amor al píxel del famoso "Move your Feet" para Junior Senior, su trayectoria es todo un viaje por las inmensas posibilidades que la tecnología digital de consumo pone al servicio de los creadores más audaces. (via)
Queens of the Stone Age 'Go with the Flow'
Morcheeba - "Otherwise"
UNKLE 'An Eye For An Eye' - with Ruth Lingford
lambchop - "is a woman"
The Rapture - "House Of Jealous Lovers"
Radiohead - "Pyramid Song"
Stephen Malkmus - "jo jo's jacket"
'Hitchhikers Guide to the Galaxy' (Spyglass/Disney) Dir: Garth Jennings
www.shynola.com
Darren Walsh
Darren Walsh trained at West Surrey College of Art & Design, where he completed his award-winning graduation film "Oozat" (1993). He later worked as a freelance animator in Bristol on commercials and music videos, earning a number of awards and much recognition for his work. In 2003, he moved to London and joined Passion Pictures, where he has directed a series of commercials which combine live-action and animation in major international campaigns.
The NEW Sony Bravia advert
We Made Sony’s Play-Doh Bunnies Bounce
Angry Kid - Russian Roulette
He's a ginger-haired kid in a parka, but don't underestimate this little hellraiser; Angry Kid is the product of Aardman Animations but couldn't be further from the amiable antics of Wallace & Gromit. If he's not stuffing himself with chocolate and fizzy drinks until he's sick, Angry Kid is ramming a cotton bud up his nose or relentlessly picking on his little sister.
Originally played on the Internet and digital television, these (roughly) one-minute sketches are sarcastic, irreverent and definitely not aimed at kids. In "Bone" Angry Kid falls off his bike and has to fend off a ravenous dog who's after the bone newly jutting out from his broken elbow, while in "Hoax Call" he torments a directory enquiries man into shooting himself. Animated using a process called pixilation, director Darren Walsh created Angry Kid using a real actor as a base for a series of masks, creating movements frame by frame. His expressions are hilarious, but what's most appealing about this repugnant little brat is his embodiment of teen angst. Alongside the gross-out humour come some classic observations on teenage quirks, like Angry Kid facetiously enquiring which swear words he's allowed to use. Remember doing that? (via)
Los capítulos de Angry Kid se pueden ver en AtomFilms.
Vodafone "MayFly"
Entrevista a Darren Walsh
The NEW Sony Bravia advert
We Made Sony’s Play-Doh Bunnies Bounce
Angry Kid - Russian Roulette
He's a ginger-haired kid in a parka, but don't underestimate this little hellraiser; Angry Kid is the product of Aardman Animations but couldn't be further from the amiable antics of Wallace & Gromit. If he's not stuffing himself with chocolate and fizzy drinks until he's sick, Angry Kid is ramming a cotton bud up his nose or relentlessly picking on his little sister.
Originally played on the Internet and digital television, these (roughly) one-minute sketches are sarcastic, irreverent and definitely not aimed at kids. In "Bone" Angry Kid falls off his bike and has to fend off a ravenous dog who's after the bone newly jutting out from his broken elbow, while in "Hoax Call" he torments a directory enquiries man into shooting himself. Animated using a process called pixilation, director Darren Walsh created Angry Kid using a real actor as a base for a series of masks, creating movements frame by frame. His expressions are hilarious, but what's most appealing about this repugnant little brat is his embodiment of teen angst. Alongside the gross-out humour come some classic observations on teenage quirks, like Angry Kid facetiously enquiring which swear words he's allowed to use. Remember doing that? (via)
Los capítulos de Angry Kid se pueden ver en AtomFilms.
Vodafone "MayFly"
Entrevista a Darren Walsh
Alexander Rutterford
alexander rutterford graduated from graphic design at croydon school of art, uk in 1991. he first broke into the film industry designing graphics on sets for movies such as judge dredd, then moved on to become a cg artist at production outfit lost in space. he now works independently as a director, creating music videos and short films. work includes music videos for radiohead, autechre and amon tobin, and the experimental films 3space sound engine and monocodes.
Autechre 'Gantz Graf'
amon tobin-Verbal
Autechre 'Gantz Graf'
amon tobin-Verbal
SSSR
SSSR es un colectivo de animación dirigido por Kristian Hammerstad, Marc Reisbig y Yu Sato y basado en la empresa de producción Passion Pictures
Subtle 'Swan Meat'
Subtle 'The Long Vein Of the Law'
Subtle 'The Mercury Craze'
Zune Arts
Subtle 'Swan Meat'
Subtle 'The Long Vein Of the Law'
Subtle 'The Mercury Craze'
Zune Arts
Tim Hope
After completing a degree in Theology, Tim Hope moved to London where he worked as a stand up comedian for four years. He started to explore the possibilities of computer animation to accompany his live performances. Later he created short animated personalised Birthday Cards for his family and friends as a way of saving money. His next project The Wolfman won a number of awards, including the grand jury prize at the Japan Digital Animation Festival. Tim joined Passion Pictures in May 2000 as a director of music videos and commercials. His promos include Trouble (MTV Award 2001, Best Art Direction) for Coldplay and I Walk the Earth for King Biscuit Time, which won the prize for Best Animated Music Video at Annecy 2001, France (the world's largest animation festival). Hope has since directed music videos for One Giant Leap, Jimmy Eat World, Disney and R.E.M. and commercials including Hewlett Packard, Acura and Playstation 2. (via)
"The Wolfman" (1999)
Coldplay - "Don't Panic"
Coldplay - "Trouble"
"The Wolfman" (1999)
Coldplay - "Don't Panic"
Coldplay - "Trouble"
Bob Godfrey
Bob Godfrey’s work reflects his irreverent, humorous approach to life. He is best known for his television series Roobarb and Henry’s Cat, and he has also won an Oscar and a BAFTA award for his 1974 film Great, a musical based on the life of Isambard Kingdom Brunel, the Victorian engineer who built the Great Western Railway.
Godfrey started in animation as a background painter. In 1954, shortly before the start of commercial television in Britain, he co-founded Biographic Films. The company made hundreds of television commercials, with Godfrey himself appearing in many for Courage beer. In 1965 he formed his own company.
Like many animators, Godfrey has made personal films alongside his commercial work. Several, such as Polygamous Polonius (1959), take a satirical view of the absurdities of sex. Kama Sutra Rides Again (1971) and Dream Doll (1979), about a seedy gentleman’s love for an inflatable doll, were both nominated for Oscars.
Dream Doll (1979)
His children’s television series Roobarb, made in the 1970s, features his style of continuously moving outlines for the characters. Godfrey produced the effect, which he called ‘boiling’, by drawing in felt-tip pen on paper and changing the shape of the outline in every frame. Stan Hayward, Godfrey’s long-time collaborator, wrote the 1980s series Henry’s Cat. Each episode featuring the custard-coloured cat and his friends was narrated by Godfrey and ended with a philosophical thought, such as ‘Glamour is mostly pie in the sky. Life is mostly pie in the eye’.
Henry's Cat - "The Good News Day"
Roobarb And Custard - "When Roobarb Made A Spike"
Godfrey has continued to work well past normal retirement age, producing a series of short comic gems for the MTV channel. The Many Deaths of Norman Spittal (1999), based on drawings by Jeremy Banx, show the various fatal events that befall the luckless Norman. He is making a cartoon based on Shakespeare. (via)
Mas información de Bob Godfrey
Godfrey started in animation as a background painter. In 1954, shortly before the start of commercial television in Britain, he co-founded Biographic Films. The company made hundreds of television commercials, with Godfrey himself appearing in many for Courage beer. In 1965 he formed his own company.
Like many animators, Godfrey has made personal films alongside his commercial work. Several, such as Polygamous Polonius (1959), take a satirical view of the absurdities of sex. Kama Sutra Rides Again (1971) and Dream Doll (1979), about a seedy gentleman’s love for an inflatable doll, were both nominated for Oscars.
Dream Doll (1979)
His children’s television series Roobarb, made in the 1970s, features his style of continuously moving outlines for the characters. Godfrey produced the effect, which he called ‘boiling’, by drawing in felt-tip pen on paper and changing the shape of the outline in every frame. Stan Hayward, Godfrey’s long-time collaborator, wrote the 1980s series Henry’s Cat. Each episode featuring the custard-coloured cat and his friends was narrated by Godfrey and ended with a philosophical thought, such as ‘Glamour is mostly pie in the sky. Life is mostly pie in the eye’.
Henry's Cat - "The Good News Day"
Roobarb And Custard - "When Roobarb Made A Spike"
Godfrey has continued to work well past normal retirement age, producing a series of short comic gems for the MTV channel. The Many Deaths of Norman Spittal (1999), based on drawings by Jeremy Banx, show the various fatal events that befall the luckless Norman. He is making a cartoon based on Shakespeare. (via)
Mas información de Bob Godfrey
Mark Baker
Mark Baker was nominated for an Oscar and won a BAFTA award for his first animated film The Hill Farm (1988), made while at the National Film & Television School. His next two films The Village (1993) and Jolly Roger (1998) were also nominated for both awards. This is an impressive career start for any young animator.
