Theodore Ushev is a Bulgarian born animator, graphic designer, illustrator and multimedia artist, who lives in Montreal, Quebec, Canada.
He was born in Bulgaria and graduated stage decoration, animation, and make-up at Plovdiv's School of Scenic Arts.He obtained a Master degree in Graphic Design from the National Academy of Arts in Sofia.[1] He first made a name as a poster and graphic designer, before moving to Montreal in 1999. There he quickly gained a reputation as an animation filmmaker with for the National Film Board of Canada, with films such as Vertical, The Man Who Waited, Tower Bawher, Tzartitza, and Drux Flux, winner of the Canadian Film Institute Award for Best Canadian Animation at the Ottawa International Animation Festival.[2] He created live show multimedia and promo animations for the British band Public Symphony and David Gilmour’s “In an Island” album and live tour, and the illustrations for Chris Robinson' book "Ballad of a Thin Man: In Search of Ryan Larkin" (2008). VIA WIKIPEDIA
Bashnia Tatlina "Tower Bawher" (2005)
Animators Unearthed: Tower Bawher by Theodore Ushev Artículo de Chris Robinson en Animation World Network
"DRUX FLUX " (2008)
Theodore Ushev has been featured here on several occasions. He has the intellect to confront powerful subjects, applying a range of film and animation skills in his work. Drux Flux handles the issue of man's place in a post-industrial age. The movie commences with the mechanical clatter of a printing press where a battered, sepia edition of the opening title and credit is run off. Thereafter we are on a train journey in which the the ruins of a heavy industrial landscape are explored in a swift moving collage of photographs that move from desolation to molten metal rolling through the steel works; men are seen slaving in a cacophonous industrial hell, before one progresses to the soviet era of propaganda posters, celebrating the worker, an ironic commentary on the preceding images. Elements of the posters are strikingly animated before one is presented with a vision of man reduced to his mechanical skeleton, a figure that collapses in a heap of junk. I knew of Theodore first for his work in Flash where his graphic skills were much in evidence. Here the live action montage is manipulated in After Effects, arranged and overlaid with geometrical arrangements in Flash. The quickfire, mesmeric speed of the action is sustained throughout the piece, machinery seen in close-up, split screen, soviet workers suddenly launched from their frozen stances on the posters, filters of colour and light, a gyrating carousel of action at bewildering pace. He acknowledges the influence of "One-Dimensional Man" (1964) by philosopher Herbert Marcuse who took a swipe at both capitalism and soviet style communism. Alexander Mossolov composed the impressive music whilst the overall sound design is by Olivier Calvert. I live near Sheffield, once the steel capital of the world. The footage Theodore uses of abandoned factories was filmed in Germany though he could as easily have visited the UK. Juxtaposed images galore; and contrasting ideas - a dehumanising environment, industrial ruins devoid of man, the fiction of the glorious workers in the propaganda poster wielding their mighty mallets. (viaAnimation Blog)
"Ottawa" (2008) para Duck Studios
"Walking on by " (2003)
"Tzaritza" (2006)
BLOG de Theodore
WEB de Theodore
www.mortadellatv.com experimental web project
Mostrando entradas con la etiqueta .NFB. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta .NFB. Mostrar todas las entradas
Nicolas Brault
Né à Montréal en 1975, Nicolas Brault est diplômé en design graphique de l'Université du Québec à Montréal. Durant ses études, il réalise deux courts métrages dessinés directement sur tablette graphique : L'Ã¥il (1999) et Vermino (2000).
En 2000, il remporte le Concours Cinéaste recherché(e), de l'ONF, ce qui lui permet de réaliser Antagonia, un film surprenant qui met en scène deux volatiles sur une glace sens dessus dessous, aux prises avec des poissons qui les suivent comme des ombres. Avec ce film, Nicolas Brault implante aussitôt un style personnel marqué par la naÔveté de la situation, la pureté du dessin et l'esprit ludique.
En 2002, il accompagne l'équipage du SEDNA IV au cours de sa mission en Arctique et réalise le film Å’lot. Cette oeuvre dépeint, avec l'épure de l'art inuit et une touche de fantaisie, un monde où les baleines du ciel et les poissons se transforment en ballons. Une ode au Grand Nord qui se livre à l'océan un peu plus chaque année.
Nicolas travaille présentement au scénario de son prochain film, Brésil. (via)
"HUNGU" WEB del corto
The hungu is an African musical instrument, ancestor of the Brazilian berimbau. Its origins are carried on in an ancient tradition. Inspired by the grace and raw beauty of African rock paintings, Nicolas Brault applies his narrative gifts to a world where humans and nature are subtly linked.
Under the African sun, a child walks in the desert with his kin. Death is prowling, but a mother's soul resurrected by music will return strength and life to the child when he becomes a man.
The filmmaker combines 2D animation on a graphics tablet with the warmth of sand animation, thus uniting modernity and tradition, Brazil and Africa, music and memory. Sparse in design and humanist in its outlook, Hungu exudes the elegance and suggestive power of a timeless story. (via)
HUNGU - Rencontre avec l'auteur
Clip du Jour de la Terre Québec 2007
En 2000, il remporte le Concours Cinéaste recherché(e), de l'ONF, ce qui lui permet de réaliser Antagonia, un film surprenant qui met en scène deux volatiles sur une glace sens dessus dessous, aux prises avec des poissons qui les suivent comme des ombres. Avec ce film, Nicolas Brault implante aussitôt un style personnel marqué par la naÔveté de la situation, la pureté du dessin et l'esprit ludique.
En 2002, il accompagne l'équipage du SEDNA IV au cours de sa mission en Arctique et réalise le film Å’lot. Cette oeuvre dépeint, avec l'épure de l'art inuit et une touche de fantaisie, un monde où les baleines du ciel et les poissons se transforment en ballons. Une ode au Grand Nord qui se livre à l'océan un peu plus chaque année.
Nicolas travaille présentement au scénario de son prochain film, Brésil. (via)
"HUNGU" WEB del corto
The hungu is an African musical instrument, ancestor of the Brazilian berimbau. Its origins are carried on in an ancient tradition. Inspired by the grace and raw beauty of African rock paintings, Nicolas Brault applies his narrative gifts to a world where humans and nature are subtly linked.
Under the African sun, a child walks in the desert with his kin. Death is prowling, but a mother's soul resurrected by music will return strength and life to the child when he becomes a man.
The filmmaker combines 2D animation on a graphics tablet with the warmth of sand animation, thus uniting modernity and tradition, Brazil and Africa, music and memory. Sparse in design and humanist in its outlook, Hungu exudes the elegance and suggestive power of a timeless story. (via)
HUNGU - Rencontre avec l'auteur
Clip du Jour de la Terre Québec 2007
-Hothouse
Uno de los sitios de referencia en relación al mundo del cortometraje de animación es la National Film Board of Canada, más con el oscar que se llevó ‘The Danish Poet’ de Torill Kove. Dicho esto, comentaros que esta institución lleva realizando durante los últimos 4 años, un programa que responde al nombre de Hothouse. En él, reunen a un grupo de artistas emergentes de diferentes disciplinas para producir un cortometraje de animación en 12 semanas.
La quinta edición ha reunido, bajo la batuta de Torill Kove, a 6 artistas canadienses y dos brasileños, cuyos perfiles podemos ver en la página de Hothouse, así como un video podcast donde cuentan como está resultando el proceso de filmación de sus respectivos trabajos. Pero lo realmente interesante, es el enlace que allí encontramos, a los trabajos realizados en las tres ediciones anteriores, y que podemos saborear uno a uno.
Son en su mayoría trabajos experimentales, y requiere un tiempo poder verlos todos, pero la experiencia es gratificante, más cuando no nos cansamos de repetir que más allá de Pixar y Disney, existe un universo fascinante en el mundo del cortometraje de animación.(via)
Aquí cuelgo tres muestras de la quinta edición.
"Git Gob" by Phillip Eddolls WEB de Phillip.
Philip Eddolls was born in Bristol, England but raised in Ontario where he graduated from the Ontario College of Art and Design. His short film Wat a Wonderful Day received awards at both the Toronto International Film Festival and the New York Children’s Film Festival. Eddolls was additionally recognized by RES magazine as one of the ‘Top Ten students of 2006’. His films are self-designed, self-constructed and self-animated.
"Batmilk" by Brandon Blommaert.
Brandon was born in Edmonton and studied printmaking in Calgary. From the moment he discovered animation at Calgary’s Quickdraw Animation Society, he can’t look at pictures without seeing them move. He makes animation and other disasters in his living room, while doing battle with a cat that always has the upper-hand.
"Pearl" by Neely Goniodsky.
Neely Goniodsky is a BFA graduate of Concordia University’s Film Animation program, interested in the research and development of mixed media filmmaking. Neely integrates traditional animation techniques with photography creating vibrant, fleeting, cinematographic sentences. She has animated six short student films, before embarking on Pearl, for the NFB Hothouse.
About Hothouse
Hothouse is a 12-week paid apprenticeship program for emerging Canadian filmmakers. Located in Montreal, Quebec, it was created in 2003 by NFB Animation Studio producer Michael Fukushima and executive producer David Verrall. The aim is to re-imagine ways of making animation that are faster, more flexible and that celebrate the shortest of short forms while maintaining creative and technical excellence, all hallmarks of NFB animation.
This is not “quick and dirty” but rather “intense and amazing.” Think of horticultural hothouses where gardeners create optimal growing conditions to encourage the blossoming of exotic orchids and other blooms in weeks rather than months.
This program is for emerging creators from across Canada with the imagination, vision, experience and enthusiasm to relish the Hothouse challenge, to flourish in the Hothouse environment and to accomplish the making of a successful project within the program’s parameters.
Key aspects of Hothouse include the active participation of an experienced mentoring director, a team of NFB technical and post-production experts who support the filmmakers, and emphasis on the role of the producers as creative partners, all of which highlight the collaborative process of NFB filmmaking.