The Hill Farm (Complete Part 1)
The Hill Farm (Complete Part 2)
Más información acerca de " The Hill Farm"
His London-based company, Astley Baker Davies, makes commercials, title sequences and short films. During his relatively short career, Baker has moved from cel-based animation to embrace the new techniques of computer animation. His first two films were made using relatively traditional methods even if the final look and the subjects turned out differently. The Hill Farm follows what happens at a farm over three days, involving the farmers, campers and some hunters who disturb a large bear. The Village is darker in tone and focuses on life in a claustrophobic village where the jealous inhabitants try to preserve their own secrets while spying on one another.
Jolly Roger was Baker’s first film made with the aid of computer animation software. All the animation drawings were scanned into the computer and coloured digitally. It was also Baker’s first film with dialogue. The film follows the adventures of two pirate ships – one commanded by the evil Captain Jolly with his band of cut-throats and the other by the more cowardly Captain Roger, with his daughter Nell and one crew member, Hugo.
"Jolly Roger" fragmento (1998)
The BBC children’s series The Big Knights (1999) was hand-drawn and then animated using computer software. This thirteen-part series is set in the rather backward mediaeval-modern country of Borovia and features two knights, Sir Boris and Sir Morris, who ride out from their home, Castle Big, in search of adventure. This inevitably proves a hindrance to the local populace, struggling to get on with their modern-day lives.
The studio’s latest series, Peppa Pig, is aimed at pre-school children and will be televised in the UK by Nickelodeon's channel Nick Junior and Channel Five. (via)
The Hill Farm (Complete Part 1)
The Hill Farm (Complete Part 2)
Más información acerca de " The Hill Farm"
His London-based company, Astley Baker Davies, makes commercials, title sequences and short films. During his relatively short career, Baker has moved from cel-based animation to embrace the new techniques of computer animation. His first two films were made using relatively traditional methods even if the final look and the subjects turned out differently. The Hill Farm follows what happens at a farm over three days, involving the farmers, campers and some hunters who disturb a large bear. The Village is darker in tone and focuses on life in a claustrophobic village where the jealous inhabitants try to preserve their own secrets while spying on one another.
Jolly Roger was Baker’s first film made with the aid of computer animation software. All the animation drawings were scanned into the computer and coloured digitally. It was also Baker’s first film with dialogue. The film follows the adventures of two pirate ships – one commanded by the evil Captain Jolly with his band of cut-throats and the other by the more cowardly Captain Roger, with his daughter Nell and one crew member, Hugo.
"Jolly Roger" fragmento (1998)
The BBC children’s series The Big Knights (1999) was hand-drawn and then animated using computer software. This thirteen-part series is set in the rather backward mediaeval-modern country of Borovia and features two knights, Sir Boris and Sir Morris, who ride out from their home, Castle Big, in search of adventure. This inevitably proves a hindrance to the local populace, struggling to get on with their modern-day lives.
The studio’s latest series, Peppa Pig, is aimed at pre-school children and will be televised in the UK by Nickelodeon's channel Nick Junior and Channel Five. (via)
Run Wrake
Run Wrake vive y trabaja en Londres como Director de Animación freelance desde que, en 1990, terminó un Master de Animación en el Royal College of Art. Ha dirigido diversos cortometrajes – Jukebox (1994), Music For Babies (1996), What Is That (2001) – así como vídeos musicales, anuncios, secuencias de títulos de crédito y material visual en directo para U2 y Oasis. Desde hace años, colabora como ilustrador en el New Musical Express. En la actualidad vive y trabaja en Leytonstone. (via)
"Jukebox" (1994)
"Rabbit" (2005)
What Is That (2001)
"Anyway"
Entrevista a Run Wrake
www.runwrake.com Web del autor
"Jukebox" (1994)
"Rabbit" (2005)
What Is That (2001)
"Anyway"
Entrevista a Run Wrake
www.runwrake.com Web del autor
Barry Jackson, Michael Mellor, Barnard Reyner
Broomstick Cottage was home to bumbling Mr Bobbin and his magic cat called Sponge. Cheeky Sponge was a mischievous moggy, always twirling his tail and causing mayhem when it was least expected, behind Mr Bobbin's back. Unfortunately, most of his magical japes were directed at Mr Bobbin's luckless friends Harry and Garry Dabble. When they helped Mr Bobbin move his furniture, Sponge made it disappear and reappear all over the place. When they helped Mr Bobbin grow his prize marrow, Sponge made their van fly around with them inside...
These near-forgotten shorts are a treat. Sponge "blobs" in and out of thin air like Fenella in Chorlton and the Wheelies. There's some fine comic timing, with the Dabbles frequently left speechless by Sponge's magic, just moving their heads agog, in unison. Keith Railton provided smart 'brummie' accents for the Dabbles too.
With only three production credits on show it appears that Jackson, Mellor, and Reyner performed all duties on this tight little series - a notion that's now been confirmed by Keith Railton himself
Broomstick Cottage - "The Monstrous Marrow"
Broomstick Cottage - "The Blockage"
Broomstick Cottage - "In The Loft"
Broomstick Cottage - "The Car"
"You're quite right about Broomstick cottage.
There were only three people involved in the
production - it was their hobby! Barry Jackson
was the writer and wrote and performed the
music. He also designed and created the
characters and the sets. Mike Mellor was the
engineer who articulated the models and made
them come to life. Barney Reyner was the
expert with the camera, and he lit and filmed
all the episodes.
My claim to fame was that I did the all the
voiceovers on all thirteen episodes. We
recorded the soundtrack in the space of
two days. Six of the episodes had already
been filmed and the other seven were in
script form. What a great time I had making
those wonderful creations come to life...
As far as I know they were never shown on
TV in the UK, but they were shown abroad.
They were however sold on video often as
part of cartoon compilations..."
Ah-ha! - So the team were only 'dabbling' in animation. Now we know where the names come from. Interesting to hear that these weren't actually broadcast in the UK. They were and are still great fun. A series for Trivia Hounds to track down and enjoy, methinks... (via)
Broomstick Cottage - "Daily Help"
Broomstick Cottage - The Lawnmower
These near-forgotten shorts are a treat. Sponge "blobs" in and out of thin air like Fenella in Chorlton and the Wheelies. There's some fine comic timing, with the Dabbles frequently left speechless by Sponge's magic, just moving their heads agog, in unison. Keith Railton provided smart 'brummie' accents for the Dabbles too.
With only three production credits on show it appears that Jackson, Mellor, and Reyner performed all duties on this tight little series - a notion that's now been confirmed by Keith Railton himself
Broomstick Cottage - "The Monstrous Marrow"
Broomstick Cottage - "The Blockage"
Broomstick Cottage - "In The Loft"
Broomstick Cottage - "The Car"
"You're quite right about Broomstick cottage.
There were only three people involved in the
production - it was their hobby! Barry Jackson
was the writer and wrote and performed the
music. He also designed and created the
characters and the sets. Mike Mellor was the
engineer who articulated the models and made
them come to life. Barney Reyner was the
expert with the camera, and he lit and filmed
all the episodes.
My claim to fame was that I did the all the
voiceovers on all thirteen episodes. We
recorded the soundtrack in the space of
two days. Six of the episodes had already
been filmed and the other seven were in
script form. What a great time I had making
those wonderful creations come to life...
As far as I know they were never shown on
TV in the UK, but they were shown abroad.
They were however sold on video often as
part of cartoon compilations..."
Ah-ha! - So the team were only 'dabbling' in animation. Now we know where the names come from. Interesting to hear that these weren't actually broadcast in the UK. They were and are still great fun. A series for Trivia Hounds to track down and enjoy, methinks... (via)
Broomstick Cottage - "Daily Help"
Broomstick Cottage - The Lawnmower
Ivor Wood
Ivor Wood, who has died aged 72, was a central figure in the development of animated television programmes for children from The Magic Roundabout to Postman Pat - with many others along the way, including The Wombles and Paddington.
Born in Leeds of an Anglo-French mother and an English father, he moved with his parents to France soon after the second world war, when they took over the running of a small hotel in the mountains outside Lyon. From school, Ivor moved to Paris in order to study at the École des Beaux Arts. After completing his studies, he worked in a factory until joining La Comète, a company making television commercials, in 1963.
His work as a background artist there introduced him to the world of animation, which, in turn, led to his meeting Serge Danot, who was developing an idea called Le Manège Enchanté, first shown on French television in 1964, surfacing a year later before the BBC's early evening news as The Magic Roundabout, to great success.