Hothouse takes place over 12 consecutive weeks in the NFB’s Montreal Animation Studio. This is not a funding or schooling program, but rather a 3-month apprenticeship in real-world animation filmmaking. (via)
La quinta edición ha reunido, bajo la batuta de Torill Kove, a 6 artistas canadienses y dos brasileños, cuyos perfiles podemos ver en la página de Hothouse, así como un video podcast donde cuentan como está resultando el proceso de filmación de sus respectivos trabajos. Pero lo realmente interesante, es el enlace que allí encontramos, a los trabajos realizados en las tres ediciones anteriores, y que podemos saborear uno a uno.
Son en su mayoría trabajos experimentales, y requiere un tiempo poder verlos todos, pero la experiencia es gratificante, más cuando no nos cansamos de repetir que más allá de Pixar y Disney, existe un universo fascinante en el mundo del cortometraje de animación.(via)
Aquí cuelgo tres muestras de la quinta edición.
"Git Gob" by Phillip Eddolls WEB de Phillip.
Philip Eddolls was born in Bristol, England but raised in Ontario where he graduated from the Ontario College of Art and Design. His short film Wat a Wonderful Day received awards at both the Toronto International Film Festival and the New York Children’s Film Festival. Eddolls was additionally recognized by RES magazine as one of the ‘Top Ten students of 2006’. His films are self-designed, self-constructed and self-animated.
"Batmilk" by Brandon Blommaert.
Brandon was born in Edmonton and studied printmaking in Calgary. From the moment he discovered animation at Calgary’s Quickdraw Animation Society, he can’t look at pictures without seeing them move. He makes animation and other disasters in his living room, while doing battle with a cat that always has the upper-hand.
"Pearl" by Neely Goniodsky.
Neely Goniodsky is a BFA graduate of Concordia University’s Film Animation program, interested in the research and development of mixed media filmmaking. Neely integrates traditional animation techniques with photography creating vibrant, fleeting, cinematographic sentences. She has animated six short student films, before embarking on Pearl, for the NFB Hothouse.
About Hothouse
Hothouse is a 12-week paid apprenticeship program for emerging Canadian filmmakers. Located in Montreal, Quebec, it was created in 2003 by NFB Animation Studio producer Michael Fukushima and executive producer David Verrall. The aim is to re-imagine ways of making animation that are faster, more flexible and that celebrate the shortest of short forms while maintaining creative and technical excellence, all hallmarks of NFB animation.
This is not “quick and dirty” but rather “intense and amazing.” Think of horticultural hothouses where gardeners create optimal growing conditions to encourage the blossoming of exotic orchids and other blooms in weeks rather than months.
This program is for emerging creators from across Canada with the imagination, vision, experience and enthusiasm to relish the Hothouse challenge, to flourish in the Hothouse environment and to accomplish the making of a successful project within the program’s parameters.
Key aspects of Hothouse include the active participation of an experienced mentoring director, a team of NFB technical and post-production experts who support the filmmakers, and emphasis on the role of the producers as creative partners, all of which highlight the collaborative process of NFB filmmaking.
Hothouse takes place over 12 consecutive weeks in the NFB’s Montreal Animation Studio. This is not a funding or schooling program, but rather a 3-month apprenticeship in real-world animation filmmaking. (via)
Chris Lavis y Maciek Szczerbowski
Chris Lavis y Maciek Szczerbowski terminaron su primera película profesional, Madame Tutli-Putli, producida por el National Film Board of Canada. Además de la dirección, Chris y Maciek tienen otras facetas como la de animadores, escultores, artistas de collage, guionistas y directores artísticos, En 1997 fundaron Clyde Henry Productions, una productora con sede en Montreal especializada en multimedia, animación stop-motion y efectos visuales. Sus premiadas ilustraciones, vídeos musicales y diseños para televisión han recibido una muy buena acogida por parte del público, y lograron convertir The Untold Tales of Yuri Gagarin, una tira cómica publicada por la revista Vice en un cómic de culto. (via)
Recurriendo al tradicional stop motion, pero cuidando al máximo hasta el mínimo detalle, Lavis y Szczerbowski casan felizmente el fantástico existencial y el suspense terrorífico a partir de una imagen icónica frágil y enigmática (Madame Tutli-Putli) y una estampa supuestamente cotidiana pero alegórica (un viaje en tren a través de yermos paisajes en el que los pasajeros parecen cargar con su pasado bajo la apariencia de sus equipajes -de las numerosas maletas que acompañan a nuestra protagonista a las escasas pertenencias de un niño-).
Una travesía silenciosa entre extraños que ofrece miradas cansadas y apesadumbradas, gestos obscenos y desafortunados o una tensa quietud que revela los miedos instintivos y primarios que atormentan a esta mujer y que estallarán como pesadilla inquietante y claustrofóbica en una segunda mitad oscura y abiertamente enclavada en el relato fantaterrorífico donde manda la interpretación libre, pero argumentándose desde resortes psicológicos y existencialistas.
Técnicamente irreprochable y ejecutado minuciosamente, “Madame Putli-Tutli” ejerce su magnetismo y su embrujo combinando con genialidad y madurez la indiscutible belleza de su factura, la poética de su imaginería, y la excitación que produce su embriagador desarrollo, que sin caer en el hermetismo, procura al espectador una intriga de esotérica resolución. (via)
Madame Tutli-Putli Part 1
Madame Tutli-Putli Part 2
Un trabajo innovador por el hecho de la utilización de ojos humanos para la expresión facial de la protagonista. Es decir, está rodado el trabajo en stop-motion, pero a los muñecos no se les han puesto ojos. Los que aparecen son los de una actriz contratada para hacer varias tomas de su mirada con el que trabajar luego el personaje de Madame Tutli-Putli. Y el efecto, como comprobaréis a continuación, es espectacular. (via) Jason Walker nos muestra en su página todo el proceso de inserción de ojos humanos tras la filmación de los muñecos:
Adding human eyes to stop-motion puppets
Back in 2003 when Madame Tutli-Putli was first being discussed as a concept for an animated short film, one of the most important creative issues was how to bring human emotion and expressiveness to stop-motion puppets. Jason and the Clyde Henry's (Chris and Maciek) discussed many different approaches. In the end, the solution arose when Jason tested the tracking and re-timing of live action human eyes onto a stop-motion scene. This test led to the creation of a remarkable production process whereby live action human eyes were added to almost 20 minutes of stop-motion animation in a manner that was perfectly seamless and completely unobtrusive.
Jason developed a system of separating and analyzing the previously shot stop-motion puppet moves, choreographing, rehearsing and shooting a human actor's corresponding "eye performance" to match each puppet move, at the same time recreating as closely as possible all light and shadow passes original to the stop-motion. Once the human eyes were shot, each eye was individually positioned, scaled, re-timed and digitally composited onto the puppet scenes. As different actors were cast for almost all the characters, the requirement was not only to integrate the human eyes onto each puppet, but on a frame by frame basis, match the subtle movement of the puppets, the camera, and the train – all the while retaining the flow of the acting. "This required every trick in the book and more!" exclaims Mr. Walker. The creation of the film and this extraordinarily painstaking process took 4 years from concept to completion. (via)
Madame Tutli Putli (eyes created by Jason Walker)
Madame Tutli Putli (eyes created by Jason Walker)
Madame Tutli Putli (Making off)
Madame Tutli Putli (Animating Madame Tutli-Putli)
Madame Tutli Putli (Producer Marcy Page)
WEB del corto
WEB de los autores
WEB de Jason Walker
Recurriendo al tradicional stop motion, pero cuidando al máximo hasta el mínimo detalle, Lavis y Szczerbowski casan felizmente el fantástico existencial y el suspense terrorífico a partir de una imagen icónica frágil y enigmática (Madame Tutli-Putli) y una estampa supuestamente cotidiana pero alegórica (un viaje en tren a través de yermos paisajes en el que los pasajeros parecen cargar con su pasado bajo la apariencia de sus equipajes -de las numerosas maletas que acompañan a nuestra protagonista a las escasas pertenencias de un niño-).
Una travesía silenciosa entre extraños que ofrece miradas cansadas y apesadumbradas, gestos obscenos y desafortunados o una tensa quietud que revela los miedos instintivos y primarios que atormentan a esta mujer y que estallarán como pesadilla inquietante y claustrofóbica en una segunda mitad oscura y abiertamente enclavada en el relato fantaterrorífico donde manda la interpretación libre, pero argumentándose desde resortes psicológicos y existencialistas.
Técnicamente irreprochable y ejecutado minuciosamente, “Madame Putli-Tutli” ejerce su magnetismo y su embrujo combinando con genialidad y madurez la indiscutible belleza de su factura, la poética de su imaginería, y la excitación que produce su embriagador desarrollo, que sin caer en el hermetismo, procura al espectador una intriga de esotérica resolución. (via)
Madame Tutli-Putli Part 1
Madame Tutli-Putli Part 2
Un trabajo innovador por el hecho de la utilización de ojos humanos para la expresión facial de la protagonista. Es decir, está rodado el trabajo en stop-motion, pero a los muñecos no se les han puesto ojos. Los que aparecen son los de una actriz contratada para hacer varias tomas de su mirada con el que trabajar luego el personaje de Madame Tutli-Putli. Y el efecto, como comprobaréis a continuación, es espectacular. (via) Jason Walker nos muestra en su página todo el proceso de inserción de ojos humanos tras la filmación de los muñecos:
Adding human eyes to stop-motion puppets
Back in 2003 when Madame Tutli-Putli was first being discussed as a concept for an animated short film, one of the most important creative issues was how to bring human emotion and expressiveness to stop-motion puppets. Jason and the Clyde Henry's (Chris and Maciek) discussed many different approaches. In the end, the solution arose when Jason tested the tracking and re-timing of live action human eyes onto a stop-motion scene. This test led to the creation of a remarkable production process whereby live action human eyes were added to almost 20 minutes of stop-motion animation in a manner that was perfectly seamless and completely unobtrusive.
Jason developed a system of separating and analyzing the previously shot stop-motion puppet moves, choreographing, rehearsing and shooting a human actor's corresponding "eye performance" to match each puppet move, at the same time recreating as closely as possible all light and shadow passes original to the stop-motion. Once the human eyes were shot, each eye was individually positioned, scaled, re-timed and digitally composited onto the puppet scenes. As different actors were cast for almost all the characters, the requirement was not only to integrate the human eyes onto each puppet, but on a frame by frame basis, match the subtle movement of the puppets, the camera, and the train – all the while retaining the flow of the acting. "This required every trick in the book and more!" exclaims Mr. Walker. The creation of the film and this extraordinarily painstaking process took 4 years from concept to completion. (via)
Madame Tutli Putli (eyes created by Jason Walker)
Madame Tutli Putli (eyes created by Jason Walker)
Madame Tutli Putli (Making off)
Madame Tutli Putli (Animating Madame Tutli-Putli)
Madame Tutli Putli (Producer Marcy Page)
WEB del corto
WEB de los autores
WEB de Jason Walker
Jay Falconer
Jay Falconer was born May 25th, 1957 and he was raised by a pack of wolves in suburbanWinnipeg. After a mediocre childhood, Jay bid farewell to his lupine family and departed the cave in the cul-de-sac that he called home. After attending Sheridan College in Ontario, Jay dove head first into a mediocre animation career.
Jay has worked on many animation projects, but his most notorious work has been with International Rocketship Ltd. of Vancouver, Canada. He has animated, designed and directed various commercial projects for ROCKETSHIP. In return for his dedication and certain favors, ROCKETSHIP produced Jay's first short cartoon, DOG BRAIN. On his thoughts behind the film, Jay says, "I wanted to explore the unexplored mind-work of man's-best-friend. Marv Newland, my producer, thought it was a mediocre enough idea to make really big money". (via)
"Deadly Deposits " (1992)
"Dog Brain" (1988)
Jay has worked on many animation projects, but his most notorious work has been with International Rocketship Ltd. of Vancouver, Canada. He has animated, designed and directed various commercial projects for ROCKETSHIP. In return for his dedication and certain favors, ROCKETSHIP produced Jay's first short cartoon, DOG BRAIN. On his thoughts behind the film, Jay says, "I wanted to explore the unexplored mind-work of man's-best-friend. Marv Newland, my producer, thought it was a mediocre enough idea to make really big money". (via)
"Deadly Deposits " (1992)
"Dog Brain" (1988)
Marv Newland
Marv Newland began a career making animated motion pictures in Los Angeles with the creation of the short Bambi Meets Godzilla (1969). He designed and animated television commercials until late 1970 and moved to Toronto, Canada, where he designed, directed and animated television commercials, IDs for Sesame Street and Educational Television. In late 1972, Newland moved to Vancouver. He spent two years freelancing for local animated film production companies and animation companies in Chicago and Los Angeles. In 1973 Newland created storyboards for the animated television series Barbapapa at Toonder Studios in Holland.
"Bambi Meets Godzilla" (1969)
In 1975 Newland founded the animated film production company International Rocketship Limited in Vancouver. At Rocketship he produced and directed numerous animated short films including: Sing Beast Sing (1980), Hooray for Sandbox Land (1985), Pink Komkommer (1991), and Fuv (1999). The company also produced short animated films for other directors such as Danny Antonucci and J. Falconer. Newland also designed and directed the National Film Board of Canada vignette, Bill Miner (1978).
"Sing Beast Sing" (1980)
"Black Hula" (1988)
Rocketship also produced TV commercials, IDs for MTV, YTV, and Nickelodeon, and two films – Gary Larson’s Tales from the Far Side (1994) and a sequel in 1996. The first of these productions won the Grand Prix at the Annecy International Animation Festival in 1995. Outside of Rocketship, Newland has freelanced for other animation companies, including directing episodes of the 3D stop motion series The PJs for Will Vinton Studios in Portland, Oregon.
As a freelance designer, Newland created character designs for the animated television series Being Ian (2003-2004) at Studio B Productions in Vancouver. In 2005 he directed Tete a Tete a Tete, an animated short film for the NFB. Currently Newland is animating his own short film, Scratchy, at International Rocketship.(via)
"Bambi Meets Godzilla" (1969)
In 1975 Newland founded the animated film production company International Rocketship Limited in Vancouver. At Rocketship he produced and directed numerous animated short films including: Sing Beast Sing (1980), Hooray for Sandbox Land (1985), Pink Komkommer (1991), and Fuv (1999). The company also produced short animated films for other directors such as Danny Antonucci and J. Falconer. Newland also designed and directed the National Film Board of Canada vignette, Bill Miner (1978).
"Sing Beast Sing" (1980)
"Black Hula" (1988)
Rocketship also produced TV commercials, IDs for MTV, YTV, and Nickelodeon, and two films – Gary Larson’s Tales from the Far Side (1994) and a sequel in 1996. The first of these productions won the Grand Prix at the Annecy International Animation Festival in 1995. Outside of Rocketship, Newland has freelanced for other animation companies, including directing episodes of the 3D stop motion series The PJs for Will Vinton Studios in Portland, Oregon.
As a freelance designer, Newland created character designs for the animated television series Being Ian (2003-2004) at Studio B Productions in Vancouver. In 2005 he directed Tete a Tete a Tete, an animated short film for the NFB. Currently Newland is animating his own short film, Scratchy, at International Rocketship.(via)
Jacques Drouin
La carrière de Jacques Drouin est liée à l’une des techniques les plus rares de l’animation : l’écran d’épingles (animación de agujas*). Les films réalisés avec cet appareil étant peu nombreux, les possibilités de comparaisons sont limitées. Il faut donc placer le travail de Drouin dans la lignée de celui d’Alexandre Alexeïeff (1901-1982) et de Claire Parker (1906-1981), les pionniers de cette technique. Or, bien que les liens soient évidents, il faut reconnaître que le cinéaste a su affirmer sa personnalité en explorant les possibilités de l’instrument.
Dans ses deux premiers films (Trois exercices sur l’écran d’épingles d’Alexeïeff, 1974, et Le paysagiste, 1976), les images, teintées de surréalisme, s’enchaînent au fil de métamorphoses envoûtantes. On retrouve ici une poésie lyrique qui rappelle celle de ses prédécesseurs (on pense à Une nuit sur le Mont Chauve, 1933). Cependant, Le paysagiste, qui raconte les déambulations d’un peintre pénétrant dans l’univers de son tableau, est aussi une œuvre d’intériorité, d’une grande qualité d’émotion. Il s’agit d’ailleurs de la première réalisation marquante de Drouin.
"Le Paysagiste " (1976)
Les années suivantes voient Drouin explorer d’autres pistes. D’abord, il coréalise avec le tchèque Bretislav Pojar L’heure des anges (1986), associant sa technique à l’animation de marionnettes. Le film, tourné sans l’assistance de l’ordinateur, résulte d’un processus complexe grâce auquel les images conçues à l’écran d’épingles se surimposent aux figurines. Cette expérience combinatoire n’aura toutefois pas de suite dans la filmographie du cinéaste, si ce n’est que celui-ci explorera davantage la narration. Historiquement, l’écran d’épingles a toujours été perçu comme une technique de la rêverie; n’ayant pas la mobilité d’une caméra, il se prête mal au découpage cinématographique. Or, dans les œuvres suivantes (Ex-enfant, 1994 et Une leçon de chasse, 2001), Drouin applique à l’appareil les règles de la prise de vues réelles (champ contrechamp, mouvements de caméra, etc.), faisant preuve d’une virtuosité qui demeure peu visible à l’écran.
Empreintes (2004) peut être vu comme un retour aux sources. En effet, nous sentons planer ici l’ombre du Paysagiste. Construit sur un enchaînement de métamorphoses, le film présente la relation d’un artiste avec sa création, à la différence que Drouin y prend la place du peintre et que le tableau est remplacé par l’écran d’épingles. La caméra s’approche très près de la surface, s’aventure derrière elle, dévoile nettement sa matérialité (le métal des épingles, le bas-relief formé par celles-ci). Œuvre emportée et poignante, Empreintes est aussi une déclaration d’amour d’un cinéaste pour l’instrument qui l’a accompagné presque toute sa vie.
Entrevista ONF Jacques Drouin
Biographie:
En 1967, Jacques Drouin découvre l’écran d’épingles* d’Alexeïeff-Parker, un appareil permettant de réaliser des films semblables à des gravures en mouvement. Après des études aux Beaux-Arts et en cinéma, il réalise Trois exercices sur l’écran d’épingles d’Alexeïeff (1974), un film qui annonce Le Paysagiste (1976). Dépeignant les pérégrinations d’un peintre qui pénètre dans l’univers de son imagination, l’œuvre remporte 18 prix internationaux et se voit attribuer la 13e place dans un palmarès des meilleurs films d’animation de tous les temps.
Dans L’Heure des anges, film qu’il a coréalisé avec Bretislav Pojar en 1986, Jacques Drouin intègre les marionnettes du cinéaste tchèque à son univers graphique et y ajoute la couleur. On lui doit également Ex-enfant (1994), pour la collection Droits au cœur, et Une leçon de chasse (2001), d’après un conte de Jacques Godbout. Dans Empreintes (2004), 30 ans après Le Paysagiste, il aborde de nouveau le thème de la création artistique, plaçant l’écran d’épingles au cœur de sa réflexion. Jacques Drouin a aussi signé le montage de quelques films d’animation et réalisé les séquences animées de certains documentaires. (via)
*Animación de pantalla de agujas
La animación de pantalla de agujas es una de las técnicas de animación más originales. Se hace uso de una pantalla llena de agujas que pueden moverse hacia adentro o hacia afuera, presionándolas con un objeto. Estas agujas generan un relieve, el cual se ilumina desde los costados para generar una imagen en la pantalla, con su sombra. El resultado es una imagen que podría confundirse con un sombreado hecho a carbonilla. Con esta técnica se puede lograr una amplia gama de efectos de texturas muy difíciles de conseguir con la animación tradicional por celdas. La técnica fue desarrollada por Alexandre Alexeieff y su esposa Claire Parker, quienes a menudo visitaban el National Film Board of Canada. Esta pareja realizó un total de seis cortometrajes con la pantalla, en un período de cincuenta años.