It was through working with Danot that Ivor developed his skills in stop-frame puppet animation, a technique involving the use of fully jointed three-dimensional puppets which could be moved a fraction of an inch at a time. There was nothing particularly new in stop-frame animation itself. From the early flicker-books through to the sophisticated line drawings of Walt Disney, they all rely on persistency of vision; the simple fact that when film made that way is projected at the normal speed of 25 frames per second, it appears as a continuously moving picture.
It is a painstaking process: if genius is the infinite capacity for taking pains, then Ivor certainly qualified for the title. Multiply the number of frames per second by the total number of seconds in an episode, then add in the number of movements for each of the characters involved in the action, multiply that again by the number of episodes in a long series, and you arrive at an astronomical figure.
In 1965, I met Ivor through the BBC and Graham Clutterbuck of the production company FilmFair, and we began work on my stories for The Herbs. Ivor was still in Paris, working at home on the kitchen table, and he commuted regularly to London to seek approval for his puppets, each wonderfully detailed, but bearing the distinct family resemblance which was to become his hallmark.
Parsley the Lion (The Herbs) Episode
He soon moved to England, The Herbs were first broadcast in 1968, and then came a spin-off, a series of 32 five-minute programmes called The Adventures Of Parsley. Ivor's next major venture was Elizabeth Beresford's highly successful Wombles, narrated by Bernard Cribbins, and first televised in 1973.
By now busy with many projects for FilmFair, in 1975 Ivor came to see me with the news that, "To tell you the truth, I've been playing around with an idea for filming Paddington." When Ivor said "To tell you the truth ...", you knew that's what you were getting - the truth, pure and simple - and so I was very happy to realise my stories of the bear from Peru in a new medium with him.
His idea was to combine a three-dimensional puppet Paddington with two-dimensional cardboard backgrounds and supporting cast, with Paddington the one colourful character set against muted backgrounds, rather like an early Peter Brook stage set. It sounds simple now, but at the time it was a groundbreaking departure, and it worked.
The Herbs - Belladonna the Witch - Part 1
The Herbs - Belladonna the Witch - Part 2
Ivor also instinctively appreciated the value of using a narrator. It gave his films a feeling of warmth, much like the BBC Children's Hour on the radio, before the coming of television. Best of all, it allowed the viewer to be a party to the characters' innermost thoughts, where a lot of the humour lies. For Paddington, we were lucky enough to have the voice of Michael (later Sir Michael) Hordern.
They were happy days; not always carefree, but certainly fulfilling, and I always felt very privileged to be involved in it. In 1975, Ivor and his wife Josiane set up their own company, Woodland Animations, to concentrate on making series for the BBC; among them Gran (1982), Bertha (1985), and to crown their achievement, the hugely successful Postman Pat (1980-91). They sold the firm in 2001.
Not only children, but adults, too, will be the poorer for Ivor's death. He has bequeathed us a rich legacy of programmes that will continue to be shown for many years to come, all bearing his unique touch. To tell you the truth, that is a wonderful thing to have given the world.
He is survived by his wife and their son Sean.
· Ivor Wood, animator, born May 4 1932; died October 13 2004 (via)
Paddington
Simon in the Land of Chalk Drawings - "Soldiersُ"
The Wombles
Gran - "Gran's Bike"
Gran - "Gran the Camper"
Había una vez, en 1963 para ser precisos, un animador inglés llamado Ivor Wood, que se unió a la compañía francesa de Serge Danot, a quien la televisión ORTF había encargado producir una serie para niños. Ivor había creado un muñeco. Era un perro de pelo largo sin patas, y se movía con ruedas que no estaban a la vista. El jefe de Ivor, Serge Danot, bautizó al perro "Pollux", y lo emplazó en el corazón de una peculiar serie de muñecos animados por la técnica del stop-motion que él mismo había creado en su propia casa, llamada "Le Manege Enchante". La serie se desarrollaba en un jardín encantado en el que había un tiovivo mágico.
Más tarde, Ivor Wood creó modelos para los clásicos de animación infantiles más duraderos, entre otros los favoritos de todos los tiempos "Paddington Bear" y "Postman Pat".
Cuando la BBC compró "Le Manege Enchante" para el Reino Unido, sufrió una fascinante transformación que dio como resultado la creación de uno de los clásicos más importantes de la televisión para niños. Eric Thompson (más tarde el padre de la actriz Emma Thompson) fue su narrador. No tradujo directamente el diálogo francés o los argumentos, sino que inventó su propia trama para encajar la rara acción de cada episodio.
De este modo, Pere Pivoine, con su sombrero alto y bigote naranja, se convirtió en el Sr. Rusty; Zebulon se convirtió en Zebedee, una caja sorpresa con poderes mágicos, y Flappy se transformó en Dylan.
En episodios posteriores, se introdujeron nuevos personajes que incluyen a Azalée, para nosotros Ermintrude, y Ambroise, alias Brian.
El estilo visual altamente original de Danot, combinado con los guiones sencillos, divertidos e ingeniosos de Thompson, tuvieron un impacto inmediato sobre el público. En un momento dado, el Tiovivo Mágico tuvo ocho millones de espectadores. Ninguna otra serie para niños logró una audiencia tan alta, ni tan siquiera de la mitad, y la serie llegó incluso a rivalizar con las noticias, el programa más visto del Reino Unido. Toda una generación de niños venera la memoria del Tiovivo Mágico, sus personajes y sus historias.
En 1991, Channel 4 descubrió un número de episodios originales que no habían pasado por el tratamiento de Eric Thompson, y las emitió con Nigel Planer como narrador. Nació entonces toda una nueva generación de fans; y asimismo, creó una gran ola de nostalgia en todos aquellos que vivieron las series en la década de los 60 y los 70.
Ahora, con la llegada de la película de animación, los fans del pasado y del futuro se podrán unir para adentrarse en este mundo mágico. Claro que se trata de una versión muy diferente a la de la serie de televisión original, ya que Eric Thompson es un genio imposible de imitar. Sin embargo, a su manera, la película intenta hacer honor al encanto, a la excentricidad y al sentido del humor británico de la serie de televisión original. (via)
wikipedia
imdb
Born in Leeds of an Anglo-French mother and an English father, he moved with his parents to France soon after the second world war, when they took over the running of a small hotel in the mountains outside Lyon. From school, Ivor moved to Paris in order to study at the École des Beaux Arts. After completing his studies, he worked in a factory until joining La Comète, a company making television commercials, in 1963.
His work as a background artist there introduced him to the world of animation, which, in turn, led to his meeting Serge Danot, who was developing an idea called Le Manège Enchanté, first shown on French television in 1964, surfacing a year later before the BBC's early evening news as The Magic Roundabout, to great success.
It was through working with Danot that Ivor developed his skills in stop-frame puppet animation, a technique involving the use of fully jointed three-dimensional puppets which could be moved a fraction of an inch at a time. There was nothing particularly new in stop-frame animation itself. From the early flicker-books through to the sophisticated line drawings of Walt Disney, they all rely on persistency of vision; the simple fact that when film made that way is projected at the normal speed of 25 frames per second, it appears as a continuously moving picture.
It is a painstaking process: if genius is the infinite capacity for taking pains, then Ivor certainly qualified for the title. Multiply the number of frames per second by the total number of seconds in an episode, then add in the number of movements for each of the characters involved in the action, multiply that again by the number of episodes in a long series, and you arrive at an astronomical figure.
In 1965, I met Ivor through the BBC and Graham Clutterbuck of the production company FilmFair, and we began work on my stories for The Herbs. Ivor was still in Paris, working at home on the kitchen table, and he commuted regularly to London to seek approval for his puppets, each wonderfully detailed, but bearing the distinct family resemblance which was to become his hallmark.
Parsley the Lion (The Herbs) Episode
He soon moved to England, The Herbs were first broadcast in 1968, and then came a spin-off, a series of 32 five-minute programmes called The Adventures Of Parsley. Ivor's next major venture was Elizabeth Beresford's highly successful Wombles, narrated by Bernard Cribbins, and first televised in 1973.
By now busy with many projects for FilmFair, in 1975 Ivor came to see me with the news that, "To tell you the truth, I've been playing around with an idea for filming Paddington." When Ivor said "To tell you the truth ...", you knew that's what you were getting - the truth, pure and simple - and so I was very happy to realise my stories of the bear from Peru in a new medium with him.
His idea was to combine a three-dimensional puppet Paddington with two-dimensional cardboard backgrounds and supporting cast, with Paddington the one colourful character set against muted backgrounds, rather like an early Peter Brook stage set. It sounds simple now, but at the time it was a groundbreaking departure, and it worked.