La pantalla original tenía 240.000 agujas, las que usualmente eran presionadas una por una con una pequeña herramienta o con otros instrumentos especialmente diseñados. Las agujas se unían firmemente a la pantalla, para que la imagen producida por éstas permanezca estable durante días o incluso semanas, dado que cada una era compuesta con tal sutileza. Hoy en día hay disponibles pantallas más pequeñas y baratas, que se venden en la web o en museos de ciencia.
Según Claire Parker, las imágenes creadas con la pantalla de agujas posibilitaban la realización de películas animadas que se escapaban del aspecto chato y "cómico" de la animación por celdas, dando lugar en cambio a efectos dramáticos y poéticos gracias a la explotación del chiaroscuro.
Un animador contemporáneo que utiliza esta técnica es Jacques Drouin, del National Film Board.
Se han hecho varios programas de computador que simulan el efecto de una pantalla de agujas tradicional. (via)
Dans ses deux premiers films (Trois exercices sur l’écran d’épingles d’Alexeïeff, 1974, et Le paysagiste, 1976), les images, teintées de surréalisme, s’enchaînent au fil de métamorphoses envoûtantes. On retrouve ici une poésie lyrique qui rappelle celle de ses prédécesseurs (on pense à Une nuit sur le Mont Chauve, 1933). Cependant, Le paysagiste, qui raconte les déambulations d’un peintre pénétrant dans l’univers de son tableau, est aussi une œuvre d’intériorité, d’une grande qualité d’émotion. Il s’agit d’ailleurs de la première réalisation marquante de Drouin.
"Le Paysagiste " (1976)
Les années suivantes voient Drouin explorer d’autres pistes. D’abord, il coréalise avec le tchèque Bretislav Pojar L’heure des anges (1986), associant sa technique à l’animation de marionnettes. Le film, tourné sans l’assistance de l’ordinateur, résulte d’un processus complexe grâce auquel les images conçues à l’écran d’épingles se surimposent aux figurines. Cette expérience combinatoire n’aura toutefois pas de suite dans la filmographie du cinéaste, si ce n’est que celui-ci explorera davantage la narration. Historiquement, l’écran d’épingles a toujours été perçu comme une technique de la rêverie; n’ayant pas la mobilité d’une caméra, il se prête mal au découpage cinématographique. Or, dans les œuvres suivantes (Ex-enfant, 1994 et Une leçon de chasse, 2001), Drouin applique à l’appareil les règles de la prise de vues réelles (champ contrechamp, mouvements de caméra, etc.), faisant preuve d’une virtuosité qui demeure peu visible à l’écran.
Empreintes (2004) peut être vu comme un retour aux sources. En effet, nous sentons planer ici l’ombre du Paysagiste. Construit sur un enchaînement de métamorphoses, le film présente la relation d’un artiste avec sa création, à la différence que Drouin y prend la place du peintre et que le tableau est remplacé par l’écran d’épingles. La caméra s’approche très près de la surface, s’aventure derrière elle, dévoile nettement sa matérialité (le métal des épingles, le bas-relief formé par celles-ci). Œuvre emportée et poignante, Empreintes est aussi une déclaration d’amour d’un cinéaste pour l’instrument qui l’a accompagné presque toute sa vie.
Entrevista ONF Jacques Drouin
Biographie:
En 1967, Jacques Drouin découvre l’écran d’épingles* d’Alexeïeff-Parker, un appareil permettant de réaliser des films semblables à des gravures en mouvement. Après des études aux Beaux-Arts et en cinéma, il réalise Trois exercices sur l’écran d’épingles d’Alexeïeff (1974), un film qui annonce Le Paysagiste (1976). Dépeignant les pérégrinations d’un peintre qui pénètre dans l’univers de son imagination, l’œuvre remporte 18 prix internationaux et se voit attribuer la 13e place dans un palmarès des meilleurs films d’animation de tous les temps.
Dans L’Heure des anges, film qu’il a coréalisé avec Bretislav Pojar en 1986, Jacques Drouin intègre les marionnettes du cinéaste tchèque à son univers graphique et y ajoute la couleur. On lui doit également Ex-enfant (1994), pour la collection Droits au cœur, et Une leçon de chasse (2001), d’après un conte de Jacques Godbout. Dans Empreintes (2004), 30 ans après Le Paysagiste, il aborde de nouveau le thème de la création artistique, plaçant l’écran d’épingles au cœur de sa réflexion. Jacques Drouin a aussi signé le montage de quelques films d’animation et réalisé les séquences animées de certains documentaires. (via)
*Animación de pantalla de agujas
La animación de pantalla de agujas es una de las técnicas de animación más originales. Se hace uso de una pantalla llena de agujas que pueden moverse hacia adentro o hacia afuera, presionándolas con un objeto. Estas agujas generan un relieve, el cual se ilumina desde los costados para generar una imagen en la pantalla, con su sombra. El resultado es una imagen que podría confundirse con un sombreado hecho a carbonilla. Con esta técnica se puede lograr una amplia gama de efectos de texturas muy difíciles de conseguir con la animación tradicional por celdas. La técnica fue desarrollada por Alexandre Alexeieff y su esposa Claire Parker, quienes a menudo visitaban el National Film Board of Canada. Esta pareja realizó un total de seis cortometrajes con la pantalla, en un período de cincuenta años.
La pantalla original tenía 240.000 agujas, las que usualmente eran presionadas una por una con una pequeña herramienta o con otros instrumentos especialmente diseñados. Las agujas se unían firmemente a la pantalla, para que la imagen producida por éstas permanezca estable durante días o incluso semanas, dado que cada una era compuesta con tal sutileza. Hoy en día hay disponibles pantallas más pequeñas y baratas, que se venden en la web o en museos de ciencia.
Según Claire Parker, las imágenes creadas con la pantalla de agujas posibilitaban la realización de películas animadas que se escapaban del aspecto chato y "cómico" de la animación por celdas, dando lugar en cambio a efectos dramáticos y poéticos gracias a la explotación del chiaroscuro.
Un animador contemporáneo que utiliza esta técnica es Jacques Drouin, del National Film Board.
Se han hecho varios programas de computador que simulan el efecto de una pantalla de agujas tradicional. (via)
Ishu Patel
Through a combination of visionary philosophy, scholarly ideals and innovative technical prowess, Ishu Patel has produced a unique body of work. An internationally acclaimed director, animator and educator who has pursued his project of animating religious and mythical concepts and tales with great art and style, his films have been screened at many international film festivals and been broadcast on television around the world. His numerous international awards include two Academy Award® nominations, the Silver Bear Award at the Berlin International Film Festival, a BAFTA award, a Canadian Film Award and two Genie nominations.
Born in Gujarat, India, Patel earned a BFA from the University of Baroda and completed his graduate studies in Visual Communication at the National Institute of Design in Ahmadabad, where he also served as the head of the Visual Communications Department. He studied advanced graphic design at Allegemeine Gewerbschule in Basel, Switzerland before a Rockefeller Foundation Scholarship brought him to the National Film Board’s Montreal office in 1970 to study animation.
Through the NFB’s outreach programme, Patel conducted animation workshops in Ghana, Hawaii, the former Yugoslavia, India, South Korea and Japan. After a brief return to India, he rejoined the NFB in 1973 and spent several months running animation workshops for Inuit artists and students in the Canadian Arctic. He then returned to the congenial working environment of the Board, where, using beads, intricately designed backgrounds and back-lit plasticine figures, he created abstract worlds for a series of films, including How Death Came to Earth (1971), Afterlife (1977) and Divine Fate (1993). His masterpiece remains the Academy Award-nominated Paradise (1984), a parable about envy that is as luminous as the castle in which the tale is played out.
In addition to his fifteen films for the NFB, Patel created the opening titles for the Ottawa International Animation Festival in 1980 and for the International Tournée of Animation touring film series in 1981. He also created the animation sequences in This Is Me (1979), a film that explores children’s ideas of God, and contributed more than one hundred French-language segments to “Sesame Street”. Semi-retired from filmmaking, he taught experimental animation at the University of Southern California’s Department of Animation and Digital Arts from 1998 to 2001 before leaving to pursue his own projects, including an animated feature tentatively titled "Taj Mahal." (via)
"The Bead Game" (1977)
Mas información en la página del National Film Board of Canada
Born in Gujarat, India, Patel earned a BFA from the University of Baroda and completed his graduate studies in Visual Communication at the National Institute of Design in Ahmadabad, where he also served as the head of the Visual Communications Department. He studied advanced graphic design at Allegemeine Gewerbschule in Basel, Switzerland before a Rockefeller Foundation Scholarship brought him to the National Film Board’s Montreal office in 1970 to study animation.
Through the NFB’s outreach programme, Patel conducted animation workshops in Ghana, Hawaii, the former Yugoslavia, India, South Korea and Japan. After a brief return to India, he rejoined the NFB in 1973 and spent several months running animation workshops for Inuit artists and students in the Canadian Arctic. He then returned to the congenial working environment of the Board, where, using beads, intricately designed backgrounds and back-lit plasticine figures, he created abstract worlds for a series of films, including How Death Came to Earth (1971), Afterlife (1977) and Divine Fate (1993). His masterpiece remains the Academy Award-nominated Paradise (1984), a parable about envy that is as luminous as the castle in which the tale is played out.
In addition to his fifteen films for the NFB, Patel created the opening titles for the Ottawa International Animation Festival in 1980 and for the International Tournée of Animation touring film series in 1981. He also created the animation sequences in This Is Me (1979), a film that explores children’s ideas of God, and contributed more than one hundred French-language segments to “Sesame Street”. Semi-retired from filmmaking, he taught experimental animation at the University of Southern California’s Department of Animation and Digital Arts from 1998 to 2001 before leaving to pursue his own projects, including an animated feature tentatively titled "Taj Mahal." (via)
"The Bead Game" (1977)
Mas información en la página del National Film Board of Canada
Torill Kove
Torill Kove was born and raised in Norway and moved to Canada, where she continued her education and worked in urban planning for several years. Her childhood hobby of drawing and sketching grew into an interest in animation and she returned to school to study animation at Concordia University in Montreal, winning the Kodak Award for her quirky films All You Can Eat, Fallen Angel and Squash and Stretch. Torill has worked in a variety of roles on several National Film Board of Canada productions and wrote the script for the animated short Snails, by the Norwegian filmmaker Pjotr Sapegin. She also illustrated three children's books. Torill's first professional film, My Grandmother Ironed the King's Shirts, co-produced by the National Film Board of Canada and Studio Magica of Oslo, won numerous international awards and was nominated for an OscarÆ. The Danish Poet, Torill's latest film, is an animated short about life's peculiar coincidences.(via)
Online Videos by Veoh.com
"The Danish Poet" (2006) . En Youtube
"My Grandmother Ironed the King's Shirts" (2000)
Online Videos by Veoh.com
"The Danish Poet" (2006) . En Youtube
"My Grandmother Ironed the King's Shirts" (2000)
Malcolm Sutherland
Malcolm Sutherland was a student of both astronomy and classical printmaking before he discovered animation at the Quickdraw Animation Society in Calgary, Alberta. He has since made many animated films both independently and with the National Film Board of Canada. He has been lucky enough to accompany several of his films at major animation festivals around the world, and currently lives in Montreal, Quebec.(via)
The official trailer for "The Astronomer's Dream"
"Birdcalls" (2006)
"The Tourists" (2007)
FORMING GAME (2008)
THE MAKING OF FORMING GAME
Forming Game Instructions: Open box, unfold board. To begin play, place a shape on the board. Interact with the game using your hands. As it develops, the flow of shapes may suggest certain objects or a hidden order. You can bring forth certain forms or sit back and let them come to you. Playing takes time to master, as you must learn to evolve with the game. There is no winner or loser in the forming game, it is played for the fun of it, and although it begins with one piece, what develops is always a mystery ...
The result of several months of interplay between animation filmmaker Malcolm Sutherland and composer and musician Luigi Allemano, Forming Game is an engaging dance of shape and sound. Includes musical cadenza by Ravi Shankar. (via)
Web de Malcolm
aniboom
The official trailer for "The Astronomer's Dream"
"Birdcalls" (2006)
"The Tourists" (2007)
FORMING GAME (2008)
THE MAKING OF FORMING GAME
Forming Game Instructions: Open box, unfold board. To begin play, place a shape on the board. Interact with the game using your hands. As it develops, the flow of shapes may suggest certain objects or a hidden order. You can bring forth certain forms or sit back and let them come to you. Playing takes time to master, as you must learn to evolve with the game. There is no winner or loser in the forming game, it is played for the fun of it, and although it begins with one piece, what develops is always a mystery ...
The result of several months of interplay between animation filmmaker Malcolm Sutherland and composer and musician Luigi Allemano, Forming Game is an engaging dance of shape and sound. Includes musical cadenza by Ravi Shankar. (via)
Web de Malcolm
aniboom
Christopher Hinton
El artista canadisense fue nominado al Oscar en 1992 y recientemente fue premiado en los festivales de animación más importantes del mundo, Annecy, Hiroshima, Zagreb y Ottawa presentando su película "Flux".
Su reconocida obra "Blackfly" - la que fuera nominada al Premio de la Academia Cinematográfica de Hollywood - está inspirada en una canción tradicional canadiense que relata las peripecias de un trabajador víctima de los jejenes en el norte de Ontario.
Christopher Hinton es Profesor en la Universidad de Concordia en Montreal y trabaja en proyectos fílmicos asociado al National Film Board de Canadá siendo uno de los animadores más reconocidos del medio.(via)
"Black Flies" (1991)
"cNote" (2005)
nfb
imdb
Su reconocida obra "Blackfly" - la que fuera nominada al Premio de la Academia Cinematográfica de Hollywood - está inspirada en una canción tradicional canadiense que relata las peripecias de un trabajador víctima de los jejenes en el norte de Ontario.
Christopher Hinton es Profesor en la Universidad de Concordia en Montreal y trabaja en proyectos fílmicos asociado al National Film Board de Canadá siendo uno de los animadores más reconocidos del medio.(via)
"Black Flies" (1991)
"cNote" (2005)
nfb
imdb
Richard Condie
Después de trabajar durante algún tiempo como científico social, el canadiense Richard Condie aprobechó dos becas del gobierno para trabajar con música y artes visuales. Su tercera película, Getting started (1979), tuvo un gran éxito en Europa y confirmó que el destino de Condie era convertirse en un director de culto. El éxito fue aún mayor con The big snit (1985) -el contraste entre un gran conflicto mundial y una tensa partida de ajedrez- premiado en 14 festivales y nominado para el oscar. Condie no esconde la influencia que ejercen sobre él los maestros del NFB de Canadáy da fe de la larga colaboración con el músico Patrick Godfrey. (fuente:"Animation Now!" ed. taschen Gmbh 2004)
"The Big Snit" (1985)
"The Cat Came Back" (1989)
"Getting Started" part 1, (1979)
"Getting Started" part 2, (1979)
www.awn.com
filmreferencelibrary
"The Big Snit" (1985)
"The Cat Came Back" (1989)
"Getting Started" part 1, (1979)
"Getting Started" part 2, (1979)
www.awn.com
filmreferencelibrary
Michèle Cournoyer
Michèle Cournoyer a débuté sa carrière comme décoratrice, costumière et scénariste, collaborant notamment avec Mireille Dansereau et Gilles Carle. Elle a réalisé de nombreux films, dont « Une artiste » (1994), « Le chapeau » (récipiendaire d’un Prix Jutra en 1999) et « Accordéon » (2003).(via)
Le Chapeau (The Hat)(1999)
Entrevista con Michèle Cournoyer. (via)
¿Cuál fue tu primera película?
Mi primera película de animación trataba de un hombre y un niño. El hombre sostenía a su hijo como si fuera un ramo de flores. Tuve esa primera visión animada, si se puede decir así, y entonces fotografié al hombre y animé y pinté cada una de las flores que cubrían al bebé. Con música de Erik Satie, esa fue mi primera película de animación y duraba 30 segundos. Eso me abrió las puertas.
¿Le Chapeau es una película para todos los públicos?
Le Chapeau fue un encargo de una productora que hacía una colección sobre la Convención de Naciones Unidas y los derechos del niño.
Me pidieron que tratara el tema del incesto. El niño tenía derecho a rechazar el abuso, a decir no al abuso. Me embarqué en el proyecto sin saber qué me aguardaba en realidad, aunque había trabajado siempre en temas difíciles como la dependencia afectiva.
Al principio era para niños. En esos momentos trabajaba con el ordenador y la técnica resultaba muy pesada. Tenía multitud de capas de dibujos e imágenes y era todo muy estético, muy colorista, muy realista también. Y además, no lograba encontrar la película en el interior. La película seguía en la superficie, en el exterior. Entonces, poco a poco abandoné la colección sobre los derechos del niño para realizar una película dirigida a adultos.
Progresivamente, pese a la gravedad del asunto, reencontré una libertad que había perdido, y que también me había sido sugerida por una bailarina de striptease que, de joven, había sido bailarina clásica. Eso me interesaba: era un sueño roto. La película es un sueño roto, un juguete roto también. Y el sueño se rompe a lo largo de toda la película.
¿Por qué un sombrero?
Empecé a investigar. Encontré a una mujer que había sobrevivido al incesto. Me ayudó mucho el hecho de que me dijera que la persona que padece abusos, que sufre un incesto, se acuerda siempre de un objeto. Entonces me dije: “de acuerdo, puede tratarse de una mesa, una lámpara...”
En mi caso, sería un sombrero. Detrás de un sombrero uno se puede esconder. Y el incesto ocurre siempre en secreto, es algo que se esconde.
Su presencia tenía que ser obsesiva a lo largo de toda la película. Eso era lo que quería: que el incesto fuera... Eso es, una obsesión.
Háblanos del proceso de creación de Le Chapeau
Tenía que ser algo sentido en el interior. Así que me puse enteramente en la piel de la bailarina de striptease. Sentí lo que ella había sentido y me sentí también como el personaje del padre. A veces yo era el padre, y entonces maltrataba mis pinceles, agarraba mis dibujos, en ocasiones los manchaba sin querer...
Nunca sabía qué me esperaba, fue completamente inconsciente... Yo estaba en comunicación con el inconsciente, con los demonios y los ángeles y todo lo que había en mi interior.
Era muy importante saber que estábamos en el bar, el sitio físico, con el DJ... y que se anunciaba a la bailarina de striptease. 14 Eso es: que ella es bailarina y, de repente, oye una música que le trae a la memoria el sonido de los pasos del hombre que subía por las escaleras, que la sorprende en su... En ese mismo momento, en el bar, ella ve hombres con sombrero, ve el sombrero, y es asaltada por ese recuerdo, que llega sin avisar. Eso es lo que me dijeron cuando investigaba: el recuerdo vuelve cuando menos uno lo espera, sin importar donde uno esté.
Utilicé un contorno negro y, en el blanco tenían que caber toda la juventud y el recuerdo de la mujer. La película está en el interior de la bailarina de striptease y también en mi interior. Me sumergí en su alma. De repente, el recuerdo le asalta y las imágenes se devoran unas a otras. En ese momento se pierde la noción del tiempo, en el incesto surge una especie de niebla. Quien lo sufre no sabe qué está pasando, se encuentra completamente perdido, me imagino. Por eso he querido crear ambivalencia, ambigüedad en las imágenes.