The Herbs - Belladonna the Witch - Part 1
The Herbs - Belladonna the Witch - Part 2
Ivor also instinctively appreciated the value of using a narrator. It gave his films a feeling of warmth, much like the BBC Children's Hour on the radio, before the coming of television. Best of all, it allowed the viewer to be a party to the characters' innermost thoughts, where a lot of the humour lies. For Paddington, we were lucky enough to have the voice of Michael (later Sir Michael) Hordern.
They were happy days; not always carefree, but certainly fulfilling, and I always felt very privileged to be involved in it. In 1975, Ivor and his wife Josiane set up their own company, Woodland Animations, to concentrate on making series for the BBC; among them Gran (1982), Bertha (1985), and to crown their achievement, the hugely successful Postman Pat (1980-91). They sold the firm in 2001.
Not only children, but adults, too, will be the poorer for Ivor's death. He has bequeathed us a rich legacy of programmes that will continue to be shown for many years to come, all bearing his unique touch. To tell you the truth, that is a wonderful thing to have given the world.
He is survived by his wife and their son Sean.
· Ivor Wood, animator, born May 4 1932; died October 13 2004 (via)
Paddington
Simon in the Land of Chalk Drawings - "Soldiersُ"
The Wombles
Gran - "Gran's Bike"
Gran - "Gran the Camper"
Había una vez, en 1963 para ser precisos, un animador inglés llamado Ivor Wood, que se unió a la compañía francesa de Serge Danot, a quien la televisión ORTF había encargado producir una serie para niños. Ivor había creado un muñeco. Era un perro de pelo largo sin patas, y se movía con ruedas que no estaban a la vista. El jefe de Ivor, Serge Danot, bautizó al perro "Pollux", y lo emplazó en el corazón de una peculiar serie de muñecos animados por la técnica del stop-motion que él mismo había creado en su propia casa, llamada "Le Manege Enchante". La serie se desarrollaba en un jardín encantado en el que había un tiovivo mágico.
Más tarde, Ivor Wood creó modelos para los clásicos de animación infantiles más duraderos, entre otros los favoritos de todos los tiempos "Paddington Bear" y "Postman Pat".
Cuando la BBC compró "Le Manege Enchante" para el Reino Unido, sufrió una fascinante transformación que dio como resultado la creación de uno de los clásicos más importantes de la televisión para niños. Eric Thompson (más tarde el padre de la actriz Emma Thompson) fue su narrador. No tradujo directamente el diálogo francés o los argumentos, sino que inventó su propia trama para encajar la rara acción de cada episodio.
De este modo, Pere Pivoine, con su sombrero alto y bigote naranja, se convirtió en el Sr. Rusty; Zebulon se convirtió en Zebedee, una caja sorpresa con poderes mágicos, y Flappy se transformó en Dylan.
En episodios posteriores, se introdujeron nuevos personajes que incluyen a Azalée, para nosotros Ermintrude, y Ambroise, alias Brian.
El estilo visual altamente original de Danot, combinado con los guiones sencillos, divertidos e ingeniosos de Thompson, tuvieron un impacto inmediato sobre el público. En un momento dado, el Tiovivo Mágico tuvo ocho millones de espectadores. Ninguna otra serie para niños logró una audiencia tan alta, ni tan siquiera de la mitad, y la serie llegó incluso a rivalizar con las noticias, el programa más visto del Reino Unido. Toda una generación de niños venera la memoria del Tiovivo Mágico, sus personajes y sus historias.
En 1991, Channel 4 descubrió un número de episodios originales que no habían pasado por el tratamiento de Eric Thompson, y las emitió con Nigel Planer como narrador. Nació entonces toda una nueva generación de fans; y asimismo, creó una gran ola de nostalgia en todos aquellos que vivieron las series en la década de los 60 y los 70.
Ahora, con la llegada de la película de animación, los fans del pasado y del futuro se podrán unir para adentrarse en este mundo mágico. Claro que se trata de una versión muy diferente a la de la serie de televisión original, ya que Eric Thompson es un genio imposible de imitar. Sin embargo, a su manera, la película intenta hacer honor al encanto, a la excentricidad y al sentido del humor británico de la serie de televisión original. (via)
wikipedia
imdb
Dave Borthwick
The Secret Adventures of Tom Thumb 1:6 (1993)
The Secret Adventures of Tom Thumb 2:6
The Secret Adventures of Tom Thumb 3:6
The Secret Adventures of Tom Thumb 4:6
The Secret Adventures of Tom Thumb 5:6
The Secret Adventures of Tom Thumb 6:6
En un mundo bizarro una joven madre da a luz a nuestro pequeño héroe, quien es inmediatamente capturado por una sociedad de agentes oscuros y encerrado en un laboratorio con fines desconocidos. El film narra los esfuerzos de Tom por escaparse del cautiverio en un mundo plagado de criaturas mutantes y espacios fantásticos que generan un clima imposible de reconstruir con palabras.
Extraña y estremecedora, con una banda sonora perturbadora que acentúa aún más la expresividad de las imágenes, Dave Borthwick se ha currado una pieza maestra de la pixilación. Tom y sus amigos diminutos son figuras de stop-motion mientras que la gente grande (como los padres de Tom y demás) son producto de la pixilación, figuras interpretadas por personas reales (los mismísimos bolexbrothers junto a un grupo de amigos) y fotografiadas trabajosamente cuadro a cuadro para producir una presencia grotesca y saltarina con ecos de ultrarrealidad. Mientras los modelos de insectos y polillas se escabullían por el cuadro, Nick Upton y el resto de la banda fueron utilizados a modo de muñecos humanos siguiendo el ritmo de la animación.
La banda sonora es tan impresionante como las imágenes, con música de Startled insects y diálogos limitados a gruñidos y exclamaciones de ¡eeeeh!, ¡aaaah! y un que otro acertado ¡ouuuhhh!
Bolexbrothers se formó en 1991 como un grupo independiente de cineastas con sede en Bristol. Partiendo de una comisión para la BBC, realizaron el cortometraje de diez minutos "Tom Thumb" que fue exhibido en la navidad de 1992. A pesar de ser considerada un tanto oscura y retorcida para el festival, el film tuvo muy buena acogida dentro del circuito de la animación y un año más tarde la BBC comisionó un remake en formato de largometraje. Es entonces cuando nace "The secret adventures of Tom Thumb".
INFO
Doogal (2006) Directed by Dave Borthwick, Jean Duval y Frank Passingham
The Magic Roundabout (2005),Directed by Dave Borthwick, Jean Duval y Frank Passingham
Información acerca de la película "El tiovivo mágico".
www.bolexbrothers
Mike Booth
Born in England in 1971, Mike Booth was a model maker for Aardman Animation Studio in Bristol before he made his first short film, the hugely successful The Saint Inspector, produced by the famed Bristol company, bolexbrothers. Little Dark Poet, his second film with the bolexbrothers, was financed by Channel 4 -TV with support by the National Lottery through the Arts Council of England.
The Saint Inspector (1996)
Little Dark Poet (1999)
imdb
www.bolexbrothers
The Saint Inspector (1996)
Little Dark Poet (1999)
imdb
www.bolexbrothers
-AARDMAN
Peter_Lord y David Sproxton fundaron Aardman a mediados de los años 1970, ilusionados por cumplir el sueño de crear películas de animación. Su primer proyecto importante consistió en realizar las secuencias animadas de un programa para niños, de la televisión británica. Por aquel tiempo también incursionaron en sus primeros cortometrajes para adultos.
Más tarde el dúo realizó cortometrajes para el canal público británico, a la vez que incorporaba animadores, entre ellos Nick Park. El corto de Park fue el primero del estudio que ganara un Oscar. Él además crearía tiempo más tarde los personajes Wallace y Gromit, que lo hicieron famoso. En el año 2000 el estudio realiza su primer largometraje, Pollitos en fuga. Éste fue un éxito de taquilla y trajo más Oscars a la compañía. (wikipedia)
Richard Goleszowski - Ident (1989)
"Shaun The Sheep - Life's A Treat"
"The Curse of the Were-Rabbit" fragmento
"snoozatron "
"Deadline"
"insects"
"Creature comfort - What´s all about "
"Purple and Brown - StepDance"
"Chicken Run" fragmento
"Ratónpolis" trailer
www.aardman.com
Más tarde el dúo realizó cortometrajes para el canal público británico, a la vez que incorporaba animadores, entre ellos Nick Park. El corto de Park fue el primero del estudio que ganara un Oscar. Él además crearía tiempo más tarde los personajes Wallace y Gromit, que lo hicieron famoso. En el año 2000 el estudio realiza su primer largometraje, Pollitos en fuga. Éste fue un éxito de taquilla y trajo más Oscars a la compañía. (wikipedia)
Richard Goleszowski - Ident (1989)
"Shaun The Sheep - Life's A Treat"
"The Curse of the Were-Rabbit" fragmento
"snoozatron "
"Deadline"
"insects"
"Creature comfort - What´s all about "
"Purple and Brown - StepDance"
"Chicken Run" fragmento
"Ratónpolis" trailer
www.aardman.com
Joanna Quinn
Lo primero que sorprende de Joanna cuando la conoces, siendo una figura tan relevante y reputada en el mundo de la animación, es su accesibilidad, su amabilidad y su absoluta falta de pretensiones. Esas mismas cualidades pueden encontrarse latentes en los personajes de sus películas. Personajes que, a menudo, viven a la sombra de sus amigos y conocidos más ambiciosos y seguros de sí mismos, pero que rebosan calor humano y alegría de vivir. Joanna siempre se ha identificado con las heroínas olvidadas de la sociedad, con las mujeres sin glamour, corrientes, las menos representadas. Sus personajes, sobre todo los femeninos, emergen casi sin querer, y cuando menos te lo esperas, de mundos convencionales en los que la normalidad, la camaradería y el optimismo son virtudes comunes, pero de los que surgen periódicamente paréntesis deslumbrantes y sorprendentes que impactan y sobresaltan. Es uno de los muchos placeres de los que puede disfrutar el público con las películas de Joanna.