La niña quiere a su padre, yo no quería mostrar un padre necesariamente malo. Pero es seducida por él. Ella no sabe dónde hay que parar, para ella es un juego. La vemos cabalgar sobre un pene; pero para ella es un juego, no sabe lo que es. Nadie le ha enseñado, nadie le ha dicho: eso no se hace. No sabe dónde hay que parar, dónde está la frontera.
¿Tenías la historia clara desde el principio?
No tenía ni idea de cuál sería el resultado. Todo lo que sabía era que..., que lo que yo había experimentado era muy fuerte y doloroso, y que llegaba hasta el fondo de la cuestión. Sabía que en la película pasaba algo inexplicable.
¿Crees que esta película sirve para abrir un debate sobre el tema de los abusos sexuales a menores?
Después de proyectar la película, recibí testimonios de estudiantes. Muchos testimonios.
Algunos, de gente que había sufrido incesto. Así que la película abre un diálogo. Creo que sus imágenes crudas y explícitas sirven también para eso, para decir: esto es lo que pasa en la realidad.
La respuesta fue muy buena, la película provocó... cómo decirlo... sorpresa. Y silencios, muchos silencios. Hace reflexionar. Mucha gente ha pasado por eso, y por otro tipo de abusos.
Le Chapeau (The Hat)(1999)
Entrevista con Michèle Cournoyer. (via)
¿Cuál fue tu primera película?
Mi primera película de animación trataba de un hombre y un niño. El hombre sostenía a su hijo como si fuera un ramo de flores. Tuve esa primera visión animada, si se puede decir así, y entonces fotografié al hombre y animé y pinté cada una de las flores que cubrían al bebé. Con música de Erik Satie, esa fue mi primera película de animación y duraba 30 segundos. Eso me abrió las puertas.
¿Le Chapeau es una película para todos los públicos?
Le Chapeau fue un encargo de una productora que hacía una colección sobre la Convención de Naciones Unidas y los derechos del niño.
Me pidieron que tratara el tema del incesto. El niño tenía derecho a rechazar el abuso, a decir no al abuso. Me embarqué en el proyecto sin saber qué me aguardaba en realidad, aunque había trabajado siempre en temas difíciles como la dependencia afectiva.
Al principio era para niños. En esos momentos trabajaba con el ordenador y la técnica resultaba muy pesada. Tenía multitud de capas de dibujos e imágenes y era todo muy estético, muy colorista, muy realista también. Y además, no lograba encontrar la película en el interior. La película seguía en la superficie, en el exterior. Entonces, poco a poco abandoné la colección sobre los derechos del niño para realizar una película dirigida a adultos.
Progresivamente, pese a la gravedad del asunto, reencontré una libertad que había perdido, y que también me había sido sugerida por una bailarina de striptease que, de joven, había sido bailarina clásica. Eso me interesaba: era un sueño roto. La película es un sueño roto, un juguete roto también. Y el sueño se rompe a lo largo de toda la película.
¿Por qué un sombrero?
Empecé a investigar. Encontré a una mujer que había sobrevivido al incesto. Me ayudó mucho el hecho de que me dijera que la persona que padece abusos, que sufre un incesto, se acuerda siempre de un objeto. Entonces me dije: “de acuerdo, puede tratarse de una mesa, una lámpara...”
En mi caso, sería un sombrero. Detrás de un sombrero uno se puede esconder. Y el incesto ocurre siempre en secreto, es algo que se esconde.
Su presencia tenía que ser obsesiva a lo largo de toda la película. Eso era lo que quería: que el incesto fuera... Eso es, una obsesión.
Háblanos del proceso de creación de Le Chapeau
Tenía que ser algo sentido en el interior. Así que me puse enteramente en la piel de la bailarina de striptease. Sentí lo que ella había sentido y me sentí también como el personaje del padre. A veces yo era el padre, y entonces maltrataba mis pinceles, agarraba mis dibujos, en ocasiones los manchaba sin querer...
Nunca sabía qué me esperaba, fue completamente inconsciente... Yo estaba en comunicación con el inconsciente, con los demonios y los ángeles y todo lo que había en mi interior.
Era muy importante saber que estábamos en el bar, el sitio físico, con el DJ... y que se anunciaba a la bailarina de striptease. 14 Eso es: que ella es bailarina y, de repente, oye una música que le trae a la memoria el sonido de los pasos del hombre que subía por las escaleras, que la sorprende en su... En ese mismo momento, en el bar, ella ve hombres con sombrero, ve el sombrero, y es asaltada por ese recuerdo, que llega sin avisar. Eso es lo que me dijeron cuando investigaba: el recuerdo vuelve cuando menos uno lo espera, sin importar donde uno esté.
Utilicé un contorno negro y, en el blanco tenían que caber toda la juventud y el recuerdo de la mujer. La película está en el interior de la bailarina de striptease y también en mi interior. Me sumergí en su alma. De repente, el recuerdo le asalta y las imágenes se devoran unas a otras. En ese momento se pierde la noción del tiempo, en el incesto surge una especie de niebla. Quien lo sufre no sabe qué está pasando, se encuentra completamente perdido, me imagino. Por eso he querido crear ambivalencia, ambigüedad en las imágenes.
La niña quiere a su padre, yo no quería mostrar un padre necesariamente malo. Pero es seducida por él. Ella no sabe dónde hay que parar, para ella es un juego. La vemos cabalgar sobre un pene; pero para ella es un juego, no sabe lo que es. Nadie le ha enseñado, nadie le ha dicho: eso no se hace. No sabe dónde hay que parar, dónde está la frontera.
¿Tenías la historia clara desde el principio?
No tenía ni idea de cuál sería el resultado. Todo lo que sabía era que..., que lo que yo había experimentado era muy fuerte y doloroso, y que llegaba hasta el fondo de la cuestión. Sabía que en la película pasaba algo inexplicable.
¿Crees que esta película sirve para abrir un debate sobre el tema de los abusos sexuales a menores?
Después de proyectar la película, recibí testimonios de estudiantes. Muchos testimonios.
Algunos, de gente que había sufrido incesto. Así que la película abre un diálogo. Creo que sus imágenes crudas y explícitas sirven también para eso, para decir: esto es lo que pasa en la realidad.
La respuesta fue muy buena, la película provocó... cómo decirlo... sorpresa. Y silencios, muchos silencios. Hace reflexionar. Mucha gente ha pasado por eso, y por otro tipo de abusos.
Janet Perlman
Born in Montreal, Quebec. Studied graphic design and film production at the School of Art and Design of the Montreal Museum of Fine Arts. She joined the Animation Studio of the National Film Board of Canada in 1973. For the next ten years she wrote and directed theatrical shorts, educational films, films for children, and television spots. Some films from this time include LADY FISHBOURNE'S COMPETE GUIDE TO BETTER TABLE MANNERS, WHY ME (co-directed with Derek Lamb), and THE TENDER TALE OF CINDERELLA PENGUIN.
Since that time, Perlman has collaborated with other directors and studios, producing animated sequences for Sesame Street, NOVA, and projects such as R.O. Blechman's The Soldier's Tale, Marv Newland's Anijam and Pink Komkommer, Snowden Fine's Oscar-winning BOB'S BIRTHDAY, and the new titles for the PBS series "Mystery!" (with Derek Lamb, based on the illustrations of Edward Gorey).
Perlman's animated films have won many international awards, including an Academy Award nomination, an Emmy, an American Film Festival Blue Ribbon, the 1991 Parent's Choice Award for best children's video, Best Short Film at the Montreal World Film Festival, and prizes at Ottawa Animation Festival, Varna, Columbus and Chicago. She is a member of the Academy of Motion Picture Arts and Sciences.
In 1989 her satirical graphic novel, Penguins Behind Bars, was published by Nantier, Beall, Minoustchine of New York. Her first children's book, Cinderella Penguin, or, the Little Glass Flipper, based on her film, was published in 1992 by Kids Can Press Ltd. of Toronto, and Viking Penguin in the US, and is now in print in eight languages. Her latest book, The Emperor Penguin's New Clothes, was published in July, 1994 by Kids Can Press, with US publication by Viking Penguin in January 1995.
Perlman taught film animation for three years at the Carpenter Center for the Visual Arts, Harvard University. She returned to the National Film Board of Canada to develop "ShowPeace," a series of animated films for children about conflict resolution. The first title, DINNER FOR TWO, was launched in 1996, and the second one, BULLY DANCE, was completed in 2000. Her most recent credit as writer, producer & director is "Penguins Behind Bars" (2003, TV). (via)
"bully dance" (2000)
janetperlman.com Web de la autora.
Since that time, Perlman has collaborated with other directors and studios, producing animated sequences for Sesame Street, NOVA, and projects such as R.O. Blechman's The Soldier's Tale, Marv Newland's Anijam and Pink Komkommer, Snowden Fine's Oscar-winning BOB'S BIRTHDAY, and the new titles for the PBS series "Mystery!" (with Derek Lamb, based on the illustrations of Edward Gorey).
Perlman's animated films have won many international awards, including an Academy Award nomination, an Emmy, an American Film Festival Blue Ribbon, the 1991 Parent's Choice Award for best children's video, Best Short Film at the Montreal World Film Festival, and prizes at Ottawa Animation Festival, Varna, Columbus and Chicago. She is a member of the Academy of Motion Picture Arts and Sciences.
In 1989 her satirical graphic novel, Penguins Behind Bars, was published by Nantier, Beall, Minoustchine of New York. Her first children's book, Cinderella Penguin, or, the Little Glass Flipper, based on her film, was published in 1992 by Kids Can Press Ltd. of Toronto, and Viking Penguin in the US, and is now in print in eight languages. Her latest book, The Emperor Penguin's New Clothes, was published in July, 1994 by Kids Can Press, with US publication by Viking Penguin in January 1995.