Nació en Birmingham, Inglaterra, en 1962 y pasó la mayor parte de su infancia en Londres. A nadie sorprenderá que su vocación por la animación empezara a una edad muy temprana, a raíz de su devoción absoluta por el dibujo. Siendo hija única de una familia monoparental, se entretenía inventándose sus propios mundos, y adentrándose en ellos con la simple y efectiva ayuda de un lápiz. Ganó su primer premio de dibujo a los ocho años, en un concurso que vio en un paquete de cereales. Antes de descubrir la animación, su ambición inicial era convertirse en dibujante de cómics, inspirada por las tiras políticas de Gillray, Grosz y Heartfield, las tiras cómicas de Hergé y las caricaturas sociopolíticas de Steve Bell y Posy Simmonds. Le interesaban mucho más la realidad social y la crítica política que el mundo de fantasía evocado en la mayoría de los cómics norteamericanos de más popularidad. Lo único que tenían en común estos cómics era que todos contenían personajes increíblemente estudiados, minuciosamente dibujados y con un mordaz tono satírico, cualidades encontradas también en el trabajo de los artistas preferidos de Joanna; artistas como Goya, Velázquez, Daumier, Lautrec y Degas.
Dreams and Desires: Family Ties from atach on Vimeo.
"Dreams and Desires: Family Ties" (2006)
La aguda observación era, y sigue siendo, la clave del vocabulario visual de Joanna. Sus primeras tiras cómicas estaban basadas en experiencias propias. Sin embargo, la falta de energía que -según ella- se apreciaba en esas tiras, le provocaba insatisfacción y frustración. Necesitaba un medio más dinámico y expresivo para dar vida a sus personajes. Y así, en la Universidad de Middlesex fue donde experimentó por primera vez con la animación. Fue una revelación inmediata: por fin había encontrado un medio que insuflaría vitalidad y energía a sus dibujos, aunque para muchos ya había demostrado un dinamismo excepcional y un estilo fluido, que anticipaban las cualidades que más tarde harían de sus animaciones creaciones vibrantes y características.
Desde ese momento, la animación se convertiría en su obsesión. En la universidad produjo una serie de cortometrajes de animación, entre los que se encuentran Superdog y Dancer, que culminaron con su proyecto final de carrera, Girls Night Out, una crítica al machismo brillantemente sencilla y humorística, y un canto al deseo femenino sin inhibiciones. Esta película, realizada con un presupuesto muy reducido, fue la presentación de la insólita heroína Beryl y no tardó en convertirse en un éxito internacional que lanzó a Joanna y a Beryl a la escena mundial. Con el tiempo, el personaje único y memorable de Beryl se convertiría en el eje central de otras dos películas muy personales: Body Beautiful y Dreams and Desires - Family Ties.
Demo
La política de género y opresión, junto al gusto y la fascinación obsesiva de Joanna por explorar las excentricidades del cuerpo humano, en particular la figura femenina, se convirtieron en los temas centrales de su trabajo, que no se limita únicamente a las películas de autor. Con su compañía Beryl Productions, situada en Cardiff, Gales, ha producido una amplísima variedad de inconfundibles películas y anuncios de televisión por encargo, que incluyen la nominada al Oscar Wife of Bath, una adaptación estridente y mordaz de uno de los relatos de los Cuentos de Canterbury de Chaucer; Elles, un canto vivaz y excepcional al trabajo de Toulouse Lautrec; y Britannia, una crítica cáustica y feroz al desarrollo y al legado del imperialismo británico. Muchos consideran Britannia su obra maestra, una película que engloba todas las características propias de su trabajo: una caracterización brillante, una sublime aptitud para el dibujo y una técnica de animación excepcional.
Les Mills.(via)
"Hand drawn Charmin Bears " animación comercial
Nació en Birmingham, Inglaterra, en 1962 y pasó la mayor parte de su infancia en Londres. A nadie sorprenderá que su vocación por la animación empezara a una edad muy temprana, a raíz de su devoción absoluta por el dibujo. Siendo hija única de una familia monoparental, se entretenía inventándose sus propios mundos, y adentrándose en ellos con la simple y efectiva ayuda de un lápiz. Ganó su primer premio de dibujo a los ocho años, en un concurso que vio en un paquete de cereales. Antes de descubrir la animación, su ambición inicial era convertirse en dibujante de cómics, inspirada por las tiras políticas de Gillray, Grosz y Heartfield, las tiras cómicas de Hergé y las caricaturas sociopolíticas de Steve Bell y Posy Simmonds. Le interesaban mucho más la realidad social y la crítica política que el mundo de fantasía evocado en la mayoría de los cómics norteamericanos de más popularidad. Lo único que tenían en común estos cómics era que todos contenían personajes increíblemente estudiados, minuciosamente dibujados y con un mordaz tono satírico, cualidades encontradas también en el trabajo de los artistas preferidos de Joanna; artistas como Goya, Velázquez, Daumier, Lautrec y Degas.
Dreams and Desires: Family Ties from atach on Vimeo.
"Dreams and Desires: Family Ties" (2006)
La aguda observación era, y sigue siendo, la clave del vocabulario visual de Joanna. Sus primeras tiras cómicas estaban basadas en experiencias propias. Sin embargo, la falta de energía que -según ella- se apreciaba en esas tiras, le provocaba insatisfacción y frustración. Necesitaba un medio más dinámico y expresivo para dar vida a sus personajes. Y así, en la Universidad de Middlesex fue donde experimentó por primera vez con la animación. Fue una revelación inmediata: por fin había encontrado un medio que insuflaría vitalidad y energía a sus dibujos, aunque para muchos ya había demostrado un dinamismo excepcional y un estilo fluido, que anticipaban las cualidades que más tarde harían de sus animaciones creaciones vibrantes y características.
Desde ese momento, la animación se convertiría en su obsesión. En la universidad produjo una serie de cortometrajes de animación, entre los que se encuentran Superdog y Dancer, que culminaron con su proyecto final de carrera, Girls Night Out, una crítica al machismo brillantemente sencilla y humorística, y un canto al deseo femenino sin inhibiciones. Esta película, realizada con un presupuesto muy reducido, fue la presentación de la insólita heroína Beryl y no tardó en convertirse en un éxito internacional que lanzó a Joanna y a Beryl a la escena mundial. Con el tiempo, el personaje único y memorable de Beryl se convertiría en el eje central de otras dos películas muy personales: Body Beautiful y Dreams and Desires - Family Ties.
Demo
La política de género y opresión, junto al gusto y la fascinación obsesiva de Joanna por explorar las excentricidades del cuerpo humano, en particular la figura femenina, se convirtieron en los temas centrales de su trabajo, que no se limita únicamente a las películas de autor. Con su compañía Beryl Productions, situada en Cardiff, Gales, ha producido una amplísima variedad de inconfundibles películas y anuncios de televisión por encargo, que incluyen la nominada al Oscar Wife of Bath, una adaptación estridente y mordaz de uno de los relatos de los Cuentos de Canterbury de Chaucer; Elles, un canto vivaz y excepcional al trabajo de Toulouse Lautrec; y Britannia, una crítica cáustica y feroz al desarrollo y al legado del imperialismo británico. Muchos consideran Britannia su obra maestra, una película que engloba todas las características propias de su trabajo: una caracterización brillante, una sublime aptitud para el dibujo y una técnica de animación excepcional.
Les Mills.(via)
"Hand drawn Charmin Bears " animación comercial
Jonathan Hodgson
Jonathan Hodgson was born in Oxford in 1960 and educated at Liverpool Polytechnic and the Royal College of Art. He has won countless international and national awards with his short films including a BAFTA in 2000, a BAFTA nomination in 2002, the Award for The Most Creative Use of New Technology at the British Animation Awards 1998 and the ZKM International Media/Art Award in Karlsruhe, Germany.