Perlman taught film animation for three years at the Carpenter Center for the Visual Arts, Harvard University. She returned to the National Film Board of Canada to develop "ShowPeace," a series of animated films for children about conflict resolution. The first title, DINNER FOR TWO, was launched in 1996, and the second one, BULLY DANCE, was completed in 2000. Her most recent credit as writer, producer & director is "Penguins Behind Bars" (2003, TV). (via)
"bully dance" (2000)
janetperlman.com Web de la autora.
David Fine y Alison Snowden
Alison Snowden grew up in Arnold, a small suburb of Nottingham, England. Her family came from a long line of butchers, but unfortunately Alison showed little talent in this area. Instead, she spent many hours in her bedroom writing stories and poetry and making puppets.
Her interest in drawing and storytelling continued, but at the end of her schooling she was told by a career advisor that she was far too shy to consider a career in the Arts. Too late to reconsider a career in butchery and with no other calling she defied the advisor and took a Foundation course at Mansfield Art College followed by a Degree in Graphic Design at Lanchester Polytechnic in Coventry. It was during this degree course that she realised how little she was interested in graphic arts and instead, found an interest in animation and film making.
Her early attempts at animation peaked her interest in film directing and so she applied to Britain's National Film and Television School where she studied live action film making. It was there that she met her partner, David Fine. He is not shy in the least, so together they make one normal person. Both Alison and David's interest in animation remained, despite their working in live action. David introduced Alison to the animated short films of The National Film Board of Canada and, having never been inspired by traditional cartoon animation, she found this a revelation. At the end of the four-year course she embarked on her short animated film SECOND CLASS MAIL. This film won numerous awards including an Oscar® nomination and led to pursuing a career in animation with David.
Other notable (non-nominated) credits include GEORGE AND ROSEMARY and PEOPLE AND SCIENCE: A TEST OF TIME (both 1987), IN AND OUT (1989), THE BOSS (1991), DEADLY DEPOSITS (1993) and the TV series "Bob and Margaret" (1998). Recently, she has directed episodes of the British TV series "Peppa Pig" (2004) and "Shaun the Sheep" (2007) at Aardman Animations. (via)
"Bob's Birthday" part1
"Bob's Birthday" part2
"Bob and Margaret" Pt. 1/2 (1995) wikipedia
"Bob and Margaret" Pt. 2/2 (1995) wikipedia
David Fine, born in Toronto, Ontario, Canada. He made a lot of super 8 and 16mm films as a teenager growing up in the suburbs of Canada's biggest city. Despite the vast wasteland that was the Keele and Finch area of Downsview, David found inspiration and many of his films won awards at various festivals. It was this encouragement and the support of many kind people in the film industry in Toronto, which led to David taking a career as a film maker seriously.
At the age of 17 he made a short animated film called THE ONLY GAME IN TOWN (1982). This was a plasticene animated film about a father and son relationship based around a poker game. He co-directed this film with the renowned documentary film maker Ron Mann, but this was before Ron was renowned. This film got a Canadian Academy Award nomination for best short film. David and Ron also collaborated on other short films and lots of record buying.
Just as he finished high school, he was offered the opportunity to take part in the National Film Board of Canada's student film program. So he moved to Montreal for three months and made three short films there. This visit proved to be a great inspiration as he got to work amongst some of the finest animators in the world, including Caroline Leaf, Janet Perlman, Derek Lamb, Sheldon Cohen, Co Hoedeman and many other talented artists.
After that, at the age of 19, he made a half hour documentary about a renowned Toronto viola maker by the name of Otto Erdesz and his then wife, the famous viola player Rivka Golani. This half hour film was produced as an independent production and was sold to the Canadian Broadcasting Corporation where it aired nationally in their Canadian Reflections series. The camera man on this documentary was a fellow by the name of Mark Irwin. Mark provided a beautiful look to this film and was kind to fit this job in between his work as D.P. on David Cronenberg features.
After that, David decided to go to film school in England at the prestigious National Film and Television school. There he made two half-hour live action dramas. He also met fellow student Alison Snowden at the film school. They worked on each others films including Alison's short animation, SECOND CLASS MAIL (1985), which went on to win an Oscar nomination and led to their career together in film.
In 1989, they decided to move back to London where they worked for fifteen years, making BOB'S BIRTHDAY (1994), "Bob and Margaret" (1998) and numerous TV ads and other stuff in between.
Snowden (British) and Fine (Canadian) both graduated from The National Film & Television School in Beaconsfield U.K. in 1984, working in both live action and animation. At film school they worked alongside other renowned animators Nick Park and Mark Baker.
After film school they moved to Canada where they worked at The National Film Board. There they made GEORGE AND ROSEMARY (1987), a short animated film about elderly romance. This film received an Oscar nomination, a Canadian Academy Award, first prize at The Zagreb Animation Festival, as well as a number of other awards.
IN AND OUT (1989), a wry film about life beyond the womb, won awards at The Berlin Film Festival, Athens, and a Canadian Academy Award nomination.
Other work includes a segment for the short erotic film PINK KOMKOMMER, the script for the humorously macabre NFB short animation DEADLY DEPOSITS (1993) and various commercial work including the award winning "Smarties Policeman" ad and the national UK campaign for the Inland Revenue featuring a tax inspector voiced by Sir Alec Guiness. Alison has written for the animated series "Peppa Pig" and Alison and David developed the Aardman series "Shaun the Sheep" (2007).
In 2005 they relocated back to Canada, but this time Vancouver, BC! They now happily reside there with their daughter, Lily, who starred as the original voice of Peppa Pig, back when she had a British accent (via)
snowdenfine.awn.com Web de esta pareja de animadores.
Her interest in drawing and storytelling continued, but at the end of her schooling she was told by a career advisor that she was far too shy to consider a career in the Arts. Too late to reconsider a career in butchery and with no other calling she defied the advisor and took a Foundation course at Mansfield Art College followed by a Degree in Graphic Design at Lanchester Polytechnic in Coventry. It was during this degree course that she realised how little she was interested in graphic arts and instead, found an interest in animation and film making.
Her early attempts at animation peaked her interest in film directing and so she applied to Britain's National Film and Television School where she studied live action film making. It was there that she met her partner, David Fine. He is not shy in the least, so together they make one normal person. Both Alison and David's interest in animation remained, despite their working in live action. David introduced Alison to the animated short films of The National Film Board of Canada and, having never been inspired by traditional cartoon animation, she found this a revelation. At the end of the four-year course she embarked on her short animated film SECOND CLASS MAIL. This film won numerous awards including an Oscar® nomination and led to pursuing a career in animation with David.
Other notable (non-nominated) credits include GEORGE AND ROSEMARY and PEOPLE AND SCIENCE: A TEST OF TIME (both 1987), IN AND OUT (1989), THE BOSS (1991), DEADLY DEPOSITS (1993) and the TV series "Bob and Margaret" (1998). Recently, she has directed episodes of the British TV series "Peppa Pig" (2004) and "Shaun the Sheep" (2007) at Aardman Animations. (via)
"Bob's Birthday" part1
"Bob's Birthday" part2
"Bob and Margaret" Pt. 1/2 (1995) wikipedia
"Bob and Margaret" Pt. 2/2 (1995) wikipedia
David Fine, born in Toronto, Ontario, Canada. He made a lot of super 8 and 16mm films as a teenager growing up in the suburbs of Canada's biggest city. Despite the vast wasteland that was the Keele and Finch area of Downsview, David found inspiration and many of his films won awards at various festivals. It was this encouragement and the support of many kind people in the film industry in Toronto, which led to David taking a career as a film maker seriously.
At the age of 17 he made a short animated film called THE ONLY GAME IN TOWN (1982). This was a plasticene animated film about a father and son relationship based around a poker game. He co-directed this film with the renowned documentary film maker Ron Mann, but this was before Ron was renowned. This film got a Canadian Academy Award nomination for best short film. David and Ron also collaborated on other short films and lots of record buying.
Just as he finished high school, he was offered the opportunity to take part in the National Film Board of Canada's student film program. So he moved to Montreal for three months and made three short films there. This visit proved to be a great inspiration as he got to work amongst some of the finest animators in the world, including Caroline Leaf, Janet Perlman, Derek Lamb, Sheldon Cohen, Co Hoedeman and many other talented artists.
After that, at the age of 19, he made a half hour documentary about a renowned Toronto viola maker by the name of Otto Erdesz and his then wife, the famous viola player Rivka Golani. This half hour film was produced as an independent production and was sold to the Canadian Broadcasting Corporation where it aired nationally in their Canadian Reflections series. The camera man on this documentary was a fellow by the name of Mark Irwin. Mark provided a beautiful look to this film and was kind to fit this job in between his work as D.P. on David Cronenberg features.
After that, David decided to go to film school in England at the prestigious National Film and Television school. There he made two half-hour live action dramas. He also met fellow student Alison Snowden at the film school. They worked on each others films including Alison's short animation, SECOND CLASS MAIL (1985), which went on to win an Oscar nomination and led to their career together in film.
In 1989, they decided to move back to London where they worked for fifteen years, making BOB'S BIRTHDAY (1994), "Bob and Margaret" (1998) and numerous TV ads and other stuff in between.
Snowden (British) and Fine (Canadian) both graduated from The National Film & Television School in Beaconsfield U.K. in 1984, working in both live action and animation. At film school they worked alongside other renowned animators Nick Park and Mark Baker.
After film school they moved to Canada where they worked at The National Film Board. There they made GEORGE AND ROSEMARY (1987), a short animated film about elderly romance. This film received an Oscar nomination, a Canadian Academy Award, first prize at The Zagreb Animation Festival, as well as a number of other awards.
IN AND OUT (1989), a wry film about life beyond the womb, won awards at The Berlin Film Festival, Athens, and a Canadian Academy Award nomination.
Other work includes a segment for the short erotic film PINK KOMKOMMER, the script for the humorously macabre NFB short animation DEADLY DEPOSITS (1993) and various commercial work including the award winning "Smarties Policeman" ad and the national UK campaign for the Inland Revenue featuring a tax inspector voiced by Sir Alec Guiness. Alison has written for the animated series "Peppa Pig" and Alison and David developed the Aardman series "Shaun the Sheep" (2007).