His first commission after leaving the RCA was to make a film about nuclear disarmament for the United Nations with co director Susan Young. After three years in partnership with Young directing animated commercials and title sequences he moved on to become a director at Felix Films. He was a founder member of Bermuda Shorts and was also a directer at Speedy Films before setting up Sherbet with Producer Jonathan Bairstow in 1996.
He has directed a variety of high profile TV commercials including campaigns for Saab, Bell Atlantic Telecommunications, Bank of Switzerland and Persil.
His work has been featured in several major publications, most recently in The animate! Book published by LUX in 2006.
He has lectured extensively including the Royal College of Art, the Surrey Institute at Farnham and the Film Akademie Barden Wurtemburg, Germany. He is lead external examiner for the Graphic Design Department of Norwich School of Art. He has been a mentor for the A.I.R. Scheme, the Channel 4 MESH scheme and The London Animation School. He has presented retrospectives of his work at Norwich Animation Festival and Hull Short Film Festival as well as Anima Mundi Animation Festival, Brazil. In 2006 as the guest of the National Film Board of Canada he presented a master class in Ottawa, Toronto and Montreal. (via)
"Forest Murmurs" (2006)
"The Man with the Beautiful Eyes" (1999)
Artículo sobre este corto escrito por María Lorenzo para Tren de sombras Núm. 6.
"Camouflage" (2001) fragmento
hodgsonfilms.com , Web del autor.
Sherbet es la agencia Inglesa que representa a Hodgson.
His first commission after leaving the RCA was to make a film about nuclear disarmament for the United Nations with co director Susan Young. After three years in partnership with Young directing animated commercials and title sequences he moved on to become a director at Felix Films. He was a founder member of Bermuda Shorts and was also a directer at Speedy Films before setting up Sherbet with Producer Jonathan Bairstow in 1996.
He has directed a variety of high profile TV commercials including campaigns for Saab, Bell Atlantic Telecommunications, Bank of Switzerland and Persil.
His work has been featured in several major publications, most recently in The animate! Book published by LUX in 2006.
He has lectured extensively including the Royal College of Art, the Surrey Institute at Farnham and the Film Akademie Barden Wurtemburg, Germany. He is lead external examiner for the Graphic Design Department of Norwich School of Art. He has been a mentor for the A.I.R. Scheme, the Channel 4 MESH scheme and The London Animation School. He has presented retrospectives of his work at Norwich Animation Festival and Hull Short Film Festival as well as Anima Mundi Animation Festival, Brazil. In 2006 as the guest of the National Film Board of Canada he presented a master class in Ottawa, Toronto and Montreal. (via)
"Forest Murmurs" (2006)
"The Man with the Beautiful Eyes" (1999)
Artículo sobre este corto escrito por María Lorenzo para Tren de sombras Núm. 6.
"Camouflage" (2001) fragmento
hodgsonfilms.com , Web del autor.
Sherbet es la agencia Inglesa que representa a Hodgson.
Caroline Leaf
En 1984 se reunieron en Los Ángeles 50 críticos y cineastas nombrados por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Holywood para determinar cuáles eran las mejores obras de animación de todos los tiempos. Caroline Leaf y su obra "The street" quedaron en segundo lugar, por delante del mismísimo Walt Disney.
Caroline Leaf ha conseguido a través de la investigación, la experimentación y la aplicación de técnicas artesanales la conservación de un cine animado que permanece muy lejos, de las maneras comerciales adquiridas a través de los programas informáticos. A lo largo de su vida ha acumulado cerca de un centenar de importantes galardones internacionales y ha creado algunas de las películas más emocionantes de la historia de la animación.
Desde niña, Caroline Leaf (Seattle, 1946) era una lectora compulsiva con una insólita facilidad para contar historias a través de sus dibujos. Animada por sus padres, estudia Artes Visuales en el Radcliffe College de la Universidad de Harvard, donde toma contacto con el cine de animación y, pese a sus iniciales suspicacias, descubre las posibilidades comunicativas y expresivas que le ofrece la animación. Allí desarrolló una técnica propia valiéndose de un material atípico, hasta entonces jamás utilizado en ese tipo de cine: la arena de playa.
Sus investigaciones en el cine de animación con arena dan su fruto en su primer trabajo, de su época de estudiante, "Sand or Peter and the wolf" (1969). Su temprana experimentación en el campo de la animación le vale una beca en Harvard y la posibilidad de rodar su segunda película, "Orfeo" (1972), en la que trabaja con pintura sobre cristal, técnica que vuelve a emplear en su tercera pieza, "How beaver stole fire" (1972). En ese mismo año se muda a Canadá, invitada por la National Film Board of Canada, un centro público de producción cinematográfica cuya misión es fomentar la creación audiovisual sobre temas autóctonos y que permite a los artistas un elevado grado de libertad creadora. En este entorno, Leaf puede desarrollar sus historias a la vez que va introduciendo novedades en sus películas, como la incorporación del diálogo y, posteriormente, el color. Caroline se involucra e identifica con este ambiente y llega a adoptar la nacionalidad canadiense.
Uno de los proyectos más interesantes de esta época es su película "The owl who married a goose" (1974), un verdadero trabajo de investigación sobre el terreno. Leaf viaja al Ártico, donde convive con un poblado esquimal y adapta una leyenda popular que, a lo largo de los años, había permanecido intacta en la comunidad esquimal. Mientras estaba allí, percibió que las mujeres esquimales tenían el talento de imitar perfectamente los sonidos de los animales de esas latitudes, porque de pequeñas habían acompañado a sus padres en las cacerías, en las que, para atraer a los animales, reproducían sus sonidos. Así, tras animar la película en Montreal valiéndose de la técnica de pintura sobre cristal, Leaf decide volver al Ártico e incorporar sonido a su pieza de animación. El resultado: seis ancianas sentadas en torno a un micrófono reproduciendo los sonidos de las especies que pueblan el ártico.
"The owl who married a goose" (1974): Esta versión carece del sonido original.
Con el trabajo de recuperación de la leyenda esquimal consigue 11 premios, pero es con sus dos películas siguientes cuando le llega el reconocimiento internacional. "The street" (1976), que recoge un cuento de Mordecai Richler sobre las reacciones y sentimientos de una familia ante la abuela moribunda, cosechó 22 premios y quedó segunda en el ránking de las mejores películas de animación de todos los tiempos en los Animation Olympics de los Ángeles de 1984, desbancando al mismísimo Walt Disney. Para esta obra, Leaf recurre a una mezcla de pintura con glicerina, material que da una fluidez y una textura semejante a trabajar con arena.
En "The metamorphosis of Mr. Samsa" (1977), Leaf intenta crear una atmósfera a través de la arena, enfatizando las sombras y reduciendo al máximo los detalles, para intentar transmitir el complejo y misterioso mundo de los relatos de Kafka, trabajo que le valió diez premios más.
"The Metamorphosis Of Mr Samsa" (1977)
Tras el enorme éxito de sus obras, decide abrirse nuevas posibilidades con la colaboración con otros artistas. Por ello, se une a Veronica Soul, una cineasta experimental con la que crea "Interview" (1979), un ejercicio de búsqueda en el que las dos mujeres plasman sus percepciones sobre la otra a través de sus propias técnicas de animación. Más adelante, también prueba suerte con el documental en "Kate and Anna McGarrigle" (1981), pero encuentra dificultad de crear el ritmo adecuado y acusa la falta de flexibilidad de la cámara, problemas a los que no se había enfrentado antes cuando trabajaba en la animación. De esta manera, vuelve a la animación con "An equal opportunity" (1982), y en 1986 realiza la adaptación de dos leyendas chinas y mexicanas, sin abandonar su voluntad de experimentación.
En "Two Sisters" (1990), innova en la técnica de rascar sobre la película de 70 mm para crear potentes imágenes que ganan en expresividad al reproducirlas en 35 mm. Recupera esta técnica en "I met a man" (1991), un clip de un minuto de duración que ideó para la MTV.
En 1991, tras diecinueve años, abandona la National Film Board of Canada en la que ha trabajado no sólo como diseñadora o dibujante, sino también como adaptadora, guionista, animadora y directora de sus películas, a la vez que ha desarrollado las tareas de edición o sonido. Caroline Leaf decide entonces depositar todas sus energías en su faceta de pintora, para lo que ubica su estudio en Montreal.
Sin embargo, no abandona la animación, puesto que sigue desarrollando sus técnicas en los diferentes anuncios de 30 segundos que crea para diferentes empresas, tareas que no le impiden seguir pintando.
Actualmente, reside en Inglaterra, desde donde se le reclama como jurado en numerosos festivales de animación o se le solicita que acerque sus originales y personales técnicas a través de talleres de creación para jóvenes (y no tan jóvenes) amantes del cine de animación.
El poder de la imaginación
Caroline Leaf se desmarca de las tendencias actuales del cine de animación digital y reivindica su labor de artista en contacto directo con los materiales. El resultado de imprimir esta técnica artesanal es una pieza de animación fresca, viva, única y personal, en la que la arena y la pintura cobran vida y movimiento, a la vez que transmiten historias de alto voltaje emocional. Un cuarto oscuro, una cámara fija y un cristal sobre el que deposita y manipula granos de arena o gotas de pintura: esto es lo único que Leaf necesita para crear sus historias. (via)
Caroline Leaf Home Page
Caroline Leaf ha conseguido a través de la investigación, la experimentación y la aplicación de técnicas artesanales la conservación de un cine animado que permanece muy lejos, de las maneras comerciales adquiridas a través de los programas informáticos. A lo largo de su vida ha acumulado cerca de un centenar de importantes galardones internacionales y ha creado algunas de las películas más emocionantes de la historia de la animación.
Desde niña, Caroline Leaf (Seattle, 1946) era una lectora compulsiva con una insólita facilidad para contar historias a través de sus dibujos. Animada por sus padres, estudia Artes Visuales en el Radcliffe College de la Universidad de Harvard, donde toma contacto con el cine de animación y, pese a sus iniciales suspicacias, descubre las posibilidades comunicativas y expresivas que le ofrece la animación. Allí desarrolló una técnica propia valiéndose de un material atípico, hasta entonces jamás utilizado en ese tipo de cine: la arena de playa.
Sus investigaciones en el cine de animación con arena dan su fruto en su primer trabajo, de su época de estudiante, "Sand or Peter and the wolf" (1969). Su temprana experimentación en el campo de la animación le vale una beca en Harvard y la posibilidad de rodar su segunda película, "Orfeo" (1972), en la que trabaja con pintura sobre cristal, técnica que vuelve a emplear en su tercera pieza, "How beaver stole fire" (1972). En ese mismo año se muda a Canadá, invitada por la National Film Board of Canada, un centro público de producción cinematográfica cuya misión es fomentar la creación audiovisual sobre temas autóctonos y que permite a los artistas un elevado grado de libertad creadora. En este entorno, Leaf puede desarrollar sus historias a la vez que va introduciendo novedades en sus películas, como la incorporación del diálogo y, posteriormente, el color. Caroline se involucra e identifica con este ambiente y llega a adoptar la nacionalidad canadiense.
Uno de los proyectos más interesantes de esta época es su película "The owl who married a goose" (1974), un verdadero trabajo de investigación sobre el terreno. Leaf viaja al Ártico, donde convive con un poblado esquimal y adapta una leyenda popular que, a lo largo de los años, había permanecido intacta en la comunidad esquimal. Mientras estaba allí, percibió que las mujeres esquimales tenían el talento de imitar perfectamente los sonidos de los animales de esas latitudes, porque de pequeñas habían acompañado a sus padres en las cacerías, en las que, para atraer a los animales, reproducían sus sonidos. Así, tras animar la película en Montreal valiéndose de la técnica de pintura sobre cristal, Leaf decide volver al Ártico e incorporar sonido a su pieza de animación. El resultado: seis ancianas sentadas en torno a un micrófono reproduciendo los sonidos de las especies que pueblan el ártico.
"The owl who married a goose" (1974): Esta versión carece del sonido original.
Con el trabajo de recuperación de la leyenda esquimal consigue 11 premios, pero es con sus dos películas siguientes cuando le llega el reconocimiento internacional. "The street" (1976), que recoge un cuento de Mordecai Richler sobre las reacciones y sentimientos de una familia ante la abuela moribunda, cosechó 22 premios y quedó segunda en el ránking de las mejores películas de animación de todos los tiempos en los Animation Olympics de los Ángeles de 1984, desbancando al mismísimo Walt Disney. Para esta obra, Leaf recurre a una mezcla de pintura con glicerina, material que da una fluidez y una textura semejante a trabajar con arena.
En "The metamorphosis of Mr. Samsa" (1977), Leaf intenta crear una atmósfera a través de la arena, enfatizando las sombras y reduciendo al máximo los detalles, para intentar transmitir el complejo y misterioso mundo de los relatos de Kafka, trabajo que le valió diez premios más.
"The Metamorphosis Of Mr Samsa" (1977)
Tras el enorme éxito de sus obras, decide abrirse nuevas posibilidades con la colaboración con otros artistas. Por ello, se une a Veronica Soul, una cineasta experimental con la que crea "Interview" (1979), un ejercicio de búsqueda en el que las dos mujeres plasman sus percepciones sobre la otra a través de sus propias técnicas de animación. Más adelante, también prueba suerte con el documental en "Kate and Anna McGarrigle" (1981), pero encuentra dificultad de crear el ritmo adecuado y acusa la falta de flexibilidad de la cámara, problemas a los que no se había enfrentado antes cuando trabajaba en la animación. De esta manera, vuelve a la animación con "An equal opportunity" (1982), y en 1986 realiza la adaptación de dos leyendas chinas y mexicanas, sin abandonar su voluntad de experimentación.
En "Two Sisters" (1990), innova en la técnica de rascar sobre la película de 70 mm para crear potentes imágenes que ganan en expresividad al reproducirlas en 35 mm. Recupera esta técnica en "I met a man" (1991), un clip de un minuto de duración que ideó para la MTV.
En 1991, tras diecinueve años, abandona la National Film Board of Canada en la que ha trabajado no sólo como diseñadora o dibujante, sino también como adaptadora, guionista, animadora y directora de sus películas, a la vez que ha desarrollado las tareas de edición o sonido. Caroline Leaf decide entonces depositar todas sus energías en su faceta de pintora, para lo que ubica su estudio en Montreal.
Sin embargo, no abandona la animación, puesto que sigue desarrollando sus técnicas en los diferentes anuncios de 30 segundos que crea para diferentes empresas, tareas que no le impiden seguir pintando.
Actualmente, reside en Inglaterra, desde donde se le reclama como jurado en numerosos festivales de animación o se le solicita que acerque sus originales y personales técnicas a través de talleres de creación para jóvenes (y no tan jóvenes) amantes del cine de animación.
El poder de la imaginación
Caroline Leaf se desmarca de las tendencias actuales del cine de animación digital y reivindica su labor de artista en contacto directo con los materiales. El resultado de imprimir esta técnica artesanal es una pieza de animación fresca, viva, única y personal, en la que la arena y la pintura cobran vida y movimiento, a la vez que transmiten historias de alto voltaje emocional. Un cuarto oscuro, una cámara fija y un cristal sobre el que deposita y manipula granos de arena o gotas de pintura: esto es lo único que Leaf necesita para crear sus historias. (via)
Caroline Leaf Home Page
Phil Mulloy
En un magnífico ensayo sobre la trilogía "Intolerance", David Flórez escribe:
En el mundo del artista satírico no existe la belleza o el respeto. Para su mente, no existe nada sagrado, todo, absolutamente todo, puede y debe ser atacado, demolido, destruido, objeto y objetivo de la burla y la risa. No es de extrañar por tanto, que, independientemente del ideario político del artista satírico, su obra sólo sirva para crearle enemigos, tanto entre su bando como en el contrario. No es infrecuente tampoco, que la personalidad del artista satírico sea la del escéptico, la del cascarrabias, la del amargado y desengañado, o que su carrera acabe en la soledad y el aislamiento, simplemente porque constituye una molestia para todos, un incómodo recordatorio, que no se pliega a las consignas y eslóganes de partidos y gobiernos, ni siquiera los de los suyos.
Cualquier plano de la prolífica obra de Phil Mulloy, sirve para confirmar que él pertenece a esa larga tradición de la sátira, el sarcasmo y la ironía. (via)
"the chain" (1998) part 1/2
"the chain" (1998) part 2/2
Phil Mulloy was born in Wallasey, Cheshire, and was educated locally before attending Ravensbourne Art College in South London, where he studied painting. After completing a short animated film as part of his entrance requirements for the Royal College of Art, he specialised in making live-action film and television material. Mulloy graduated in 1971 and worked as a writer and director until the late Eighties. A move to Wales saw a shift in Mulloy's work, and he began to make animated films on a full-time basis in a converted cowshed near Carmarthen.
Eye of the Storm (1989) was a study of a child coming to terms with human brutality, and featured startling imagery influenced by the hanging of Russian prisoners of war. Such work anticipates the iconoclastic dynamism of a decade which followed, and the extensive thematic preoccupation of man's inhumanity to man. Possession (1990), a mixture of live-action and animation, based on the Red Riding Hood story, explores the symbolic tension between the wolf as an agent of chaos, and the woodcutter as the imposer of order; a metaphoric site Mulloy consistently engages with to expose the illusory, contradictory and nihilistic aspects of 'civilised' society.