In 2005 they relocated back to Canada, but this time Vancouver, BC! They now happily reside there with their daughter, Lily, who starred as the original voice of Peppa Pig, back when she had a British accent (via)
snowdenfine.awn.com Web de esta pareja de animadores.
Co Hoedeman
Co Hoedeman nació en Ámsterdam en el año de 1940. Inmigró a Canadá cuando tenía 25 años, y se integró a trabajar a la Office National du film du Canada ONF, después de producir su primera película: ODDBALL, en 1969. Desde entonces ha trabajado en más de 20 producciones, incluyendo las cuatro partes de la serie en la cual Ludovic, el osito que descubre las estaciones del año.
Hoedeman ha ganado más de 80 premios internacionales y reconocimientos durante su carrera. Solamente THE SAND CASTLE (El Castillo de Arena) ganó 24 premios, incluyendo un Oscar en 1978 como el mejor cortometraje animado. Un mago de la animación, Hoedeman crea un trabajo con gran sensibilidad, y crea un mundo maravilloso utilizando diversas técnicas de animación. Es un gran clásico de la animación.
Co Hoedeman declaro en alguna ocasión: Permítanme explicar cuál es el contexto en el cuál yo trabajo. Soy al mismo tiempo un artista y un funcionario del estado. Trabajo para la Office National du Film de Canadá que es una institución Gubernamental. Es una institución cuyo fin es la producción de cine documental y de animación. Cada año tenemos un presupuesto general de alrededor de 70 millones de dólares canadienses. Cuando tengo una idea para hacer una película no tengo que buscar dinero para hacerla, sino que ya está dentro de la institución y eso es una ventaja. Primero hago el proyecto de la película lo presento a los productores de la Office y después ellos me dejan desarrollarlo o no. Cuando estoy listo para la segunda parte (guión, personajes etc.) en ese momento tengo que presentar el proyecto ante un comité. Cuando el proyecto es aprobado por los comités, entonces tengo ya la libertad y el tiempo para realizar la película.
Otra ventaja que tengo es que no tengo entregas definidas, entonces no estoy obligado a cumplirle a un cliente sino que me enfoco mucho más al compromiso con el público. Todo esto para decirles que soy uno de los cineastas más afortunados del mundo.(via)
"Lumaaq, an Eskimo Legend" (1975)
Co Hoedeman (2002) -Taller de Cine "El Mate"-
Hoedeman ha ganado más de 80 premios internacionales y reconocimientos durante su carrera. Solamente THE SAND CASTLE (El Castillo de Arena) ganó 24 premios, incluyendo un Oscar en 1978 como el mejor cortometraje animado. Un mago de la animación, Hoedeman crea un trabajo con gran sensibilidad, y crea un mundo maravilloso utilizando diversas técnicas de animación. Es un gran clásico de la animación.
Co Hoedeman declaro en alguna ocasión: Permítanme explicar cuál es el contexto en el cuál yo trabajo. Soy al mismo tiempo un artista y un funcionario del estado. Trabajo para la Office National du Film de Canadá que es una institución Gubernamental. Es una institución cuyo fin es la producción de cine documental y de animación. Cada año tenemos un presupuesto general de alrededor de 70 millones de dólares canadienses. Cuando tengo una idea para hacer una película no tengo que buscar dinero para hacerla, sino que ya está dentro de la institución y eso es una ventaja. Primero hago el proyecto de la película lo presento a los productores de la Office y después ellos me dejan desarrollarlo o no. Cuando estoy listo para la segunda parte (guión, personajes etc.) en ese momento tengo que presentar el proyecto ante un comité. Cuando el proyecto es aprobado por los comités, entonces tengo ya la libertad y el tiempo para realizar la película.
Otra ventaja que tengo es que no tengo entregas definidas, entonces no estoy obligado a cumplirle a un cliente sino que me enfoco mucho más al compromiso con el público. Todo esto para decirles que soy uno de los cineastas más afortunados del mundo.(via)
"Lumaaq, an Eskimo Legend" (1975)
Co Hoedeman (2002) -Taller de Cine "El Mate"-
Cordell Barker
Estos son los dos unicos cortos personales realizados por este canadiense. Ambos producidos por el NFB, nominados al oscar y ganadores de innumerables premios y festivales internacionales.Barker se dedica a la publicidad en EEUU y Canadá. Su particularidad radica en considerar que en animación los tiempos, la historia y el color son mas importantes que el propio dibujo.(fuente:"Animation Now!" ed. taschen Gmbh 2004)
"The Cat Came Back" (1988)
"Strange Invaders"
filmreferencelibrary
"The Cat Came Back" (1988)
"Strange Invaders"
filmreferencelibrary
Bretislav Pojar
Bretislav Pojar se unió en 1947 a la leyenda de la animación checa Jiri Trnka en su mítico estudio de animación de muñecos de Praga. Conviene señalar que Trnka no sabía animar, de modo que el extraordinario movimiento de los muñecos de sus películas es obra de Pojar, que adquirió con el maestro más conocimientos culturales y éticos que técnicos.
Su primera cinta importante fue Un vaso es demasiado (1953), pero sus mejores obras son aquellas que utilizan el lirismo y la sátira para ensalzar principios positivos como la paz, la libertad o la creatividad: Billares (1961), Discurso de inauguración (1962), Romance (1963) o sus tres películas para el NFBC, entre las que se encuentra su famosa E (1981).
Pojar llegó a declarar que "la animación es como la hipnosis, excepto en que en la película el hipnotizado debe ser la madera, y hay que ser un buen hipnotizador para dar vida a un muñeco".(via)
Bretislav Pojar, el señor del juego
[08-10-2003] Por Andrea Fajkusová
"E" (1981)
Part one of episode 01 : "Potkali se u Kolina"
Part two of episode 01 : "Potkali se u Kolina"
"How to Catch a Tiger" PT 1/2
"How to Catch a Tiger" PT 2/2
The third episode "How to Catch a TIger"of the "Garden" series based on the book of the same name by Jiri Trnka features four boys would like to hide from the sunshine in a shadowy garden but they are afraid of the bad tomcat they ran away from when they last visited the garden. They decide to organise a hunt in which, however, they themselves are almost chased down. They are saved from the furious tomcat by their friends, the elephants, that can even fly.
Bretislav Pojar (1923) is a big name in Czech animated film, a modern classic. A classic because of his virtuoso command of animating the traditional three-dimensional puppets he brought to life long ago in the films of Jiri Trnka, and also because of his masterful development of the art of the perfectly illusional spectacle, emitting a tender and captivating lyrical atmosphere (The Lion and the Song, The Appletree Maiden). But Pojar has also always been one for daring to try something new, and has always sought out new themes and more and more different ways to deal with the art and animation in his projects. He came up with materials that seemingly had no place in the poetic world of animated film the way they resonated with the times and turned to the mature viewer to spur him to think about his actions and the bleakness of their consequences (A Drop too Much, Bomb-Manie, Antidarwin). And most importantly, he had the idea of animating puppets in relief, playing flexibly and captivatingly with their initial forms and frequently transforming them on-screen right before our eyes; it was a game that brought filmgoers large and small joy from unexpected creative variation and unleashed imagination. Experts appreciate not only the individual works from Pojar's rich filmography but also his "two bears" series of films (Come Sir Let Us Play) and his series of boyish adventures in an overgrown garden (The Garden); everyone simply loves it. (via)
wikipedia
Su primera cinta importante fue Un vaso es demasiado (1953), pero sus mejores obras son aquellas que utilizan el lirismo y la sátira para ensalzar principios positivos como la paz, la libertad o la creatividad: Billares (1961), Discurso de inauguración (1962), Romance (1963) o sus tres películas para el NFBC, entre las que se encuentra su famosa E (1981).
Pojar llegó a declarar que "la animación es como la hipnosis, excepto en que en la película el hipnotizado debe ser la madera, y hay que ser un buen hipnotizador para dar vida a un muñeco".(via)
Bretislav Pojar, el señor del juego
[08-10-2003] Por Andrea Fajkusová
"E" (1981)
Part one of episode 01 : "Potkali se u Kolina"
Part two of episode 01 : "Potkali se u Kolina"
"How to Catch a Tiger" PT 1/2
"How to Catch a Tiger" PT 2/2
The third episode "How to Catch a TIger"of the "Garden" series based on the book of the same name by Jiri Trnka features four boys would like to hide from the sunshine in a shadowy garden but they are afraid of the bad tomcat they ran away from when they last visited the garden. They decide to organise a hunt in which, however, they themselves are almost chased down. They are saved from the furious tomcat by their friends, the elephants, that can even fly.
Bretislav Pojar (1923) is a big name in Czech animated film, a modern classic. A classic because of his virtuoso command of animating the traditional three-dimensional puppets he brought to life long ago in the films of Jiri Trnka, and also because of his masterful development of the art of the perfectly illusional spectacle, emitting a tender and captivating lyrical atmosphere (The Lion and the Song, The Appletree Maiden). But Pojar has also always been one for daring to try something new, and has always sought out new themes and more and more different ways to deal with the art and animation in his projects. He came up with materials that seemingly had no place in the poetic world of animated film the way they resonated with the times and turned to the mature viewer to spur him to think about his actions and the bleakness of their consequences (A Drop too Much, Bomb-Manie, Antidarwin). And most importantly, he had the idea of animating puppets in relief, playing flexibly and captivatingly with their initial forms and frequently transforming them on-screen right before our eyes; it was a game that brought filmgoers large and small joy from unexpected creative variation and unleashed imagination. Experts appreciate not only the individual works from Pojar's rich filmography but also his "two bears" series of films (Come Sir Let Us Play) and his series of boyish adventures in an overgrown garden (The Garden); everyone simply loves it. (via)
wikipedia
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