The six-part series for Channel Four, Cowboys (1991), brought his work to national and international prominence. Mulloy consolidated his commitment to animation as a liberating vehicle through which he could engage with any issue in any context or genre, and showed how he could achieve this in a personal, 'auteurist' fashion on a highly cost-effective basis. The success of these highly amusing 'takes' on generic codes and conventions, and their address of masculinity in a crisis of excess, prompted Mulloy to pursue these themes further in a series of more personal films. The Sound of Music, his 1992 masterpiece, engages with the deep-rooted sexual and class-based politics of a seemingly arbitrary and violent culture. Direct, witty and challenging, Mulloy's work stands as a model of satiric grotesque unparalleled in British animation. His Ten Commandments (1994-1996) builds on this technique, allying the surreal to the social, and cleverly exposes a God who, by making man in His own image, effectively demonstrates His own flaws, pettiness, and indifference. This God is as inhumane as the humanity he has created. Mulloy's various perspectives in The History of the World (1994) are just as fearless in their uninhibited assault on conservative sensibilities.
Mulloy illustrates and interprets the unspeakable and the unjust, knowing that these are the very commonalities in the human condition ignored, marginalised or explicitly repressed in other artworks, but familiar to his viewers. The more specifically personal films share all the preoccupations of the Cowboys and Ten Commandments series, and his best work is characterised by the relationship between the brutalist imagery and the counterpointing, often discordant, soundtracks of his collaborator, Alex Balanescu. The Sound of Music and The Wind of Changes (1996), examples of Mulloy's finest work, are commentaries on the necessity for art to be individualistic and expressive in the face of cultures that exhibit indifference or outright hostility to aesthetic and intellectual 'difference'. Both films reject authoritarianism, materialism and conformism, and promote art, and especially music, as the conduit for liberation and individual assertion. A more playful take on these themes is evident in Intolerance (2000) and Intolerance II: The Invasion (2001) which examine conformism by parodying the science fiction invasion narratives of alien takeover and incipient paranoia. The power and intensity of such imagery not only vindicate animation as a unique form of expression, but also reveal Phil Mulloy as a perceptive critic of the inequality, hypocrisy and conflict underpinning contemporary life. (via)
"serie mandamientos, 1º mandamiento" (1995)
"serie mandamientos, 2º mandamiento" (1995)
"serie mandamientos, 4º mandamiento" (1995)
"serie mandamientos, 5º mandamiento" (1993)
"serie mandamientos, 6º mandamiento" (1994)
"serie mandamientos, 7º mandamiento" (1994)
philmulloy.com
En el mundo del artista satírico no existe la belleza o el respeto. Para su mente, no existe nada sagrado, todo, absolutamente todo, puede y debe ser atacado, demolido, destruido, objeto y objetivo de la burla y la risa. No es de extrañar por tanto, que, independientemente del ideario político del artista satírico, su obra sólo sirva para crearle enemigos, tanto entre su bando como en el contrario. No es infrecuente tampoco, que la personalidad del artista satírico sea la del escéptico, la del cascarrabias, la del amargado y desengañado, o que su carrera acabe en la soledad y el aislamiento, simplemente porque constituye una molestia para todos, un incómodo recordatorio, que no se pliega a las consignas y eslóganes de partidos y gobiernos, ni siquiera los de los suyos.
Cualquier plano de la prolífica obra de Phil Mulloy, sirve para confirmar que él pertenece a esa larga tradición de la sátira, el sarcasmo y la ironía. (via)
"the chain" (1998) part 1/2
"the chain" (1998) part 2/2
Phil Mulloy was born in Wallasey, Cheshire, and was educated locally before attending Ravensbourne Art College in South London, where he studied painting. After completing a short animated film as part of his entrance requirements for the Royal College of Art, he specialised in making live-action film and television material. Mulloy graduated in 1971 and worked as a writer and director until the late Eighties. A move to Wales saw a shift in Mulloy's work, and he began to make animated films on a full-time basis in a converted cowshed near Carmarthen.
Eye of the Storm (1989) was a study of a child coming to terms with human brutality, and featured startling imagery influenced by the hanging of Russian prisoners of war. Such work anticipates the iconoclastic dynamism of a decade which followed, and the extensive thematic preoccupation of man's inhumanity to man. Possession (1990), a mixture of live-action and animation, based on the Red Riding Hood story, explores the symbolic tension between the wolf as an agent of chaos, and the woodcutter as the imposer of order; a metaphoric site Mulloy consistently engages with to expose the illusory, contradictory and nihilistic aspects of 'civilised' society.
The six-part series for Channel Four, Cowboys (1991), brought his work to national and international prominence. Mulloy consolidated his commitment to animation as a liberating vehicle through which he could engage with any issue in any context or genre, and showed how he could achieve this in a personal, 'auteurist' fashion on a highly cost-effective basis. The success of these highly amusing 'takes' on generic codes and conventions, and their address of masculinity in a crisis of excess, prompted Mulloy to pursue these themes further in a series of more personal films. The Sound of Music, his 1992 masterpiece, engages with the deep-rooted sexual and class-based politics of a seemingly arbitrary and violent culture. Direct, witty and challenging, Mulloy's work stands as a model of satiric grotesque unparalleled in British animation. His Ten Commandments (1994-1996) builds on this technique, allying the surreal to the social, and cleverly exposes a God who, by making man in His own image, effectively demonstrates His own flaws, pettiness, and indifference. This God is as inhumane as the humanity he has created. Mulloy's various perspectives in The History of the World (1994) are just as fearless in their uninhibited assault on conservative sensibilities.
Mulloy illustrates and interprets the unspeakable and the unjust, knowing that these are the very commonalities in the human condition ignored, marginalised or explicitly repressed in other artworks, but familiar to his viewers. The more specifically personal films share all the preoccupations of the Cowboys and Ten Commandments series, and his best work is characterised by the relationship between the brutalist imagery and the counterpointing, often discordant, soundtracks of his collaborator, Alex Balanescu. The Sound of Music and The Wind of Changes (1996), examples of Mulloy's finest work, are commentaries on the necessity for art to be individualistic and expressive in the face of cultures that exhibit indifference or outright hostility to aesthetic and intellectual 'difference'. Both films reject authoritarianism, materialism and conformism, and promote art, and especially music, as the conduit for liberation and individual assertion. A more playful take on these themes is evident in Intolerance (2000) and Intolerance II: The Invasion (2001) which examine conformism by parodying the science fiction invasion narratives of alien takeover and incipient paranoia. The power and intensity of such imagery not only vindicate animation as a unique form of expression, but also reveal Phil Mulloy as a perceptive critic of the inequality, hypocrisy and conflict underpinning contemporary life. (via)
"serie mandamientos, 1º mandamiento" (1995)
"serie mandamientos, 2º mandamiento" (1995)
"serie mandamientos, 4º mandamiento" (1995)
"serie mandamientos, 5º mandamiento" (1993)
"serie mandamientos, 6º mandamiento" (1994)
"serie mandamientos, 7º mandamiento" (1994)
philmulloy.com
Tim Watts y David Stoten
The Big Story. This brilliant short film was carried with the screening of Quentin Tarantino's Pulp Fiction upon its theatrical release in the UK.
Tim Watts (one of the directors and animators of the film) , a fellow Kingstonian alumni, came back to Kingston when I was studying there and gave a talk about his work, which included The Big Story. We even got to see pencil tests for the film which you can view by clicking this link.
Tim told us that originally they'd tried to contact Kirk Douglas himself to get him to do the voices but eventually got through to one of Kirk's sons (I cannot recall which) who said Kirk wasn't available to do the voice, but all was not lost. Tim and David where advised by one of Kirk's sons to get hold of Frank Gorshin and get him to do it because apparently, according to them Frank Gorshin could do a better Kirk Douglas than Kirk Douglas. As was testimony in a short clip Tim showed us of one of Gorshin's impersonation routines where he pretends to be both Burt Lancaster and Kirk Douglas.(via)
the big story (1994)
Tim Watts IMDB
David Stoten IMDB
Tim Watts (one of the directors and animators of the film) , a fellow Kingstonian alumni, came back to Kingston when I was studying there and gave a talk about his work, which included The Big Story. We even got to see pencil tests for the film which you can view by clicking this link.
Tim told us that originally they'd tried to contact Kirk Douglas himself to get him to do the voices but eventually got through to one of Kirk's sons (I cannot recall which) who said Kirk wasn't available to do the voice, but all was not lost. Tim and David where advised by one of Kirk's sons to get hold of Frank Gorshin and get him to do it because apparently, according to them Frank Gorshin could do a better Kirk Douglas than Kirk Douglas. As was testimony in a short clip Tim showed us of one of Gorshin's impersonation routines where he pretends to be both Burt Lancaster and Kirk Douglas.(via)
the big story (1994)
Tim Watts IMDB
David Stoten IMDB
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